El Oscar a Mejor Película Animada: De la Peor a la Mejor
Durante gran parte de la historia de los Premios de la Academia se negaron a crear una categoría para premiar exclusivamente largometrajes animados bajo el argumento de que había pocas producciones del estilo que se estrenaban en el año. Añadiendo a los estigmas que en Occidente se han tenido con respecto a la animación. No fue sino hasta la fundación de Dreamworks, la apertura de BlueSky Studios por parte de Fox, el inicio de Nickelodeon Studios y la inclusión de producciones internacionales que la Academia decidió darle inicio a la categoría en su ceremonia 74°.
La categoría se ha convertido en una de las favoritas del público y una de a las que más se le presta atención principalmente porque muchas de estas producciones generalmente logran ser éxitos taquilleros o marcan a generaciones. En espera si Flow o The Wild Roboe se unen a esta lista, aquí de la peor a la mejor ganadora:
INTRODUCCIÓN Y ORDEN Por el Cine Actuario
23 – Encanto (Byron Howard, Jared Bush, Charise Castro Smith, 2021)
Por el Cine Actuario
Tenía todo para ser un clásico de la fábrica: una protagonista de corte “underdog” que busca resaltar en una familia superpoderosa (literalmente), una antagonista atípica encarnada en el papel de la abuela de la familia, una lección interesante sobre cómo las expectativas paternales terminan por influir negativamente en los individuos ¿Qué falla? Una dirección inestable que no equilibra la parte musical con la narrativa (gracias a una personita cuyo nombre no diré), que a pesar de que nos regaló un clásico sonoro contemporáneo (No hablemos de Bruno), su falta de balance termina por hundir a la casita de los Madrigal: En esta casita “No se habla de Lin-Manuel Miranda”.
22 – Brave (Mark Andrews, Steve Purcell, Brenda Chapman, 2012)
Por El Fett
El reciclaje argumental, fórmula preferida del desde ese momento, total patrón de Pixar, llamado Disney, encausa una cinta con un libreto pobre, predecible y metido con calzador; los personajes, aunque bien estructurados, siguen siendo las mismas figuras de sus películas sembradas y cosechadas desde los años 30’s, y la comicidad característica en este tipo de producciones pasa a segundo plano, convirtiéndose en una serie de clichés y gags físicos centrados en la “travesura infantil”. Si hablamos de sus virtudes, estas son las mínimas, comenzando por el trabajo de voces y el ya obligado y bien encausado entorno y folclor, en este caso de la cultura escocesa. Con Brave algo se rompió, y la constancia de calidad ya no sería la misma
21 – Frozen (Chris Buck, Jennifer Lee, 2013)
Este fue el éxito que la compañía había planeado con Enredados. Tarde pero seguro, Frozen vino a romper récords nuevamente con un cuento altamente modificado a los estándares de felicidad de Disney. Regresando a la fórmula que funcionó 20 años atrás, inyectando elementos teatrales a la música pero actualizando el carácter de los personajes, se logra una amalgama altamente disfrutable. Aquí se burlan indirectamente de sus propios clichés (sobre todo en cuestión al príncipe) a la vez que invierten un poco los roles, centrándose en el amor filial y no en el romántico. Si por mi fuera estaría más alto en el top ¡Porque libre soy, libre soy!
20 – Big Hero 6 (Don Hall, Chris Williams, 2014)
Por Clementine
Basada en un cómic de Marvel, esta película de animación 3D y llena de easter eggs, cuenta la historia de Hido Hamada, un sobresaliente chico amante de la robótica que vive en la ciudad de San Fransokyo y quien, para sobrellevar el duelo por la reciente muerte de su hermano, intenta terminar un robot comenzado por éste para llenar su vacío. Así nace Baymax, un robot blanco y bonachón que se convierte de inmediato en su mejor amigo. Juntos y formando su escuadrón con miles de piezas, ingenio y corazón; buscan salvar a San Fransokyo de la banda criminal de Yokai, responsable también de la muerte de su hermano. Hermosa fusión de estilos y conceptos entre Oriente y Occidente, Big Hero se convirtió instantáneamente en un entrañable clásico.
19 – Happy Feet (George Miller, 2006)
Por El Fett
Una combinación impensada que incluso originó una de las ideas más frescas dentro del rubro animado de la pasada década, pareciera incluso broma que George Miller tuviera el toque para dirigir un musical animado (aunque ya lo había hecho en forma de guion y producción) donde los pingüinos confirmaría su posicionamiento como los personajes insignia de mediados de la década 0 (un año antes aparecía el poderoso documental “La Marcha De los Pingüinos), ganando justamente con gran ritmo narrativo y musical 18 premios internacionales, incluyendo el Oscar, Globo de Oro y el BAFTA. La Antártida estaba en su apogeo, pero a punto de terminar su era, la cual no alcanzó para acobijar una muy desafortunada secuela en el 2011.
18 – Guillermo del Toro’s Pinocchio (Del Toro, 2022)
Por El Fett
Del Toro hace pequeños grandes ajustes al cuento y lo convierte en algo tan mágico como irónicamente humano, esto gracias a centrar mucha parte de su relato en el aspecto de Gepetto, el duelo por su hijo y la aceptación de su nueva paternidad. A pesar de que Guillermo corta muchos pasajes del original, manteniendo su historia solo uno de ellos, el astuto abordaje de su contexto histórico dentro de la Segunda Guerra, complementa esas faltantes piezas sin que se extrañen, aportando frescura, oscuridad y un muy buen sentido del humor, con unos cuantos chistes dignos de negras carcajadas (sobre todo aquellos que tienen que ver con la muerte). Otro aspecto para resaltar de esta versión son las voces, en especial las de David Bradley y McGregor
17 – Soul (Pete Docter, 2021)
Por El Fett
De una manufactura y diseño animados que rayan en la perfección, Docter se proclama sin duda alguna como uno de los mejores director de Pixar al de nuevo encausar una fábula de connotaciones cuánticas – emocionales con cierta complejidad y dirigida a un público más adulto. Sus diálogos son una delicia y su alargado clímax logra asentar su mensaje final, sin embargo lo que principalmente resalta es el poderío visual – musical, una comunión que desde un principio logra atrapar al espectador para sumergirlo en esta animación reflexiva. En sus puntos débiles, algo hay en su desarrollo que no logra la complejidad dramática y emocional de sus otras símiles, incluso perdiendo ampliamente ante la otra parecida de Docter: Inside Out
16 – Toy Story 4 (Josh Cooley, 2019)
Por El Fett
Pixar vuelve a sacar a sus juguetes del ático para anotar otra secuela precisa y adepta al crecimiento de su público clave, aquellos millennials en su transición a la adultez y ahora con descendencia de por medio. Si bien es la menos mejor de la saga Toy Story, el libreto se las arregla para relegar a los personajes secundarios de las otras tres, e incluir en su lugar a una nueva gama de elementos que resultan frescos e hilarantes, aún con el obvio forzamiento narrativo hacia las tendencias de la otra generación: los centennials. No cabe duda que a Pixar solo le salen las secuelas de Toy Story, porqué de todas las demás no se hace ni una. El final, ese final de nuevo le saca las lágrimas a cualquier vaquero(a).
15 – Zootopia (Rich Moore, Byron Howard, Jared Bush, 2016)
Por El Fett
Astuta “buddy movie” que mantiene un ritmo increíble sin dejar de lado su sutil pero efectiva crítica socio racial, la cual se refleja no solo en la situación de su protagonista y en la relación hacía con su accidental socio, sino también en el principal giro de tuerca en una analogía dura pero bastante bien coloreada para referir al “depredador” como parte de una ahora amenazante minoría. En el tono de thriller, Moore construye una serie de investigaciones criminalísticas enfocadas en “desapariciones”, aderezándolas con tópicos políticos y corporativos en una excelente telaraña de misterio disfrutable y comprensible no sólo para los adultos, sino también para los peques. La última gran joya del estudio.
14 – Finding Nemo (Andrew Stanto, Lee Unkrich, 2013)
Por El Fett
Finding Nemo se ha convertido en una odisea entrañable con picos narrativos tan conmovedores como divertidos que ayudan a acelerar el ritmo y el interés por su historia a pesar de lo predecible y cliché de su argumento. Si bien el doblaje en español no ayuda, la versión original compenetra la voz con el sentir de sus personajes (algunos desperdiciados e innecesarios, otros inolvidables), una gama de seres tan variadas que comulgan perfectamente con la ambientación de un vasto océano y la búsqueda implacable del pez por su hijo. Repito, existe un cierto endiosamiento hacía la cinta, pero en su respectiva calidad merece ser la primera (de abajo hacia arriba) considerada como “buena película” y clásico de Pixar
13 – Coco (Lee Unkrich, Adrián Molina, 2017)
Por El Fett
Cotidiana historia familiar que emprende en su desarrollo una formidable aventura surrealista adepta a la cultura e idiosincrasia de México, demostrando uno de los mejores talentos de Pixar (además del de robar argumentos): la investigación y diseño de su entorno y personajes. Así, su rutinario mensaje y hasta su previsible giro de tuerca son víctimas de un manifiesto emocional que hacía su clímax resquebrajan hasta al más macho. Mención aparte no solo para su imaginería y reinvención de personalidades del folclor artístico y cultural mexicano, sino por el atrevimiento en la implementación de su villano, una soberbia adaptación antagónica del inmortal Pedro Infante.
12 – Up (Pete Docter, Bob Peterson, 2009)
Por El Fett
Quizá esta increíble aventura romántica es en el pleno meridiano de Pixar la que asentó su hegemonía y poderío emocional, dignificándose en historia, ritmo y lágrimas justo después de la gran joya por venir, y por sus propias armas, creando un culto alrededor de su pareja de abuelos que en su triste pero fastuoso prólogo, sin duda se creara el momento más catártico en la historia “pixariana”. En su segunda mitad, la extensión de aquel romance sufre una metamorfosis extraña pero cautivadora hacia una gran aventura, aderezada por uno de sus villanos más originales y un par de elementos fantásticos que surten una metáfora más que patriarcal, familiar, entrañable y exquisita.
11 – Spiderman: Into the Spider-Verse (Bob Persichetti, Peter Ramsey, Rodney Rothman, 2018)
Por el Cine Actuario
Una película sumamente redonda que aprovechó perfectamente el concepto del multiverso convirtiéndola en parte de la narrativa y no en una excusa para hacer un “reset” cada vez que algo no funcionaba. Cada personaje quedó bien desarrollado a pesar de ser una versión derivativa del otro, y tuvo quizás a uno de los mejores Fisk, apoyado principalmente el estilo de animación multifacético que contribuye a la narrativa visual. Mención aparte es que los directores plasman de una manera audaz los tópicos clásicos de los personajes, especialmente con la perdida de los seres queridos, vital para la madurez de los Parkers. Into the Spider-Verse sin ambicionar tanto quizás se volvió la pieza más esencial de este subgénero gastado.
10 – Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit (Nick Park, Steve Box, 2005)
POR JOSE ROBERTO ORTEGA
Después de una terna de muy exitosos cortometrajes, dos de los personajes más entrañables y queridos dan el paso al largometraje. Aquí, el animoso Wallace y su ingenioso perro Gromit, intentarán mantener controlada una plaga de conejos que ha puesto en jaque la celebración del concurso de vegetales gigantes. A través de su invento “Anti-Pesto” buscarán capturar a una bestia gigante, cuya voracidad amenaza no sólo al concurso, sino al pueblo entero. Llena de un fino humor, un exquisito sarcasmo y de numerosas referencias a los monstruos de la Universal (principalmente al Hombre Lobo), la película derrocha el encanto habitual de sus personajes protagonistas y los llevaría a obtener el único Oscar de Aardman
9 – Rango (Gore Verbinski, 2011)
POR EL FETT
Una surreal animación que se encargó de rescatar y rendir homenaje a muchos de los elementos clásicos del género de manera satisfactoria. Teniendo como protagonista a un ajeno y extraño personaje para la ambientación (Johnny Depp como anillo al dedo), la historia no solo supo posicionar a las 3 las referencias del género, chili, espagueti y el local western, sino también a los partícipes de estos en una especie de reencarnación animalizada y/o espiritual de Huston, Van Cleef o Eastwood, este último como el espíritu del oeste, “el hombre sin nombre”, que tan bautiza la final personalidad del héroe para su duelo final, como sirve de recordatorio a la progresiva extinción y posterior revitalización del género, de donde el camaleón parecer ser el símbolo idóneo.
8 – El Niño y la Garza (Hayao Miyazaki, 2023)
Por el Cine Actuario
Fiel a su estilo Miyazaki escribe una carta de amor al cine y su legado con una historia cargada de simbolismos. La trama de Mahito y la superación del duelo de su madre viene con subtextos alrededor de la vida y la muerte vistos como un balance universal, el origen de la maldad, las dificultades de la maternidad y como última puerta; el arte como una manera de trasladar todas las viscitudes y dolores de la vida, en su último acto Hayao abre su corazón y expresa su preocupación sobre su herencia artística, ¿Quién continuará el legado después de que él se vaya? La invitación está abierta, y si bien no existirá alguien como Miyasaki, el deber para aquellos que hacen y hablan de cine es no dejar que el castillo se derrumbe. Al final de cuentas quizás ante la coyuntura actual el mundo de las ideas y el arte es el último lugar donde aún estamos a salvo
7 – Ratatouille (Brad Bird, 2007)
Por El Fett
Una cinta que como los buenos vinos tiene la capacidad de madurar y saber mejor con el paso de los años, la relación humano – animal no solo es delirantemente exquisita, sino también la base de su aventura conformada por el dialecto secreto alrededor del arte de cocinar, abarcando todos los sabores y pormenores desde su problema a nivel corporativo y laboral hasta la crítica y su sazón; sin embargo el verdadero poder de Ratatouille reside en como ese tremendo clímax, en su capacidad de llevarnos a través de una animación a disfrutar o imaginarnos los olores y sabores de los platillos compartiendo la intimidad de la cocina y haciendo empatía hasta con las ratas.
6 – Shrek (Andrew Adamson, Vicky Jenson, 2001)
Por el Cine Actuario
La historia de un ogro que busca rescatar a una princesa a cambio de sus tierras, se convirtió en un icono de la cultura pop. Desde la primera secuencia la cinta no se guarda nada y comienza a lanzar un chiste tras otro de manera hábil e inteligente, mientras a su paso se va burlando de todos los tropos de los cuentos hadas con un humor ácido, irreverente. Esa deconstrucción le dio un plus, añadiendo un diseño de personajes sumamente interesante (un villano acomplejado, un compañero molesto, una princesa fuerte) rompiendo varios moldes. A pesar de que la historia caiga en algunos clichés, las modificaciones en los roles clásicos y el estilo absurdo es lo que le otorga originalidad. Dreamwork definió su estilo y solo tuvo que gritar que “El emperador” estaba desnudo.
5 – Inside Out (Pete Docter, Ronaldo Del Carmen, 2015)
Por El Fett
Fastuoso repertorio estético y uno de sus mejores guiones, Pixar crea a partir de su manejo emocional precisamente una cinta sobre ello, con las pertinentes altas dosis en varios de sus momentos gracias a una funcional complejidad digerible tanto para el plano infantil como para el adulto, en un caso de peculiar corriente surrealista que estructura la estructuración, o en otras palabras, que trata sobre la delimitación de cierto personaje sin dejar de prestar atención a sus entorno familiar. Elementos entrañables y escenarios salidos solo de la mente y la imaginación de uno de los mejores Pixar, quizá le faltó un poco de química entre sus personajes para ser perfecta, pero emocionalmente está soberbia así como está
4 – The Incredibles (Brad Bird, 2004)
Por El Fett
Dos valores distinguen a una de las mejores películas sobre superhéroes: la primera, un manejo excepcional del prólogo, conflicto y clímax que aborda con habilidad todos los estereotipos sociales – familiares y hasta educacionales de los suburbios americanos gracias al ritmo y asentamiento del elemento fantástico en un contexto real; la segunda, su compleja pero a la vez ligera temática adulta, la cual disfrutable y comprensible para niños , jóvenes y adultos, marca una tendencia en todo el film que servirá para dejar al plano “súper” en segundo lugar, dando mayor relevancia al divertido y complejo drama familiar con una sorpresiva libertad creativa. El plus, un villano sobresaliente y su siniestro plan
3 – Toy Story 3 (Lee Unkrich, 2010)
Por El Fett
Añejamiento dramático construido de manera perfecta para una generación adepta a la nostalgia y fiel a sus juguetes desde 1995, los cuáles aquí enfrentan al igual que la audiencia, el paso hacia la adultez y el relevo generacional que para la parte 4 tomará forma de tendencias. Manteniendo la calidad de sus predecesoras, resulta fascinante como la inclusión de nuevos elementos refrescan su argumento, exigiendo un mayor compromiso y/o conflicto que en este caso se ven reflejados en el momento que Pixar logró asustarnos por algunos segundos, exprimiendo nuestras emociones más trágicas y esperanzadoras en lo que parecía un trágico final. De ahí su genialidad.
2 – Sen to Chihiro no Kamikakushi (El Viaje de Chihiro)
Película clave para de todo el cine de Miyazaki, el paso de la niñez a la adolescencia mostrando en una película llena de personajes y criaturas por lo más singulares. Si con Mononoke Occidente ya había puesto si ojo en su cine, con Chihiro llegó para quedarse, en una odisea para encontrarse a si misma en busca de su propia identidad y la pérdida de la misma. Chihiro también representa un segundo aire para Ghibli como estudio de animación, ya que se encontraba tambaleándose en medio de producciones que no llegaban a los números necesarios en taquilla. Chihiro vino a revolucionar la forma en cómo Ghibli y el propio Miyazaki hacia sus películas, manteniendo el tono artesanal en cada uno de sus fotogramas pero también con la ayuda de la animación digital y la llegada del CGI y el 3D.
1 – Wall-E (Andrew Stanton, 2008)
Por El Fett
El contexto creativo detrás de esta joya debió representar algo exquisito artísticamente hablando. La amalgama de elementos hacen a esta emocional fábula SF una pieza que funciona en varios planos. Primeramente su crítica al consumo y el cómico retroceso humano desde sus aspectos más básicos representan una oportunidad para la reestructuración de una A.I. que luce más humana y sentimental, lo cual nos lleva a un giro a manera de homenaje (A HAL 9000) para comprender la “lógica” capitalista en la preservación del ser sobre su propio albedrío y bienestar. Por otro lado la representación sin diálogos y la creación de un personaje clásico como Wall-E es puro amor ¡JOYA!
Estadísticas
- Pete Docter y Lee Unkrich son los más ganadores en esta categoría con 3 Estatuillas.
- Pete Docter y Hayao Miyasaki son los mas nominados con 4 ocasiones.
- El estudio que más veces ha sido nominado pero no ha ganado es Laika con 6 veces.
- Hayao Miyasaki es el ganador y el nominado más longevo con 83 años
- El estudio que más veces ha ganado es Pixar (11 veces), siendo también el más nominado (19 veces)