Las 15 Mejores Películas de Steven Spielberg
Steven Spielberg, más que un nombre, más que un director, es un concepto en el cual la cinematografía americana fundamentó sus preceptos comerciales y artísticos al menos durante dos décadas (70s y 80s) y que a la par, fungió como guía y/o influencia para proseguir con una vertiente narrativa durante otros 20 años, tiempo en el cual el sinónimo de Hollywood o el apodado Rey Midas forjó una escuela de la cual han sobresalid alumnos de la talla de Zemeckis, Abrams, Nolan y en donde a la par trabajó de forma conjunta con la mejor época animada de la WB durante los 90, con proyectos que hasta la fecha son piedras angulares en la industria del entretenimiento y/o de la maquinaria del cine.
Como todo concepto, Spielberg cuenta tanto con una serie de fanáticos y/o gente del gremio, crítica y prensa que lo respeta, como igual una variedad de detractores que le atañen la lógica consecuencia que desató su producción y poder judío en Hollywood, la cual convirtió al cine en una máquina de explosivos y pirotecnia preocupada más por el monto de una taquilla que por el contexto o naturaleza artística de la obra en cuestión. Si bien esta acusación es cierta y quizá en esta nueva década llegando al punto fulminante de un no retorno o cura hacia este progresivo mal, su obra irónicamente carece de este sentido meramente comercial, logrando desde sus inicios un equilibrio entre el aspecto artístico y el comercial estructurando cintas de gran valor en términos técnicos y narrativos que a la larga lo llevaron no solo a ser un elemento imprescindible y punto de partida y/o comparación de aquella época y ante todo espectador perteneciente a dos generaciones (X y Y), sino también una figura de poder y respeto a la cual incluso maestros como Stanley Kubrick decidieron confiar sus obras.
Poseedor de una visión tecnológica, social, futurista, científica y hasta publicitaria que lo han llevado a ser objeto de miles de teorías motivadas por el colectivo de ciertas subculturas creyentes de lo paranormal o fehacientes al concepto extraterrestre, no podemos negar que incluso estas al transformarse en manías y/o vicios al pasar de los años, han denotado una evolución cinematográfica importante que se han reflejado tanto detrás como delante de las cámaras. Estas aportaciones en su mayoría tecnológicas al mundo del cine se han traducido ya en el lenguaje artístico en poderosos momentos que en ningún momento proyectan a un taquillero, sino a un maestro del seguimiento y ritmo, a un alfarero visual rico y revolucionario en el uso de los planos, secuencias y su posterior edición, a un artista del entretenimiento que en su tiempo de gloria y reinado sobre la meca americana regaló al séptimo arte y a los espectadores joyas fundamentadas en todos los preceptos del guion y la coherente narración fílmica, pero también provistas de personajes, mundos, ambientaciones y aventuras que llevaban la ficción a otros horizontes, llámense mágicos o brutalmente realistas, que en consecuencia lo han llevado a fungir en casi toda la gama de géneros: ciencia ficción, aventuras, acción, terror, animación, drama, thriller y comedia.
Pero toda luz se agota y Spielberg ha caído en la usanza de sus propios excesos pese a que durante más de 20 años dominó la escena y pudo ser proclamado con todo su peso y poder aún como un experimentador. Dicha costumbre lo ha roto y sumergido en una mediocridad reticente, afectado por la misma corriente que él creó y por los mismos a los que él posicionó, siendo ahora relegado a una prueba dramática que no le ha rendido frutos en al menos 17 años de carrera.
De entre 37 films dirigidos, más de 150 títulos producidos entre cine y televisión, 3 Oscar, 2 Globos de Oro, 3 Emmys, 4 Bafta, una Palma de Oro por guionista, y un León de Oro ¿Cuáles son sus 10 mejores películas? Celebremos los 75 años del Rey Midas haciendo un recorrido de su indiscutible – legendaria obra.
Bonus culposo – War of Worlds (2005)
A pesar de su inaguantable trío de protagonistas, de la incongruencia de su guion, de los chillidos de Dakota, de su vomitivo desenlace, de su conflicto sin ninguna pizca de suspenso y de la exposición de Cruise como todo un “Don Juan” en plena destrucción mundial, me declaro culpable de que Spielberg me logró capturar con sus puros fuegos pirotécnicos y el sonido y aparición de sus tripoides. Yo sé que esta película debería ser quemada por el bien de la humanidad, o bien, ser un ejemplo de cómo “no hacer cine”, pero si algo se rescata de la misma es su espectacularidad, que incluso por momentos llega a superar a su versión original. Esos si, esta es mejor que NOPE
Bonus – War Horse (2011)
Spielberg se iba a reencontrar por algunos momentos con su buen nivel, al lograr transportar a su audiencia a una tensa y bonita odisea de un caballo y su dueño a través de la Primera Guerra Mundial. No difiere del manual establecido por Lassie, pero la innovación es el entorno bélico, el cual le permite a Steven crear una serie de personajes y situaciones tan emotivas como explosivas. Al contrario de muchos otros, el guion consigue que todos los personajes mantengan una cierta importancia sin robar ni abusar del contexto enfocado a la supervivencia de “Joey”, inclusive relegando acertadamente el camino de su “dueño” a un escenario secundario. Un “cuento de hadas” bélico – animal, el plano secuencia a galope en las trincheras es de MAESTROS
15 – Empire of the Sun (1987)
Un coming of age dentro de un contexto brutal y bélico, Spielberg de cierta manera mejoraría su lenguaje dramático desde “El Color Púrpura”, y aunque menos “sentimental”, el retrato de un niño inglés confinado a un campo de concentración japonés, encontraría aquí el punto de equilibrio perfecto entre su habilidad de manipular las emociones, y la veracidad dentro de su manifiesto histórico – dramático. Como si se tratara de pruebas experimentales que a la postre lo llevarían a conseguir el producto óptimo en 1993, El Imperio del Sol se mantiene de cierta manera escondida e infravalorada dentro de su filmografía. A destacar la actuación de un muy joven Christian Bale, que comenzaría aquí su conquista actoral
14 – E.T.: The Extra-Terrestrial (1982)
El otro tipo de encuentro cercano del tercer tipo de Spielberg, quizá sea la cinta más adecuada para adentrar a un infante hacía el amor al cine o específicamente al género. Si bien con el tiempo su impacto ha disminuido, esto no es debido a que sus elementos dejen de mantener la calidad en comparación a la evolución narrativa, sino porque básicamente está concebida como una fábula de ciencia ficción infantil, por lo que la madurez y/o adultez pueden perder no solo la capacidad de asombro, sino también su inocencia. Dos preguntas ¿Es posible llevar al estatus de culto a una película gracias a su pura banda sonora? Posiblemente ¿E.T. hubiera funcionado sin el score de John Williams? Absolutamente no.
13 – The Color Purple (1985)
La novela epistolar de Alice Walker, ganadora del Premio Pulitzer en 1983 y adaptada al cine 2 años después por Steven Spielberg, se enfoca en la vida de mujeres negras en el sur estadounidense durante la década de los 30, y en las problemáticas enfrentadas por este grupo social. La gran virtud de su adaptación va más allá del cuadro técnico y actoral que armó Spielberg, al servir su “versión visual” de arma contra la censura que sufrió la propia fuente original. Aquí Spielberg comenzaría a refinarse como un director dramático, amalgamando un relato coral eficiente e intimista, que no pierde su estilo en buscar y manipular las emociones para lograr la catarsis necesaria hacía su final.
12 – The Fabelmans (2022)
Spielberg se recupera tras 18 años seguidos de cuestionamientos, y da cátedra de cómo hacer cine mostrando el origen de su amor por el mismo. Brillante “coming of age”, aunque su conflicto maternal luce menos complejo que otros productos similares dentro de esta tendencia de directores en crisis de edad haciéndose “biopics”, la naturalidad y la técnica visual con lo que lo filma, da como resultado un tan crudo como encantador relato de juventud acelerada, patrocinado por este “joven” que ve en el cine, su escape, su arma y hasta el manifiesto de su realidad. Su mejor desde Munich, el cameo que acompaña su secuencia final, hace que Spielberg vuelva a firmar orgullosamente su obra como “El Rey Midas”.
11 – Minority Report (2002)
Basada en el cuento de K. Dick, este complejo dilema de la predicción del crimen sobre el libre albedrío significaría una de sus mejores relatos de SF, relegado injustamente a una cinta de acción más. No solo estamos ante una dirección sobresaliente que mantiene un eficaz tono de suspenso durante más de 2 horas y media y tres giros perfectamente estructurados, sino ante un ejemplo de ambientación física y visual envolvente donde el director mantiene todo su metraje bajo oscuros tintes azules proyectando así la sensación de ahogamiento y del elemento agua presente durante toda la trama. Elementos como la evolución tecnológica, el manejo magistral del lenguaje publicitario y la banda sonora de Williams agregan mucho valor
10 – Close Encounters of the Third Kind (1977)
El único registro destacable sobre aliens que se tiene de Spielberg es este, una fábula que conecta el elemento de otros mundos con el efecto paranormal dentro del trastorno psicológico de sus protagonistas y claro, el factor “abducción” que en aquellos años causaba más terror que las bombas nucleares. A pesar del elemento fantástico, los valores de este film se resumen a la conexión que Spielberg maneja hacía con sus actores, en especial con un Dreyfuss creíble en cada una de sus escenas desviando la atención de toda esta parafernalia de expansión científica que explota de manera sublime (y cursi) hacía su final. Sobre este panfleto de paz y redención se construye un drama SF épico con uno de los finales más conmovedores de la época
9 – Catch Me If You Can (2002)
Una de las mejores biopics de los últimos tiempos gracias al tono despreocupado que Spielberg imprime a la historia de uno de los más sobresalientes y carismáticos estafadores en la historia gringa. Y es que todas las biopics pecan de redundantes, planas y centradas en la desgracia humana, pero no ésta, la cual a través de un tono tragicómico muy entretenido se erige un relato paternalista complejo que no deja que todo su peso recaiga sobre la química actoral, sino que se complementa desde sus créditos iniciales con elementos humorísticos, de diseño y situaciones espontaneas que regalan una pieza ágil que funciona desde varias perspectivas, atacando la nostalgia y los sentimientos de una manera conmovedora, pero sobre todo, divertida.
8 – Duel (1971)
He aquí la prueba de un talento nato. Alejado de toda pirotecnia y sumido en cada registro de su dirección, en 90 minutos logra encausar un tenso y maravilloso thriller que asomaba también su fascinación por el elemento de terror. Filmada en 13 días y originalmente producida para Tv, logra plasmar la inquietante psique del protagónico para que el espectador solo quede a merced del amenazante cuestionamiento final. Una maravilla, Steven comenzaba a convertir la ficción en una tensión mágica con todo y las dificultades técnicas que significaban la novatez de repetir los mismos planos durante la interacción de cazador y presa en la carretera, junto a la presión monetaria y de tiempo sobre él. Ya una pieza de culto que supera al menos a ya la mitad de su filmografía
7 – Saving Private Ryan (1998)
La tesis cinematográfica sobre la horrorosa realidad del conflicto pertenece a Spielberg. El desembarco de Normandía es sin lugar a dudas, dicho por expertos, el retrato más fiel fílmicamente hablando sobre el conflicto bélico, una poesía vertiginosa, sangrienta y llena de suspenso que por sí sola sostiene una fábula tambaleante sobre el súper heroísmo gringo y el sacrificio humano por el bienestar de una ideología patriotera que alcanza por momentos a rayar en lo ridículo ¿Peor a quién le importa con esa fastuosa e impresionista dirección? El salvador de argumentos inverosímiles, el Rey Midas era capaz de mantenerte al borde del asiento e increíblemente terminando con la misma intensidad con la que comenzó.
6 – Raiders of the Lost Ark (1981)
El arquetipo del arqueólogo sería patentado por Spielberg y Lucas en la que se convertiría en la quintaescencia del cine de aventuras. La habilidad directiva del primero escondería las fragilidades de copyright del segundo; los elementos político – espirituales, el héroe rebelde, la damisela ruda, los compinches extravagantes, el desierto, la selva y la incapacidad por salvaguardar un artefacto que destruirá la maldad, son los mismos elementos que Lucas ya había reutilizado en Star Wars, sin embargo a la merced de un cuenta cortos experto, estas características pueden obviarse en pos de disfrutar una aventura bien armada y con secuencias tan orgánicas y trepidantes que ensalzarían la figura de Indiana al punto de brindarle a la profesión una nueva idolatría. Mágica
Bonus televisivo. Animaniacs (1993-1998)
Como productor, podemos agradecerle a Spielberg la manufactura de al menos 3 de las series más exquisitas del concepto ácido de la WB, una de ellas Animaniacs, un parteaguas que abría un nuevo océano de posibilidades para el renacimiento de la fórmula “Looney”; sus personajes, desde los hermanos Warner hasta un gallo gigante que quiere ser humano, contaban a pesar de su corta duración con una estructura sumamente divertida y compleja, con relatos concisos que más allá de exhibir una moraleja forzada y cliché, conservaban el estilo narrativo “loco” y de rebeldía que habían perdido aquellas “fantasía animadas”. A este serial se le unirían los inolvidables: Pinky and the Brain (1995-1998), y finalmente la desentendida y genial Freakazoid! (1995-1997)
5 – Indiana Jones and the Last Crusade (1989)
Un elemento narrativo común en su filmografía es el factor paternalista, el cual es magníficamente desarrollado en la tercera parte sobre el rebelde arqueólogo y su padre, foco de sus traumas y admiración, pero también causa de su profesión. Para muchos la mejor de la saga debido a este factor nostálgico y la increíble química entre Ford y Connery, el director desarrolla una odisea de aventuras familiar teniendo solo como una excusa la búsqueda del cáliz de Jesucristo; los nazis y otros recursos recurrentes de la saga serían nuevamente posicionados para solventar el ligero problema de la repetición, principalmente comparándola con el arca perdida tanto en relato como en ambientación. El valor de la tercera radica en el carisma de sus diálogos y en su genial humor
4 – Munich (2005)
Su cinta más brutal, un comunicado de dolor, desesperanza y una cátedra de dirección y montaje fílmico que logran bajo una unión de archivo documental y ficción construir una pieza desgarradora y durísima de apreciar. Su última gran obra, pareciera que el director se ha despedido creativa y artísticamente con un llanto por los fatídicos sucesos de Munich, sin embargo en su sacrificio optó por plasmar a través de su protagónico la desolación y tensión de la que el pueblo judío no puede deslindarse por causa y consecuencia. Sobre todo esto, se erige un thriller de espionaje sublime, complejo, oscuro, donde la eliminación de las razas es el objetivo y la labor de los medios de comunicación el vehículo para darlo a notar ¡Un raro manjar cinematográfico!
3 – Indiana Jones and the Temple of Doom (1984)
Fue en el segundo capítulo, donde Indiana construiría su retrato más destacable y sombrío gracias a la exclusión de los elementos tanto narrativos como de ambientación que conformarían el antes y después de la saga. La más divertida pieza también es poseedora de un ritmo infalible y un equilibro arriesgado entre lo infantil y temas muy adultos, estos últimos acompañados de ritos, sectas, sacrificios humanos y hasta posesiones diabólicas. Irónicamente, la más alejada de los recursos reciclados es también la más notoria en cuanto a referencias tanto arqueológicas como culturales. Muy rica, el templo de la perdición contiene romance, aventura, complejidad filosófica, temas espirituales oscuros, comedia, espionaje y cine negro
2 – Jaws (1975)
La comprensión de esta pieza es mucho más profunda de lo al parecer pretendió el mismo Spielberg; su relato y montaje tan disfrutable y audaz no repara en lo predecible que puede llegar a ser, sin embargo ese abandono de pretensión hace que Midas se concentre solamente en dos cosas: la construcción precisa de sus 3 personajes principales y la impresión de suspenso incrustado en los tiempos precisos de una llana y simplista aventura en altamar. Sus diálogos y la interacción entre esta pequeña tripulación – familia disfuncional son tan confusos, ilógicos y hasta sencillos como legendarios, “randoms”, lo cual crea una ambientación onírica sobre altamar. He aquí en su estado más puro la comunión arte – entretenimiento
1 – Schindler´s List (1993)
Su obra cumbre, a pesar de las acusaciones de sus detractores, no se puede sobrevalorar algo que es justificable en su pretensión, en otras palabras, rayando en la perfección. Muchos la tachan de condescendiente y falsa, pero no hay falsedad en la versión ficticia sobre una verdad, no hay condescendencia cuando tan magistralmente se narra y se exhibe la brutalidad humana y de como un cuento de hadas “real” puede acabar con ella. La Lista como su título lo indica, es una categorización magistral del lenguaje cinematográfico; su decisión de filmar a blanco y negro solo es comienzo de un desglose narrativo catedrático que sigue al pie de la letra la construcción empática de que hemos estado hablando, solo que en esta ocasión centrada en un tema que para muchos puede ser cansino: el holocausto. Magia pura, la evolución de su personaje (extraordinario Liam Neeson) y de su antagónico (excelso Ralph Fiennes) se baten en duelo entre la bondad y la maldad, casi como un cuento mitológico de antaño en la concepción más pura de la batalla de estos dos bandos por las almas, en esta ocasión, judías.