Las 30 Mejores Películas del 2021 según @El_Fett

¡Se acabó la temporada fílmica 2021! Y antes de que vengan premios Cinescopia a lo mejor y lo peor del cine en este recinto, me doy a la tarea de cumplir con mi tradicional TOP anual, que en este caso y debido a la calidad que se ha dado principalmente fuera de Estados Unidos (que muestra una decadencia alarmante en su propuesta general), se irá de 20 a 30 películas

Habiendo visto 139 películas de la temporada fílmica, con fecha de producción 2021 (o bien de 2020 con estreno comercial u online en Latinoamérica desde marzo 2021), y tras una importante recapitulación y análisis, me dispongo a presentarles las que a mi consideración son las 30 Mejores Películas del año.

Bonus – Spencer (Reino Unido)

La mejor decisión del guion de Steven Knight es mantener a la familia real a raya, casi en el olvido y fungiendo como meros activadores del micro entorno de Diana. Esto permite que Larraín recurra a su oficio narrativo para inmiscuir al espectador a un sube y baja emocional apremiante, trágico y un poco perturbador, combinando grandes planos para la opulencia y primeros planos para la opresión y psique (con elementos surreales) de la princesa. La actuación de Stewart es de gran nivel, así como también la banda sonora de Greenwood, que agudiza la tensión. Un poco condescendiente hacía el final, pero la mejora de Larraín con respecto a sus anteriores películas (Jackie y Ema) es notable.

30 – The Innocents (Noruega)

Una cinta de terror construida bajo un tema social bastante complejo, la ausencia de los padres y su afectación en los niños. La alegoría se complica cuando el director Eskil Vogt incrusta sutilmente en cada uno de sus personajes factores que física (vitíligo), neurológica (autismo) o socialmente (inmigración y abandono) afectan el desarrollo infante, haciendo que este grupo “especial” construya una comuna siniestra, perturbadora y que los llevará a trágicos desenlaces sin la guía de los padres. Destacar las actuaciones de los niños, que son capaces de manifestar las consecuencias emocionales de sus actos más allá que la de sus poderes. Eso sí, la secuencia final, clímax de una tensión creciente, es un deleite que ya quisieran muchas de las películas de los X-Men

29 – Compartment No. 6 (Finlandia)

Una soberbia película sobre el origen del “amor”. Es como un Before Sunrise, pero en sin poesía o existencialismo, siendo algo más sucio, natural, un nacimiento romántico atípico, anormal. La conexión de estos dos seres, tan distintos entre sí y a la vez tan necesitados uno del otro, crean una química y tensión romántica muy natural, desarrollada a partir de sus frágiles situaciones sociales y emocionales que vienen arrastrando, haciendo que  su destino “juntos” se convierta en un elemento de giro constante en el film. Desarrollada casi en su totalidad dentro de los cerrados espacios de un tren y sus vagones, la conclusión en su exterior, tan callada, pacífica y satisfactoria, escapa del cliché romántica y se convierte en una alegoría sobre la liberación.

28 – High Ground (Australia)

Un excelente y salvaje western australiano que combina una historia de venganza con la siempre trágica e interesante opresión racial hacía los aborígenes. Como todo buen elemento del género, el director Stephen Johnson toma por sorpresa a su audiencia al comenzar con una impactante secuencia y masacre, base en la cual se construirá una tensa represalia racial en donde se desarrollara una bien construida tangente paternalista. Entretenida, tensa y culturalmente interesante (teniendo a la milicia británica como principal opresor y villano) de principio a fin, los amantes del género quedarán satisfechos con el esperado clímax y tiroteo final, que guarda algunos trucos bajo la manga alrededor del desenlace de sus personajes principales

27 – The Last Duel (Estados Unidos)

Auspiciada directivamente por el mejor Scott desde “Black Hawk Down” y escrita (y protagonizada) por Matt Damon y Ben Affleck, The Last Duel se convierte quizá en la segunda cinta en la historia narrada total y estrictamente desde el “efecto Rashomon”, dándose incluso cierta libertad creativa o “autoral” al hacer un pequeño gran ajuste a sus reglas. Aunque en dicho cambio donde no solo esta violenta odisea medieval “basada en hechos reales” sale perdiendo, al mismo tiempo también se gana unos buenos aplausos en su atrevimiento irrespetuoso para adaptar y/o actualizar el “método” a las tendencias del presente (irónicamente en el pasado). El final y clímax por si solo merece un puesto entre las mejores direcciones de Scott (y lo mejor del año)

26 – Teddy (Francia)

Pocas ya son las propuestas dentro del cine de monstruos, en especial en lo que refiere a vampiros y licántropos, que regulan el uso de sus elementos cliché con un argumento fresco y lo bastante bien desarrollado para poder seguir sorprendiendo no solo a los amantes del género, sino a la audiencia en general. La narración cumple con dos objetivos: aterrorizar sin necesidad de mucho presupuesto y/o efectos, y hacer una excelente metáfora sobre un mal encausado despertar sexual y psicológico, mismos que nos llevan a un epílogo trágico y acorde a un genial y siniestro clímax. Con escenas perturbadoras, humor ácido y un sentido de terror inquietante e inteligente, definitivamente la leyenda del hombre lobo volvió a aullar en el cine en 2021.

25 – Street Gang: How we got to Sesame Street (Estados Unidos)

Un documental que no solo sirve como ejemplo de excelencia fílmica y de montaje, sino también como acervo sociocultural, empresarial y hasta publicitario, es sorprendente que su visionado haya denotado una poco promoción, aludiendo también a un injustificado y trágico debacle del mundo de Sésamo y de Los Muppets al menos en la generación centennial latina ahora existente. No solo es uno de los mejores de la temporada fílmica, sino también dentro de su tipo y en la historia al explorar este fenómeno desde tres panoramas perfectamente delimitados y equilibrados en su narrativa e importancia: la parte humana, la creativa y el legado que este barrio logró en temas educacionales, publicitarios, políticos y hasta raciales.

24 – Stillwater (Estados Unidos)

Muy infravalorado thriller de índole criminal que encuentra su principal fortaleza en el excelente cuestionamiento paternalista de un cuajado macho gringo hacía con la inocencia y/o culpabilidad de su hija, acusada del asesinato de su novia en tierras francesas. A pesar de que a Matt Damon le quedan a la perfección este tipo de frívolos personajes, el guion, el excelente ritmo y desarrollo de su personaje hace que su posible convencionalismo se convierta en un vehículo emocional intrigante en el que la audiencia será partícipe en juzgar tanto las acciones de la hija como las del padre. Una lástima que la cinta no haya contado con la distribución y promoción esperada, aún contando con un excelente cast.

23 – The Night House (Estados Unidos)

El “causar ruido” pocas veces había sido tan coherente en relación a la espera de una cinta de terror. Con un argumento que presume originalidad y que siempre añora este castigado y repetitivo género, el cada vez más interesante Bruckner (El Ritual) da un golpe de autoridad contundente a James Wan en el mismo año, cartelera y en su propio y recurrente tópico de “casas embrujadas”, siendo esta una cinta que a pesar de contar con ciertas inconsistencias, logra posicionarse como una de las ideas más frescas del cine de terror de los últimos años. Sin duda su mayor valía es el mantenerte aterrorizado en los momentos en los que no “aterroriza”. Esto debido a que no abusa del “susto”, sino que impone su ritmo y su ruido de manera contundente

22 – Sin señas particulares (México)

Sin señas particulares es tan empática y rica visualmente que es difícil encasillarla, y en esta volatilidad narrativa es donde radica su genialidad: su imponente y crudo retrato neorrealista crece en complejidad y suspenso hasta llegar a un tono siniestro que, fiel al folclor y al distintivo fílmico mexicano, combina lo terrorífico de su cotidianidad con tonos surreales y metáforas sobre la más pura maldad (el clímax es verdaderamente impresionante). A pesar de esta compleja combinación de corrientes, la directora Fernanda Valadez nunca pierde de vista el objetivo de su relato, que es construir un punzante llanto, crítica y hasta homenaje a aquellos(as) caídos(as) de México: los(as) desaparecidos(as) y sus familias.

21 – Flee (Dinamarca)

El valor agregado de la animación surte un doble efecto. Por una parte hace a esta tensa y cruda odisea un vivo y excelente ejemplo de concientizador social para todas las edades; por el otro lado agrega solidez y estructura a un protagonista cautivador que dicta a su director sus vivencias como refugiado, haciéndonos sentir los principales oyentes y catalizadores de todos sus sensaciones y sentimientos frente a un crecimiento y auto descubrimiento que se ven interrumpidos por un caos bélico y social que ya parece atemporal y trágicamente normalizado por la gente de occidente. Animación, coming of age, drama de la vida real, Flee se convertirá con el paso del tiempo en un ejercicio de revisión imperativa para el rubro documental

20 – Wheel of Fortune and Fantasy (Japón)

Tres poderosas historias que no tienen otro lazo más  que el concepto de la feminidad, y que no pierden en ningún momento la fuerza de su narrativa e injerencia sobre situaciones que bien podrían sonar convencionales, pero que gracias a la exploración progresiva y emocional de sus personajes, recrean relatos ricos, complejos y emotivos, donde los diálogos funcionan como motor de la tensión, el romance, la toxicidad y erotismo. Ryûsuke Hamaguchi dirigió dos obras este año, una de ellas es un soberbio drama que ahonda en la psicología de manera cautivante y natural ¿la otra? La otra es una gran idiotez, sobrevalorada y cansina llamada “Drive My Car”, donde Hamaguchi pierde una hora y media en sobre explicar el duelo de su protagonista una y otra vez

19 – The Eyes of Tammy Faye (Estados Unidos)

Showalter hace un excelente biopic al lograr una conexión soberbia con “esa mirada”, centrándose en Faye pero ayudando a enriquecer su compleja y pintoresca personalidad gracias a su entorno y las manipulaciones masculinas de su matrimonio, sociedad y clero (¿O acaso olvidamos que la institución evangelista es en muchas ocasiones la cuna de misoginia y machismo por antonomasia?). Por tal razón ese “humanismo” se deriva de manera natural al mostrar a Faye como una víctima pero a la vez misma ejecutora de esa culpabilidad, pero con la apertura suficiente hacía otro tipo de “ideologías”. De extraordinario ritmo y dirección, el otro baluarte es una enorme Jessica Chastain, en la que tal vez es la mejor actuación de su carrera

18 – The French Dispatch (Estados Unidos)

Independientemente de la patente narrativa y visual que Anderson ha establecido, The French Dispatch (sin ser una de sus mejores películas) lo ha confirmado como uno de los más originales e influyentes directores de su época gracias al diferenciador que siempre encuentra relato a relato para escapar de ese encasillamiento perfeccionista, colorido, simétrico y hasta obsesivo. En este caso son tres, tres historias que se emergen del amor y homenaje a al periodismo y a la fábula, y que encuentran a través de carismáticos y emotivos personajes, esa dirección para que Anderson se renueve día a día.  Aceptando el sacrificio que este tipo de ejercicios conlleva al siempre tropezar con alguno de los relatos, The French Dispatch no deja de ser tan hermosa como fresca

17 – Red Rocket (Estados Unidos)

Fiel a su estilo y ritmo, Baker construye su tercer fábula marginal a través deun ser arrogante, patético, oportunista, mentiroso y sumido en una crisis de los 40 con la que no sabe lidiar debido a que nunca pudo salir de su adolescencia. Este claro sentido de inmadurez es una constante que Baker exprime para que su “paria” sea un imán de situaciones tan ridículas pero reales, dignas de una despreciable criatura que solo va a la deriva y que por default causa en el espectador una sensación de lástima, combinada con una dosis de humor (nacida de su desgracia) ¿Pero lo mejor de todo? Es que el libreto nos invita a comprenderlo, quizá no a identificarnos, pero si a dejarnos llevar por ese halo de natural simpatía, deseando que en verdad pueda conseguir esa “oportunidad”

16 – Una Película de Policías (México)

Desde su fantástico prólogo y sublime secuencia de créditos, el director establece ese halo de misterio en su narración ¿Lo que estamos viendo es real, ficticio o una proyección ficticia de la realidad? El uso de dos actores no tan conocidos, permite al cineasta encausar una fábula por demás interesante y que se mueve entre el thriller, el drama, la comedia accidentada y por supuesto el romance, este último elemento manejado bajo una indiscutible cátedra de montaje y excelencia histriónica por parte de esta tríada artística entre el director y sus actores, forjando a “La Patrulla del amor” como el eje protagonista del film. Esta y la próxima en el top (mexicana), deben ser consideradas dentro de lo mejor del cine mexicano

15 – No Sudden Move (Estados Unidos)

Una revitalización por partida doble que deja claro que quizá el noir y Steven Soderbergh fueron creados para un mismo y bidimensional destino fílmico. Tomando su valor narrativo al homenajear muchas cintas del cine negro de los años 50 y del más actual cine coral criminal, Soderbergh construye, a partir de un muy inteligente guion de Ed Solomon, un sube y baja de giros y emociones entrelazadas entre su deshumanizada, antipática, pero aun así carismática pandilla de perdedores y antihéroes. Respetando todos los elementos del cine negro (los amantes de Julia Fox la amarán como femme fatale), este ágil film quizá peque en un par de sub tramas desechables y ese uso experimental de la cámara a 360°, pero de ahí en más es una muy elogiable actualización de un género casi extinto

14 – Wrath of Man (Estados Unidos)

Una sorpresota de Guy Ritchie, y es que con un reparto de a peso, el director abandona su peculiar humor negro, se pone serio y entrega un thriller de a 10 pesos. No estamos hablando del santo grial del cine de acción, thriller o incluso de su filmografía, pero si de un solvente drama criminal que usa el efecto “Rashomon” (con de dos a tres perspectivas diferentes sobre un mismo hecho) para llevar a cabo una narración electrizante que  va llevando con interés y tensión al espectador hasta un espectacular clímax donde se nota la habilidad directiva del británico. Al menos lo que si ya se puede colgar es ser uno de los mejores remakes en la historia. Una cinta explosiva, tensa y repleta de sublimes escenas de acción

13 – A Hero (Irán)

Farhadi se relame los bigotes con otro potente drama sobre la tragedia ajena. Un mensaje contundente, cuando el humanismo no va con la estupidez, las implicaciones sociales de su historia son grandiosas, así como su crudo desarrollo y estudio de personajes. El protagonista, más que buscar una empatía, a través de la cinta va perdiendo la “lástima” de la audiencia debido a una serie de malas y oportunistas decisiones que decretarán su destino, que es de manera irónica volver al inicio y sin ningún tipo de beneficio de parte de su primer golpe de suerte. Si bien dista de lo mejor del director iraní, es lo suficientemente compleja tanto narrativa como socialmente, para tomarla en cuenta como una de las mejores películas del 2021.

12 – Benedetta (Francia)

Mucho más que dos monjas cachondas, Verhoeven usa este gancho explícito y erótico para desarrollar una compleja historia enfocada en criticar de manera dura el sistema religioso tanto de la perspectiva patriarcal como de la matriarcal, al explorar la corrupción, ambición, traición, hipocresía y el oportunismo de “la monja” frente a un protocolo contradictorio. Muy en su estilo e incluso usando la violencia (y sexo) gráfica para manifestar la podredumbre social, el holandés irrumpe dentro la fe cristiana de manera astuta, pues a pesar de criticar creencias, su objetivo se diluye en los motivos y la deconstrucción de su protagonista, la cual cojea narrativamente en su estructura y cambio de monja solemne a una “hija de puta” avariciosa

11 – Un Monde (Bélgica)

Una extraordinaria película sobre el bullying desarrollada desde los principios y orígenes del mismo, y bajo la percepción de sus víctimas y victimarios. Tensa, emotiva, cruda y perfectamente actuada, anótele cuando le digo (y aseguro) que su secuencia final le hará nudos en su garganta, estómago y corazón, una escena bellísima y de gran impacto y simbolismo que considero la mejor conclusión fílmica de este 2021. Una dirección de infantes imprescindible, y con la calidad técnica – narrativa al estar contada a través de variados planos secuencia solo en primer plano, Laura Wandel logra de manera ensordecedora conectarnos con el inframundo del bullying mayormente desarrollado en los tiempos del recreo.

10 – The Tragedy of Macbeth (Estados Unidos)

Aunque Coen apostó más por lo elementos que influyen en Macbeth que por desarrollar al personaje en sí, la apuesta estética fiel al expresionismo alemán hacen de esta versión una delicia visual, incrustando momentos de rotunda imaginería y terror gracia a la mejor bruja(s) fílmica hasta el momento (una adaptación tétrica). Otra de sus ventajas es su literal esposa, una Frances McDormand que brilla como Lady Macbeth y que a pesar de sufrir también un desarrollo fugaz y acelerado, se sostiene gracias a su nivel actoral. Hay muy películas que uno deseará duraran más, y esta es una de ellas, y es que Coen luce atrabancado durante los primeros tres cuartos de su metraje, mejorando de manera rotunda hacía su conclusión y clímax.

9 – Nitram (Australia)

Basada en los trágicos eventos sobre la matanza de Port Arthur (Tasmania) en 1996, Kurzel disecciona la mente de su asesino de manera fastuosa al primeramente construir su tóxico entorno parental, relacional y social, para después adentrarse en las causas y el desarrollo del mismo “Nitram” (apodo del asesino) sin caer en los excesos dramáticos que muchos otros narradores abordan, tratando de manera ingenua de justificar o humanizar a los actos y a sus actores. Kurzel evita esto al no tratar de juzgar, dedicándose solamente a retratar y manifestar una progresión de carencias emocionales que desembocan en la construcción y manifiesto de un verdadero monstruo. La actuación de Landry Jones es simplemente PERFECTA

8 – Old Henry (Estados Unidos)

Aunque es uno de los western más sustanciales y de argumentos más ingeniosos de los últimos años, la novatez de Ponciroli no le deja crear una obra redonda, pero al menos si una que hipnotiza a través de sus potentes actos de inicio y cierre; el director establece un tono realista tanto en su ambientación como en las clásicas escenas de tiroteo, delineando tanto a sus héroes como a sus villanos de una manera uniforme y acorde al género. Por otro lado, es a través de un soberbio Blake Nelson que la redención ficticia de cierto mito histórico (que todo amante del género conoce ya sea a través del cine o de la historia misma), funciona como el giro necesario para llevar a este film a ser uno de los mejores en su género de los últimos 10 años.

7 – Post Mortem (Hungría)

Apenas el cuarto largometraje del húngaro Péter Bergendy, una cátedra de terror y suspenso que es capaz de estremecer a la audiencia incluso cuando no se es testigo de “la amenaza”. Por ende, tanto su folclor como su rica y original metáfora hacía con la peste (y que en estos tiempos de pandemia aterroriza aún más), hacen que su director surta un efecto de constante precaución en cualquier de sus  rincones visuales, estableciendo desde su primer segundo que la muerte está presente e impregnada en la construcción de ese siniestro entorno. Mejores actuaciones eran requeridas, pero el guion y la dirección se encargan de maquillar esa cierta fragilidad, dando como recompensa un notorio y siniestro clímax de casi 30 minutos.

6 – El Buen Patrón (España)

El crecimiento artístico tanto de Aranoa como de su socio Bardem, se tornan imprescindibles cuando uno es testigo de esta abominable y comiquísima deconstrucción, que tanto puede causar la mayor simpatía como el más alto grado de repulsión, en una combinación del más natural agrado o la más culpable identificación hacía con aquel manipulador “Buen Patrón”. Así como en su carrera, Aranoa y Bardem van desarrollando esta doble personalidad con un cuidado tremendo, una narrativa absorbente que nos va trayendo hacía ese espiral de canibalismo social donde solo los(as) más astutos(as) sobrevivirán. Sin miedo a exagerar, Don Julio Blanco debe quedar dentro de los anales fílmicos, como uno de los más encantadores villanos de al menos esta década.

5 – Los Lobos (México)

Absorbente, la solvencia de su guion permite una compleja y entrañable introspección emocional y psicológica de sus “lobos” sin una sobre exploración de los sucesos que los llevan ahí, a un departamento degradante donde una madre soltera y sus dos niños deberán subsistir tras dejar México y buscar una mejor vida. Cabe destacar la conexión que el director logra con Martha Reyes Arias, actriz que brinda un “tour de force” impresionante, con una solemnidad dramática que al igual que su argumento no pretenden aleccionar sobre la inmigración , sino solamente indagar en aquel momento clave en el que esta pequeña familia descubrirá su nuevo camino y destino. De lo mejor del cine mexicano de los últimos tiempos

4 – The Power of the Dog (Australia)

Es importante no catalogar a esto como un western. Campion usa dicho entorno, pero se aleja completamente de él para crear un punzante drama que disecciona el arquetipo del “cowboy”, llevándolo a terrenos que aunque ya explorados, logran una complejidad psicológica – emocional tan perfectamente estructurada que el espectador se torna incapaz de no ser partícipe de esta “deconstrucción”. Así pues, usando no uno, sino un par de elementos distractores (la relación e interacción fraternal así como el asomo de un “engañoso” thriller), Campion se exhibe majestuisa al encausar y enmarcar sus “trampas” hacía un mismo contexto, que recae en el increíble desarrollo de su protagonista y “antihéroe” interpretado de manera soberbia por Cumberbacht

3 – Apples (Grecia)

Construida bajo las bases de la ciencia ficción, el mayor logro del debutante director es un sutil giro de tuerca que no solo cambia nuestra percepción sobre el personaje principal, sino también sobre todo el contexto de la historia. Así pues lo que empieza como una ficción especulativa con tintes de sátira social (e incluso con varios momentos de fina comedia accidental), poco a poco se va transformando en algo mucho más personal cuando el director nos lleve a través de Aris hacia un viaje de descubrimiento en dónde la memoria y el olvido pudieran parecer tan solo una simple elección. Una muy bella película que significa un manifiesto dramático sobre la soledad, el duelo y el resurgimiento personal. Su giro y final es al mismo tiempo tan liberador como esperanzador.

2 – Limbo (Hong Kong)

Una resurrección contundente del cine negro. Limbo es un thriller npir potente, sangriento, y con un asesino serial perturbador. Quizá la pareja “detectiveza” no funcione como debiera, pero la naturaleza trágica del protagonista y su entorno, búsqueda y duelo la harán no solo una imperdible de 2021, sino también dentro de la generalidad del género. Es de elogiar que la acción es soberbiamente incrustada en el tono y estilo de narración, teniendo tres secuencias trepidantes que se ven coronadas por un clímax que cumple su cometido al tenerte al borde del asiento; una pelea final que se ve embelesada con el simbolismo de la lluvia, misma que lavará tanto la maldad de unos(as) como las culpas y las tragedias de otros, siempre bajo el tono deshumanizado y sin ningún atisbo de bondad.

1 – Fue la mano de Dios (Italia)

Paolo Sorrentino confirma su estatus no solo como el mejor director italiano en la era moderna, sino también como el claro preservador del cine de Fellini en este extraño pero enriquecedor coqueteo del neorrealismo con elementos surreales que vuelven a sus personales relatos en un manjar de exquisitura narrativa. Con “Fue La Mano de Dios”, Sorrentino se desnuda en una biopic que invita al espectador hacer parte de su familia, de su vida y finalmente de su tragedia, por la cual encontraría la vocación al cine como un escape de la realidad, pero irónicamente como un retrato de la misma. Una biopic tierna, honesta e imprescindible del 2021, ya podemos catalogarla como uno de los mejores “coming of age” de la historia (y sin blanco y negro de por medio)

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Acerca del autor

El Fett   @El_Fett   cinescopia.com

El más realista y cabrón crítico de cine que pueda existir. Ente sin misericordia que tiene el halago de transmitir a los mortales su sentir y sabiduría en el mejor recinto sobre el séptimo arte. Cinéfilo de corazón y crítico crudo por vocación. Alter ego del Licenciado en mercadotecnia y RRPP Oscar M Rodríguez (FB) Sigueme en twitter @El_Fett