Las 35 Mejores Películas del Siglo XXI según Cinescopia
Hoy somos quinceañeros. El viaje de Cinescopia comenzó en 2010, y no queda más que agradecerles todo el apoyo, lectura y preferencia que nos han llevado a ser uno de los sitios de cine más leídos en LATAM y con una gran presencia en Google. Este año se aproximan cosas hermosas para este recinto, comenzando por el esperado lanzamiento de nuestro libro “1111 Odiseas Cinematográficas”, así como variados cambios que a finales de año estaremos informando en la que quizá será la mutación más profunda que hemos experimentado
Para celebrar estos 15 años, varios autores nos dimos a la tarea de discutir y elegir aquellas 35 joyas fílmicas que han definido hasta ahora el Siglo XXI, algunas decisiones tan normales como polémicas, pero siempre interesantes y con la calidad necesaria que ustedes requieren y nuestro ojo crítico demanda.
Muchas gracias.
35 – Roma (Alfonso Cuarón, 2018) MÉXICO
POR EL FETT
Alfonso Cuarón firma su obra maestra en su país y desde su memoria, regalándole al mundo una invitación a la intimidad de su hogar y a los momentos de su niñez, los cuales se entrelazan con irónica familiaridad hacía con uno de los momentos claves y trágicos de la historia mexicana. Pieza donde coinciden su mejor estatus técnico y narrativo en un relato que de igual manera amalgama y confronta a los puntos clímax de su filmografía, el mexicano consigue que la inocencia y la violencia socio política encausen una explosión de sensaciones y emociones desgarradoras, pero sin perder de vista a su tonalidad de “cuento de hadas”. Obra neorrealista sobre un México surrealista, L escena del halconazo y el parto son parte esencial ya del cine nacional
34 – Amélie (Jean-Pierre Jeunet, 2001) FRANCIA
POR URIEL SALVADOR
Inolvidable y muy imaginativa, Jean-Pierre Jeunet combina una estética asombrosa con una peculiar chispa de humor negro dentro de una historia que encapsula el amor y la inocencia de manera entrañable. La edición, fotografía y música y la maravillosa actuación de Tatou juegan con elementos de realismo mágico para entender esa misma fantasía tan introvertida de Amélie, una mezcla de humor, sensibilidad, excentricidad y dulzura con ciertas tendencias psicóticas, producto de los problemas psicológicos derivados de su educación y sus traumas infantiles. Una ensoñación tan graciosa como rara sobre el escape de la realidad y el significado de la felicidad.
33 – Shoplifters (Hirokazu Koreeda, 2018)
POR EL FETT
Koreeda se posicionó como uno de los más importantes narradores de la pasada década gracias a su capacidad por llevar a cabo dramas complejísimos a partir de las situaciones más convencionales. Koreeda ve de nuevo en este conmovedor relato la oportunidad para explayar las emociones más naturales y espontáneas, transformando de nuevo al núcleo familiar en un cúmulo perfectamente estructurado tan cautivante como perturbador, y en este peculiar caso, también complementario a una punzante relato criminal y de crítica social que se corona de manera asombrosa con un impactante giro final. Hirokazu es sin duda, el traductor más analítico y honesto de la sociedad japonesa en la actualidad.
32 – In the Mood for Love (Wong Kar Wai, 2000) HONG KONG
POR EL FETT
Quizás no exista nada más anti romántico que un amor platónico, y es que la imposibilidad de expresar lo que se siente, resulta de lo más cruel que una persona se puede hacer a sí misma. La sutileza impuesta por el director para la pareja protagonista tiene el mismo sentido de belleza y de desesperación. Viviendo la misma situación de engaño por sus respectivas parejas, lo lógico era que resultara en un sórdido amorío, pero las convenciones sociales y sus propios códigos éticos no les permiten estar juntos. La cámara lenta mostrando cada detalle de la “relación”: miradas, sonrisas, roces, comidas, la tristeza, dificultades, impotencia, todo bajo una de las más bellas fotografías y la música de Nat King Cole.
31 – Manchester by the Sea (Kenneth Lonergan, 2016) ESTADOS UNIDOS
POR EL FETT
La punta de este profundo iceberg es Casey Affleck, el cual confirmaría su inconmensurable talento al proyectar esa faceta de duelo o hielo que por momentos solo se ve por encima del agua. Sin embargo la gran revolución narrativa – dramatica viene de la profundidad con la que el guionista y director aborda dicha pérdida y la capacidad con la que se la comunica al espectador por medio de Affleck. Lonergan expone a su protagónico sumido en una armadura mental frente a una crisis existencial, sin embargo conforme progresan dichos hechos y condiciones, los secretos, traumas, y recuerdos van saliendo a flote gracias a lo que también es un soberbio montaje y una prodigiosa actuación que debe ser considerada como una de las mejores de los últimos 25 años
30 – Match Point (Woody Allen, 2005) ESTADOS UNIDOS
Por Clementine
Alejándose un poco de su querida Nueva York y de su estilo cómico, una de sus primeras historias rodadas en Europa fue este drama romántico con tintes de humor negro y suspenso ambientado en Londres. En un tono burlón hacia la alta sociedad, la ambición, las pasiones y la suerte, se mezclan magistralmente en este thriller, donde vemos a un instructor de tenis que por azares del destino pasa a formar parte de una familia muy acaudalada. Sin embargo, el deseo y la pasión que siente hacia su atractiva y misteriosa futura cuñada, lo pondrán a prueba para saber hasta dónde es capaz de llegar para satisfacer esas pasiones sin sacrificar su nuevo e idílico estilo de vida. Un título imprescindible de Woody Allen.
29 – No Country for Old Men (Hermanos Coen, 2007) ESTADOS UNIDOS
POR EL FETT
Brillante western que sin duda significó un parteaguas para la recreación del rubro en su etapa moderna, alejados del desértico viejo oeste y trasladado a nuestra era, siempre conservando los mismos elementos y las raíces socio culturales de las culturas fronterizas. El extraordinario ritmo impreso por los Coen hace que el film pase de un trepidante suspenso a una explosiva acción en cuestión de minutos, respetando hasta los duelos cánones del género y enriqueciéndolo con ricos diálogos que no genera un génesis, pero si una introducción magistral de los personajes para clarificar y estructurar sus motivos. Un western de icónicos momentos, destaca Bardem, que aunque se encuentre caricaturizado, entrega uno de los mejores villanos del oeste.
28 – Memories of Murder (Bong Joon-ho, 2003) COREA DEL SUR
Por TEDDYE ZAPATA
Inspirado vagamente en los asesinatos ocurridos en la ciudad de Hwaseong durante los años 80’s, el director surcoreano construye en su segundo largometraje un thriller de crimen que empieza siendo una parodia a la incompetencia y brutalidad policial con su particular humor negro, pero que gradualmente se va convirtiendo, casi de manera imperceptible ante los ojos del espectador, en un drama asfixiante que se interesa menos en el imposible caso a resolver y más en la agonía psicológica de sus detectives protagonistas y su incapacidad de lidiar con la frustración y el fracaso. Bong Joon-ho logra uno de los mejores y más íntimos retratos sobre la inutilidad e impotencia policial
27 – Vozvrashchenie (El Regreso, Andrey Zvyagintsev, 2003) RUSIA
POR EL FETT
En un primer plano, es un crudo relato sobre la ruptura y la irrupción paternal, sin embargo, es a través del elemento “agua” que Zvyagintsev recrea una metáfora sobre el duelo y la aceptación dentro de la ausencia de dicha figura. Este símbolo, presente desde los primeros rasgos de personalidad juvenil de dos hermanos, verá incluso evolucionar su estado hasta apaciguar el dolor, la despedida y la consecuente e inquebrantable unión fraternal. Por otra parte, Zvyagintsev también imprime un perfecto e introspectivo ritmo a una road movie que por Siberia va construyendo no solo la personalidad, sino el vínculo relacional entre las extrañas partes. Poética, poderosa, reflexiva, una joya que también significó uno de los mejores debuts en la historia.
26 – Munich (Steven Spielberg, 2005) ESTADOS UNIDOS
POR EL FETT
La cinta más brutal de Steven Spielberg, un comunicado de dolor, desesperanza y una cátedra de dirección y montaje fílmico que logran bajo una unión de archivo documental y ficción construir una pieza desgarradora y durísima de apreciar. Su última gran obra, pareciera que el director se ha despedido creativa y artísticamente con un llanto por los fatídicos sucesos de Munich, sin embargo en su sacrificio optó por plasmar a través de su protagónico la desolación y tensión de la que el pueblo judío no puede deslindarse por causa y consecuencia. Sobre todo esto, se erige un thriller de espionaje sublime, complejo, oscuro, donde la eliminación de las razas es el objetivo y la labor de los medios de comunicación el vehículo para darlo a notar ¡Un raro manjar cinematográfico!
25 – The VVitch (Robert Eggers, 2015) ESTADOS UNIDOS
POR EL FETT
¿Se merece un lugar tan arriba en nuestra lista definitiva del terror? Por supuesto, y es que lo hecho por Eggers no es ningún ejercicio de novato superficial, sino todo lo contrario, un estudio intimista sobre la resquebrajamiento espiritual y familiar frente a la presencia más pura del mal, bautizada por uno de sus símbolos más representativos y teniendo como vehículo la deshumanización femenina de la manera más oscura posible. Eggers recrea el folklor a la perfección y crea un mito satánico potente y verdaderamente perturbador, asentando un golpe con el que no te podrás reponer (la desaparición y la cena de un bebé) y rematándote con una gestación de palabras siniestras que te hielan la piel y la sangre a cargo del reconocido Black Phillip.
24 – Eternal Sunshine of the Spotless Mind (Michel Gondry, 2004) ESTADOS UNIDOS
POR EL FETT
En una fábula que enfrenta al avance tecnológico contra un concepto abstracto del humano semi dogmático: el destino, el eterno resplandor refiere a ese halo ideológico que se erige y vence al objetivo tecnológico, siendo Carrey la víctima humana de dicha evolución, escapando de él mismo para encausar a través de su trágico Joe, una de las mejores odas románticas y de SF de todos los tiempos. La capacidad dramática que Carrey imprime a su conmovedor personaje, es el cimiento en el que Kaufman manifiesta nuevamente su ciclo de toxicidad no solo ahora ante el mundo artístico, sino ante las relaciones humanas, construyendo otra extensión de su ser y posicionando a Joe como un ser sumamente empático e identificable dentro de las referencias románticas de la cultura pop de al menos dos generaciones (X y Y)
23 – Little Children (Todd Field, 2006) ESTADOS UNIDOS
POR EL FETT
La devastación marital en toda su simpleza y esplendor. Las pequeñas tentaciones del día a día, la monotonía y lo cotidiano de una vida calendarizada, y claro, las frustraciones personales que afectan las decisiones; todo un entorno lleno de tangentes y desviaciones de una existencia que podría ser superior y que, sin embargo, suele ser perfecta por todas esas imperfecciones. El soberbio relato coral de Field trata sobre eso, y en un especifico plano narrativo, sobre la utilización de las figuras del “niño” y la “familia” como marionetas y vehículos para justificar los pecados adultos, entre ellos la pedofilia, la irresponsabilidad, la renuncia laboral, el ocio, el exceso de trabajo, la adicción a la pornografía y por supuesto, el adulterio.
22 – The Grand Budapest Hotel (Wes Anderson, 2014) ESTADOS UNIDOS
POR EL FETT
Elegantemente desvergonzado, vulgarmente poético, políticamente incorrecto, es la bondad hecha carne. pero al mismo tiempo el egocentrismo en persona, su deseo es servir, pero también mantener la justicia dentro de su peculiar ideología. No, no estoy hablando de Gustave, el conserje de aquel pintoresco, extravagante y perfectamente encuadrado Hotel, sino de Anderson en una de las fábulas más bellas y complejas de su década. Escondido en un cuento mágico, Wes construye un relato antibélico, una crítica hacía a la deshumanización y su consecuente afectación a la bondad humana y todas sus incorrectas pero normales “imperfecciones”. Emocional y emotiva, llorar no es una acción ajena a su fastuoso clímax y final, sino algo bello y perfectamente normal al apreciar esta joya.
21 – There will be blood (Paul Thomas Anderson, 2007) ESTADOS UNIDOS
POR EL FETT
There Will Be Blood es la consecuencia de la madurez en manos de un erudito, uno consciente de la comunión entre su entorno, ritmo, actuación, fotografía y por supuesto, musicalización (la composición de Greenwood es brillante) PTA se atreve a cambiar sus cartas y a sus partícipes (la mejor actuación de Daniel Day-Lewis), pero su estilo no cambia, sino que muta; se arriesga y consigue una obra trascendental que transmite el levantamiento, apogeo, deconstrucción y caída de su oscuro antihéroe, vehículo de una trama llena de ambiciones, que relata más que una vida, la dificultad de la relaciones dentro del mundo de los negocios, la compleja paternidad y sobre todo, los límites de la decadencia y de la maldad humana.
20 – The Hunt (Thomas Vinterberg, 2012) DINAMARCA
POR EL FETT
La sutileza alrededor de la misma “cacería” juega de manera favorable para proyectar complejos tópicos que enriquecerán su intensidad dramática: desde el tema del abuso infantil y sus inadecuados protocolos de seguimiento escolar, social y psicológico, hasta la manera de cómo eso impacta dentro de una pequeña sociedad europea; Vinterberg incluye sobre estos temas dos ejes también fundamentales en su obra y que aquí verán su clímax: la disfuncionalidad familiar y la amistad, misma que se resquebraja a partir de las “acciones” de un maestro de kínder que supuestamente abusa de una niña. La secuencia cumbre en noche buena es ya un clásico y vehículo para que Mikkelsen regale una de las actuaciones más feroces y catárticas ¡en la historia!
19 – Mad Max: Fury Road (George Miller, 2015) AUSTRALIA
POR EL FETT
Ida y vuelta, la simplicidad de su argumento le permitió a Miller llegar a Cannes ante el atónito suceso de ver “La Locura” pura y fielmente representada. No hay clemencia, de principio a fin la exposición apocalíptica y casi claustrofóbica del desierto sirven para una sencilla metáfora de dominio y segmentación social que rápidamente se convierte en un relato donde la especulación y la demencia han acabado con el mundo y la decencia del “ser” humano. El autor lleva al extremo esta deformación recurriendo a un grotesco nuevo orden, pero en esta ocasión amenazado por la fuerza de mayor tendencia, moda, crecimiento y poder actual: el poder y la belleza femenina en una de las más bellas formas y contextos en esta su nueva ola narrativa.
18 – Amores Perros (Alejandro González Iñárritu, 2000) MÉXICO
POR EL FETT
Iñárritu concibió su obra maestra a partir de las raíces de la idiosincrasia mexicana, bajo un formato de historias cruzadas y teniendo al “perro” como eje narrativo, testigo y víctima del ruin accionar humano. En un choque clasista tan familiar como oscuro, tanto el guionista Arriaga como el director conciben una oda de autodestrucción en sus primeros dos actos para después rematar con un final repleto de redención, generando luz a partir de la proyección más oscura de aquella evolución del México Olvidado. Las clases medieras (altas – bajas) se combinan con el estrato más bajo usando al fiel e instintivo “animal” como metáfora, el cual compartirá a través de su sacrificio la tragedia y misma resurrección de su(s) dueños.
17 – Dancer in the Dark (Lars Von Trier, 2000) DINAMARCA
POR EL FETT
Lars Von Trier es sin duda uno de los generadores e inventores más importantes y referentes en la historia del cine. Al terminar su Dogma 95, esta prominencia fílmica sugirió no solo una total reinvención del melodrama y del convencional relato del “enfermo”, sino también del género musical, al tomar de su dogma ciertos estatutos para encausar la desgarradora odisea de esta emigrante checa, en una espiral de desgracias que no otorgará, fiel a su costumbre, ninguna concesión al espectador que ose admirarla. La comunión de esos frescos números musicales con los tintes crueles de su desgracia desatan así una de las obras más inquietantes, tristes y relevantes de los últimos 25 años. Fascinante, aún en día resulta complicado
16 – Memento (Christopher Nolan, 2000) ESTADOS UNIDOS
POR EL CINE ACTUARIO
Hace muchos ayeres, un joven Christopher Nolan nos dio una película de suspenso que, si bien no era innovadora en eso de contar historias con estructura atípica, fue un revulsivo en temas de edición, fotografía y narrativa ¡impecables! Pero los aplausos no solo fueron por la limpieza en el sentido técnico, sino por transmitir la percepción directa de lo que acontecía en la mente de Leonard, una persona que producto del dolor ha bloqueado recuerdos demasiado traumáticos, y de esa construcción de la cinta de “meternos en sus zapatos” es que genera el suspenso. La falta de información no es un “truco sucio” para hacer que funcione el thriller, lo cual hace que la experiencia se siente más orgánica. Por desgracia esos tiempos han quedado atrás
15 – The Tree of Life (Terrence Malick, 2011) ESTADOS UNIDOS
POR EL FETT
El Malick más surreal, filósofo, psicológico, dramático, paternalista, contemplativo, expresionista y existencial; precisamente las variadas ramificaciones de este árbol narrativo y evolutivo son las que van construyendo una joya sin precedentes, sumida totalmente en un estilo lírico y de estética contemplativa. Muchos la acusaron de pretenciosa ¡y lo es! Pero aquí lo que se debe terminar juzgando son los resultados de dicho y complejo manifiesto centrado en el lugar que ocupa una familia, su relación, traumas y final reunión en el más allá, en el gran árbol de la vida, desde la formación del universo hasta el final de cada ser humano. Impecable de principio a fin, fue, es y será un hito artístico en el árbol del cine.
14 – The Handmaiden (Park Chan-wook, 2016)
POR EL FETT
Para algunos(as) autores de Cinescopia, una de las mejores y más importantes películas de esta década; este erótico y mórbido thriller es un maravilloso ejercicio de suspenso capaz de tensar su hilo a lo largo de sus 140 minutos bajo sus truculentos recursos tan misteriosos como sexuales. La venganza, símbolo principal de su filmografía, esta vez hace una comunión perfecta con el elemento exótico en este pasional romance lésbico que también regala una revancha femenina contra aquel bando “opresor” y sistémico de su cultura en un desarrollo que incluso se siente por momentos hasta “surreal” gracias a algunas secuencias tan mórbidas como espectaculares. Una joyita del cine moderno, Park Chan-wook regala unas cátedras del mejor suspenso.
13 – The Banshees of Inisherin (Martin McDonagh, 2022) IRLANDA
Una analogía de la Guerra civil irlandesa, que traspasa su metafórica limítrofe geográfica para expresar una historia universal, tan humana como cruda, sobre la intolerancia, hipocresía y la violencia social. Uno de los mejores guiones de los últimos años, sus situaciones podrían parecer demenciales, pero son todo lo contrario, un reflejo de la absurda hostilidad humana en la pérdida de sus valores, ideologías y empatía hacía el prójimo. El folclor que agrega McDonagh es un elemento que cohesiona a sus cinco fichas protagonizas, cada un símbolo de un estrato social afectado en este caso por el conflicto civil de Irlanda, naciente en 1920, época en la que también se basa su narrativa. McDonagh ya está en el olimpo de los directores del nuevo milenio.
12 – The Brutalist (Brady Corbet, 2024) ESTADOS UNIDOS
Una obra maestra que combina dos bellas artes para exhibir un contundente y sensible mensaje de duelo y dolor sobre el Holocausto, el sentido de pertenencia y la dificultad detrás de la migración y adaptación sociocultural de varias comunidades migrantes. A través del simbolismo constante de la corriente arquitectónica del “brutalismo”, Corbet deconstruye el sueño americano para transformarlo en una espiral de degradación y manipulación humana, pero también de resiliencia y esperanza. Tres horas y media de alto nivel en todo rubro, con actuaciones formidables y una hermosa estética en VistaVision, esto es puro y bello cine.
11 – The Aviator (Martin Scorsese, 2004) ESTADOS UNIDOS
POR EL FETT
La odisea biográfica del extraordinario Howard Hughes significó para Scorsese (y para la historia), una referencia irrepetible hacia el nacimiento y maquinaria productora de su industria. Esta súper producción con dotes y baluartes artísticos inconmensurables no solo es estéticamente su más poderosa, sino también el más trágico y empático de todos los antihéroes en su filmografía. Apelando nuevamente a un tema demencial, Scorsese se encarga de indagar hasta los confines más íntimos a su personaje para justificar y representar un retrato redondo sobre su revolución física y mental que conmocionaron política, social y culturalmente no solo a la cinematografía, sino a la ingeniería. Obsesión y perfección, manías que en esta ocasión Scorsese comparte en una de sus obras más bellas.
10 – The Lord of the Rings Trilogy (Peter Jackson, 2001, 2002, 2003) NUEVA ZELANDA
Por Arquicruz
Si Alejandro Magno nació para llevar la cultura helénica al mundo,Peter Jackson llegó a este mundo para adaptar The Lord of the Rings. Él es el protagonista básico de Tolkien, un personaje al que todos considerarían inadecuado para una tarea que hasta el mismo Kubrick le sacó la vuelta; tenía todo para fallar y sin embargo triunfó llevando esta obra a todos los rincones del mundo y volviéndola parte de la mal llamada cultura pop. Uno de los mayores logros es aceptar las flaquezas del relato, encontrando un fin para cada uno de los personajes para hacerlos atractivos al espectador promedio, mientras que a la vez mantiene enganchado al público conocedor de la obra literaria. Al igual que Lucas, Jackson estaba rodeado de un equipo altamente competente, pero lo más importante, comprometido con adaptar de manera respetuosa esta obra
9 – Wall-E (Andrew Stanton, 2008) ESTADOS UNIDOS
Por El Fett
El contexto creativo detrás de esta joya debió representar algo exquisito artísticamente hablando. La amalgama de elementos hacen a esta emocional fábula SF una pieza que funciona en varios planos. Primeramente su crítica al consumo y el cómico retroceso humano desde sus aspectos más básicos representan una oportunidad para la reestructuración de una A.I. que luce más humana y sentimental, lo cual nos lleva a un giro a manera de homenaje (A HAL 9000) para comprender la “lógica” capitalista en la preservación del ser sobre su propio albedrío y bienestar. Por otro lado la representación sin diálogos y la creación de un personaje clásico como Wall-E es puro amor ¡JOYA!
8 – Mystic River (Clint Eastwood, 2003) ESTADOS UNIDOS
POR EL FETT
Debió haber ganado otro Oscar ese año a mejor película, y es que estamos hablando de uno de los puntos más altos en cuanto al cine thriller se refiere. Oscura, ágil y misteriosa, el tema del abuso es el punto de partida para encausar un complejo estudio de personajes que desemboca también en un sutil pero trágico cuento de gánsteres aderezado con los elementos policiacos aprendidos desde Siegel. Una excelsa narrativa de 3 ejes (Penn, Bacon y Robbins en sus puntos máximos) dentro de un caso que siempre se posa al borde del suspenso y de lo impredecible, y que como el genial narrador que es, se ve ensalzado por una escena final que completa el círculo perfecto que crudamente se establece desde su inicio. Gran, gran cinta.
7 – Children of Men (Alfonso Cuarón, 2006) ESTADOS UNIDOS
POR EL FETT
Una delgada línea entre el goce emocional y la exasperante sensación de ansiedad, aquella en el que el apocalipsis es lo bastante reconocible para sumergiros en la desesperanza, el terrorismo y la vileza humana, y al mismo tiempo lo suficientemente irreconocible para su “ficticia” apreciación artística. La visión de la aniquilación del futuro humano no solo contienen uno de los planos secuencias más hermosos y complejos de la historia, sino también un análisis progresivo del caos, la guerra, el amor, la expiación y la esperanza de este mundo sumido en la mierda, y que el director decide comunicar con maestría en un doble discurso: fílmico y musical. Ojalá y esto no nos alcance, pero estamos hablando de una de las mejores cintas SF de la historia
6 – Sen to Chihiro no Kamikakushi (El Viaje de Chihiro, Hayao Miyazaki) JAPÓN
El paso de la niñez a la adolescencia mostrando en una película llena de personajes y criaturas por lo más singulares. Si con Mononoke Occidente ya había puesto si ojo en su cine, con Chihiro llegó para quedarse, en una odisea para encontrarse a si misma en busca de su propia identidad y la pérdida de la misma. Chihiro también representa un segundo aire para Ghibli como estudio de animación, ya que se encontraba tambaleándose en medio de producciones que no llegaban a los números necesarios en taquilla. Chihiro vino a revolucionar la forma en cómo Ghibli y el propio Miyazaki hacia sus películas, manteniendo el tono artesanal en cada uno de sus fotogramas pero también con la ayuda de la animación digital y la llegada del CGI y el 3D.
5 – Parasite (Bong Joon-ho, 2019) COREA DEL SUR
Por EL FETT
Una de las mejores películas del Siglo XXI, y de una agilidad narrativa que lo hace parecer como si tuviera 30 películas encima, Bong Joon-ho cambia de nota pero no de discurso, con un fastuoso cuento de suspenso (que evocan al mejor de los Hitchcocks con ese excelso manejo de espacios) conformado por variados giros bien cimentados en el nuevo choque y evolución de su crítica social. Sin duda firmando su mejor obra (segunda en conseguir la Palma y el Oscar en la historia), Parasite no es solo es una fascinante cátedra de tensión fílmica que deja por momentos sin respiro al espectador, sino también una alegórica y punzante comedia negra sobre la diferencia de ideologías, intelectos y situaciones de las clases sociales a nivel universal.
4 – Ciudad de Dios (Fernando Meirelles, 2002) BRASIL
POR EL FETT
Meirelles construye su relato a través de retazos estrictamente integrados para que los personajes sirvan a la ciudad y no viceversa, haciendo a cada subtrama parte del verdadero motif, que es componer la estructura, color, vida y crimen de aquellas favelas y su “Ciudad de Dios” desde dos ejes narrativos: la nota periodística y la fábula, comunión que agrega no solo complejidad, sino un cierto halo de inocencia y empatía hacía todos sus personajes, tanto víctimas como victimarios. Una hermosa crónica vista de los ojos y la cámara de uno de sus habitantes y de cómo él mismo es testigo del nacimiento, prosperidad y caída de uno de los líderes mafiosos más sanguinarios que pueda recordar el cine, Zé Pequeño.
3 – Oldboy (Park Chan-wook, 2003) COREA DEL SUR
POR EL FETT
Ganadora del Grand Prix, el primer reconocimiento de Cannes para Corea del Sur llegaba de la mano de una de las propuestas fílmicas y de culto más retorcidas y originales de al menos las últimas dos décadas. Tan trasgresora como lo marca el límite de su impactante giro de tuerca, Park Chan-wook no deja respirar ni un segundo a su espectador, concibiendo un thriller de matices muy oscuras pero también críticas hacía los abusos físicos y emocionales de la juventud. Obviamente y como todo coreano, dicho misterio será diluido a través de una comunión entre suspenso, acción y hasta momentos de comedia accidentada que se vuelven el manjar de aquellos “extraños” placeres fílmicos, donde al parecer el espectador será tan culpable como su protagonista.
2 – Mulholland Dr. (David Lynch, 2001) ESTADOS UNIDOS
POR EL FETT
El que trate de encontrarle una explicación ¡buena suerte! En cambio, cuando se acepta a la tercera o cuarta ocasión de apreciar este prodigioso ¿thriller?, que su mensaje no se encuentra en su historia, sino en la sensibilidad de sus personajes, el espectador podrá darse cuenta que Lynch quizá sea el artista fílmico con mayor capacidad de abrirle a la audiencia su mente, o como lo diría el propio William Blake: “las puertas de la (su) percepción”, una de nuevo situada en el abandono de la humanidad y del propio amor, uno tan emocional como artístico. De nuevo Lynch es capaz de mantener la tensión con un noir fascinante, onírico y altamente erótico, resultando también ser una carta crítica al star system y uno de los relatos LGBT más complejos y sensuales
1 – El Secreto de sus Ojos (Juan José Campanella, 2009) ARGENTINA
POR EL FETT
Un estremecedor thriller como base para desarrollar un romance cautivador, narrado desde la perspectiva de un detective retirado a la hora de escribir una novela sobre un crimen sin resolver y que lo ha aquejado toda su vida. Una formidable joya que indudablemente se ha posicionado como uno de los pilares de la cinematografía contemporánea y que raya en la perfección en todos sus aspectos, tanto técnicos como narrativos, gracias a la pericia de Juan José Campanella, que no solo logró el reconocimiento mundial con decenas y decenas de galardones, sino que también de paso manufacturó uno de los mejores thrillers, tan inteligente y natural que el espectador se siente identificado y sumergido en el caso con cada minuto que pasa.