Las 40 Mejores Películas del 2023 según El @cineactuario

Antes de comenzar mis agradecimientos para:

• Los lectores (tanto los que coinciden como con los que no), pues es un placer leer sus comentarios y platicar de lo que más nos apasiona.
• Los editores; a los compañeros y amigos por su apoyo en texto, videos, coberturas, premieres, etc. Y por el intercambio refrescante de ideas y de visiones, a los jefes por siempre brindarnos las facilidades, el apoyo y confianza en cada una de las actividades que realizamos. Gracias por ser mis camaradas y compañeros en este barco llamado Cinescopia zarpando en esta increíble aventura cinematográfica.
• A colegas de otros espacios, a familiares, amigos y por supuesto por sobre todo a Dios, GRACIAS

Siempre seré agradecido con todos por ya sea de manera directa o indirecta por darme la oportunidad de tener un espacio en el cual expresar el amor profundo que le tengo a un arte que desde mi infancia ha sido un pilar en mi formación y un caramelo en los momentos agrios de mi vida. Los quiero.

Damas y caballeros, sin lugar dudas el 2023 ha sido quizás uno de los mejores años cinematográficos que hemos tenido. La explicación de este gran acontecimiento puede tener sentido en el retraso que sufrieron varios proyectos por la pandemia y que pudieron ser filmados hasta el 2022 (por consecuencia su estreno se programó para el 2023). Puede ser también una explicación de que el fenómeno de la apertura y globalización es cada vez más fuerte en el mundo cinematográfico, al punto de que a diferencia de hace 6 años, las películas que no provienen de Hollywood han encontrado más espacios para ser proyectadas (aunque aún falta). Sea cual sea la explicación, agradecemos por esta excelente cosecha que probablemente el análisis histórico le termine por dar mayor crédito, esperando que 2024 sea igual o mejor (con todo y huelga de actores), y quien sabe, quizás 2023 sea el pilar del inicio de una nueva era para el séptimo arte

Sin más preámbulos aquí están mis 40 películas

BONUS: El show: Crónica de un asesinato (Diego Enrique Osorno)-Mexico

A simple vista podría ser un retrato tendencioso de uno de los casos más mediáticos de los últimos años: El asesinato de Paco Stanley, pero nada más lejos de la realidad. Osorno expone todas las aristas de este turbulento suceso, desde los perfiles de todos los implicados hasta el contexto social que indirectamente causó toda esta marea mediática que en búsqueda de romper hegemonías inició la tendencia de transformar la noticia en espectáculo. De manera inteligente crea una radiografía completa (social, cultural y político) de este fenómeno (que hoy en día está cada vez más vigente en nuestra cultura), una manera de consumir información que indirectamente hizo la realidad la película “Network” (“Todo lo que quiero en la vida es una participación de 30 y un rating de 20”)

40 – Perfect Days (Wim Wenders) – Japón

Retrato coral cuyo objetivo principal y simple es resaltar la belleza de la cotidianidad dando seguimiento a la vida de un hombre llamado Hirayama. Aunque Wenders le inyecta excelentes momentos resaltando su mensaje nihilista (Next Time is The Next Time, Now is Now) y pesimista (claroscuro con una puesta en escena positiva), así como un simbolismo interesante de herencia para las nuevas generaciones de cineastas, la falta de contexto y de exploración de sus personajes principales y secundarios termina siendo su mayor carga. Wim Wenders se pasa de Wim Wenders en este matrimonio casi perfecto con el estilo contemplativo japonés

Calificación: 7.7

39 – The Iron Claw (Sean Durkin) – Reino Unido

La historia de una familia de luchadores construida a través de lo cotidiano funciona siguiendo la transformación de las glorias de este clan de un sueño americano a una pesadilla. El apartado técnico es impecable dando una perspectiva tanto personal como en tercera persona tanto de la lona como del backstage. Es una de las mejores actuaciones de la carrera de Zac Efron tanto en a nivel dramático como físico. Con todo y sus altibajos, Iron Claw no llega a niveles de campeonato mundial, pero le sobra argumentos para tener un cinturón midcard.

Calificación: 7.8

38 – Wonka (Paul King) – Estados Unidos

A manera de un cuento musical infantil, Paul King utiliza los orígenes de Willy Wonka para explicar de manera sencilla los peligros económicos y sociales de un mercado oligopólico, y mostrar hasta donde puede pudrir el sistema (involucrando de paso al clero), sin olvidar que estamos ante una película para niños añadiendo momentos coloridos y nostálgicos. Hay que destacar la actuación de Timothy Chamalet que encuentra su papel ideal interpretando la versión más inocente del personaje. Cómo un buen chocolate, Wonka es dulce, cálido, pero con ciertos detalles que lo hacen distinguirse de cualquier dulce genérico. Al igual que con Paddington King lo hace de nuevo.

Calificación: 7.9

37 – Memory (Michel Franco) – Estados Unidos

Aunque Michel Franco peca por momentos de ser demasiado solemne, la cinta encuentra su punto de ebullición en un segundo y tercer acto que van más allá de una historia romántica, reflejando en la relación de sus protagonistas Sylvia (una ex alcohólica) y Saúl (un individuo con demencia) el valor de la ayuda mutua al prójimo no solamente como mecanismo para sanar heridas sino para reencontrarnos con nosotros mismos (no por nada la historia casi empieza y termina con el lema de AAA). Destacar las excelentes actuaciones de Peter Sarsgard que da el mejor papel de su carrera y la siempre gloriosa Jessica Chastain. Franco se sacude los fantasmas del nuevo orden y crea su película más redonda y humana.

Calificación: 8.0

36 – El Conde (Pablo Larraín) – Chile

Una sátira con carga de denuncia social que tiene la osadía de convertir a Pinochet en un vampiro de 250 años. A través de unos diálogos ingeniosos, Larraín utiliza esta plataforma para “no dejar títere sin cabeza” burlándose de todos los poderes políticos, sociales y militares y hasta del intervencionismo extranjero exhibiéndolos como otra clase vampiros chupa dinero y sangre que buscarán sacar hasta lo que puedan de un régimen en decadencia. Con una fotografía nivel elite que posee una de las mejores paletas monocromáticas y que recrea la atmosfera de las cintas clásicas de los monstruos de la universal evitando caer en lo cringe, “El Conde” es un cuento macabro de monstruos y sombras que no deben ni deberían regresar.

Calificación: 8.0

35 – John Wick: Chapter 4 (Chad Stahelski)  – Estados Unidos

John Wick es mucho más que una película de acción y violencia sin sentido, es un regreso a los estatutos más clásicos del blockbuster antiguo y moderno, desde la construcción de la figura y la leyenda del héroe americano clásico en John, hasta la exploración de una cantidad enorme de subgéneros desde el cine de espías, la serie b de los 80’s, artes marciales, samuráis, hasta llegar al padre de todo: el Western (con un hermoso acto final). John Wick no solo es un despliegue de excelencia técnica, sino una antología de todos aquellos estilos que han Sido el pilar de la máquina de dinero y facturación de los Ángeles California.

Calificación: 8.0

34 – Are You There God? It’s Me, Margaret (Kelly Fremon Craig) – Estados Unidos

A pesar de ser un coming age sencillo y hasta por momentos edulcorante, la gracia de la historia de Margaret una niña de 11 años que comienza a vivir su adolescencia tras mudarse a un nuevo vecindario, radica en que está contada desde la naturalidad tomando como base un reparto de personajes construidos de manera efectiva. No hay exageración, ni exceso de drama, el balance permite una mayor empatía con el público creando una de las tramas más enternecedoras del año y una demostración de que no es necesario ser complejo para contar una buena historia. Como mención especial la actuación de McAdams se luce.

Calificación: 8.0

33 – Boston Strangler (Matt Ruskin )  – Estados Unidos

El cine tiene la magia de poder cuestionar el tratamiento de la visión de una obra del pasado. Rushkin con Boston Strangler crea una antítesis de la versión homónima de 1968 (que contó demasiado mentiras) siendo más cercana a los hechos reales, menos sensacionalista y de paso lanzando temas a discusión: ¿hasta qué punto alterar la realidad en favor de la libertad creativa puede ser benéfico? ¿Cuál es la delgada línea entre estás dos? ¿Qué tanto daño ha hecho la glorificación a través de la cultura a las figuras de los asesinos seriales? ¿Cómo se deben tratar estos materiales para no caer en el morbo o exaltación? El director nos deja las respuestas a nuestro criterio consciente de que el arte también puede abrir la conversación.

Calificacion: 8.0

32 – 20 Days in Mariupol (Mstyslav Chernov) – Ucrania

Documental que gira alrededor de los primeros días del inicio de la invasión de rusa a Ucrania en una región llamada Mariupol, a diferencia de otras propuestas que han salido del tema, la visión de Chernov toma lugar desde el campo de batalla mostrando fotogramas impactantes sin maniqueísmos sobre la crudeza de la guerra exhibiendo el derrumbe de una ciudad, manifestando de manera objetiva de las repercusiones de este evento tan desastroso a una escala regional. A pesar de, la película exhibe cierto aire esperanzador a través del hombre de a pie desde la óptica de la ayuda al prójimo. Desgarrador documental, pero a la vez humano mostrando una perspectiva particular pero espantosa de la guerra.

Calificación: 8.0

31 – I Am What i’m Am (Haipeng Sun) – China

Con una animación de vanguardia hiperrealista, es un drama deportivo alrededor de tres amigos que buscan ganar un concurso de danza tradicional de China. Su estilo no solo permite mayor expresividad, sino también un realce en las escenas de combate (lo que en películas serie B se vería ridículo aquí es épico). Por otro lado, el estilismo es acompañado de una historia acerca del dilema deber y el querer, combinado con una trama con conciencia de clase que resalta aún mas la historia de superación no solamente a nivel físico sino espiritual. Una demostración del poderío de la animación a nivel innovación y tecnológico, cuidado Disney si China un día decide apretar el botón de manera fuerte a nivel distribución.

Calificación: 8.0

30 – Air (Ben Affleck) – Estados Unidos

Alex Convery genera el contexto de una manera sutil acerca de lo que se rodeaba a la firma de Jordan (en su época de novato) con la división de basketball de Nike, a través de escenas de conversación que son suficientes para describir personajes, lugares y situaciones. Affleck da una cátedra de manejo de edición y fotografía haciendo el ambiente de estás oficinas tan claustrofóbico o abierto como requiera la trama, teniendo una de las mejores secuencias de una reunión de negocios en la historia del cine. A pesar de su sencillez, Air, al igual que un Scottie Pippen o Dennis Rodman, terminan siendo efectivos para elevar la leyenda de su majestad: MJ

Calificacion: 8.1

29 – Tetris (Jon S. Baird) – Estados Unidos

¿Quién diría que la historia de la adquisición de los derechos de Tetris para su distribución mundial se convertiría en un thriller político con tintes de espías? Con una excelente fotografía que en veces traslada su puesta en escena al formato de los videojuegos, su director aprovecha el contexto político y el lugar (finales de la Guerra Fría, URSS) para generar una edición claustrofóbica de una trama de competencia económica con guiños a la cultura de los años 80’s, la mezcla es rara, pero la dirección de Baird encuentra balance entre sus diferentes estilos. Mención especial para Egerton que de a poco va pasando de promesa a proeza. Una de las mejores cintas de videojuegos y biopics empresariales de los últimos tiempos. K.O.

Calificación: 8.1

28 – BlackBerry (Matt Johnson) Canadá

El pesimismo de Blackberry demuestra que el cine tiene una dualidad interesante; puede ser tan edulcorante transformando una temática en algo inspirador, o puede ser tan agria que ese mismo tema puede volverlo crudo. Matt Johnson ofrece una historia cómico-trágica de los derrotados, y muestra el lado oscuro y pesimista del mundo empresarial tomando como punto de partida la trama del ascenso y caída de uno de los negocios que más dio de que hablar en los últimos tiempos, en este caso, el del primer smart phone de la historia. El 2023 podría definirse como el año del “boom” de las biopics de emprendedores. “Tetris” y “Air, pero no hay que dejar pasar a esta cinta como una de las más gratas sorpresas de este año.

Calificación 8.2

27 – Sick of Myself (Kristoffer Borgli) – Noruega

Sin piedad, Sick of Myself lanza un par de mazazos a la generación Tik-Tok a través de la historia de una muchacha de clase media que con el objetivo de buscar atención mediática degradará su salud física para obtener unos cuantos likes. Su excelente escritura y desarrollo son el pilar para esta comedia trágica que esconde una crítica dura a la dinámica de los influencers, de las redes sociales, y de gran parte de la generación millennial y centennial, llevándolo a los extremos más enfermizos sin dejar de apelar a una realidad incómoda. Un excelente retrato de los tiempos modernos que a pesar de la coyuntura tecnológica su manera de retratar los problemas del siglo XXI la hará envejecer bien.

Calificación: 8.2

26 – Oppenheimer (Christopher Nolan) – Estados Unidos

En una especie de combinación extraña entre su estilo excesivo y sobresaturación de información, el estilismo de Nolan genera que este estudio de personaje sea rico por la cantidad de datos que aportan una cantidad de claroscuros. ¿Oppenheimer fue un héroe, un traidor, víctima de las circunstancias, pusilánime, papanatas, manipulador? Quizás fue todo eso y más. Aunque con errores gracias a sus excesos, Nolan se sale con la suya en una especie de acierto “accidental”. Sigue sin poder escribir sobre personajes femeninos, pero al mismo tiempo demuestra que su dirección de masculinos sigue siendo una de sus mayores fortalezas. Nolan regresa, pero no a su mejor nivel.

Calificación: 8.2

25 – All of Us Strangers (Andrew Haigh) – Reino Unido

Basada la novela de japonesa “Strangers”, a través de la historia de un escritor que se encuentra con los fantasmas de sus padres difuntos, Haigh expone temas alrededor de la vivencia del duelo, la forma en que las relaciones paternales definen nuestras relaciones personales, y sobretodo el aprender a sanar las heridas de la infancia marcadas por eventos. Acompañado de una actuación espectacular de Andrew Scott y de dos buenos secundarios (Jamie Bell, Claire Foy) y aprovechando su minimalismo, All of Us Strangers es un viaje entre lo tangible y lo fantasmagórico sobre aprender a soltar, un tema cada vez más recurrente en el cine, pues quizás la era post-Covid nos recordó la fragilidad de la vida.

Calificación: 8.2

24 – Nimona (Troy Quane, Nick Bruno) – USA

Con una combinación 3-D con 2-D (al Spiderman style) y creando una ambientación de comic -futurista-medieval que ayuda a las escenas de combate y a dar credibilidad a este mundo, Nimona se robó el corazón de varios. Quizás estamos ante una historia sencilla alrededor de aceptar las diferencias de los demás, sin embargo, es esa simplicidad la que permite que su personaje principal sea tan entrañable como literalmente “camaleónica”, una misma extensión del tono del relato que va desde la comedia hasta el drama e incluso hasta un thriller político. Una propuesta visual y narrativamente interesante que fue rechazada por Disney y que quedará en la historia como uno de los mayores errores del ratón.

23 – Captain Volkonogov Escaped (Aleksey Chupov, Natalya Merkulova) – Rusia

La trama del escape del Gobierno Soviético de un ex agente de la URSS se convierte en una película de diferentes capas, con una edición vertiginosa cuya distinción destaca en el uso correcto de flashbacks y la transición de thriller a un drama de redención moral (sin caer en los clichés autocomplacientes lastimero propios del cine gringo). Acompañado de una fotografía variada que va desde lo inmersivo hasta lo contemplativo. Volkonogov termina por ser incluso un retrato político alrededor de las aristas de los regímenes autoritarios y de la búsqueda del perdón cuando se comprende que un sistema de creencias ha perjudicado más de lo que ha ayudado

Calificación: 8.3

The Zone of Interest (Jonathan Glazer) – Reino Unido

Aquí está la mejor dirección del año, pues utilizando todos los recursos técnicos(fotografía, edición y sonido) y a través de la historia de una familia acomodada en Alemania durante la Segunda Guerra Mundial, sin necesidad de mostrar nada de violencia, Glazer crea un ambiente tenso, incómodo, y claustrofóbico (y por momentos con apariencia de falso documental) mostrando al mismo tiempo la anestesia de la conciencia humana y de la normalización del horror y la violencia, exhibiendo que la maldad no solo radica en las acciones, sino también en la indiferencia. A pesar de su excelencia y ensamble técnico su limitada pero lógica narrativa sin ningún contrapeso termina por volver cíclica a la cinta, afortunadamente la fotografía marca distancia del comportamiento de sus protagonistas, un excelente ejercicio de estilo sobre sustancia que elevara la carrera de Glazer.

Calificación: 8.3

21 – Richelieu (Pier-Philippe Chevigny) – Canadá

Estrenada en el Festival de Cine de Morelia bajo la recomendación y apadrinaje de James Ivory. La historia de una intérprete francés-español contratada por una granjera canadiense para ser el enlace entre jefes y empleados, se convierte en una cinta de denuncia social que expone las condiciones precarias de la subcontratación de obreros latinoamericanos en el extranjero adquiriendo un tono documental pero intimista al dotar de una capa de humanidad a sus personajes, principalmente Ariane (recuerda mucho al cine de Ken Loach). Destacando una excelente secuencia de emergencia hospitalaria Richelieu nos presenta el lado más oscuro de un país de primer mundo e indirectamente quizás nos presenta a nuestro país.

Calificación: 8.4

 20 – The Promise Land (Nikolaj Arcel) – Dinamarca

Con uno de los diseños de producción más completos, esta historia ambientada en el siglo XIII acerca de un soldado retirado en búsqueda de un título nobiliario se convierte en una odisea cuyo tema central girara alrededor del verdadero significado de la riqueza y prosperidad incorporando la visión tanto incorpórea y material. Añadiendo una excelente puesta en escena la construcción de sus personajes evita caer en los vicios comunes de las narrativas que manejan este tipo de premisas. Mikkelsen demuestra ser uno de los mejores actores de su generación siendo acompañado por uno de los mejores villanos del año. Una excelente propuesta que no le pida nada a los retratos de época ni ingleses ni gringos, en Dinamarca está la tierra prometida.

Calificación: 8.4

19 – Teenage Mutant Ninja Turtles: Mutant Mayhem (Jeff Rowe) – USA

Mezclando lo mejor de dos mundos, el estilo de animación 2-D y 3-D con el diseño bizarro de Nickelodeon de los 90’s, estamos ante una de las mejores versiones de la TMNT en el cine, principalmente porque la trama de origen alrededor de Splinter es más paternalista, dando atmósfera más underground y de Underdog al darle el toque de marginados a todos los personajes, lo cual ayuda también el estilo visual con tendencias a lo “trashy”. Superfly, que en muchas versiones era un secuaz, aquí se convierte en uno de los mejores villanos del año. Todos estos elementos la hacen tan auténtica y sabrosa, como una pizza de pastor con salsa roja y Doritos en la orilla de queso ¡Cowabonga!

Calificación: 8.4

18 – Spider-Man: Across The Spider-Verse (Joaquim Dos Santos, Kemp Powers, Justin Thompson) – USA

Supera por mucho a su precuela, elevando su nivel en técnica y trama. Por un lado la animación llega a niveles de doctorado al ahora ya no solo mezclar diferentes estilos en una sola toma, sino experimentar con diferentes tipos de animación en distintas escenografías. Por el otro lado, su trama paternalista y existencialista muestra quizás el lado más aversivo y psicológicamente inquietante de Spidey, mostrando que su sufrimiento se genera en su búsqueda de pertenencia hacía a algún colectivo, con una dicotomía entre Miles luchando por romper ese status quo, y Miguel argumentando que es necesario para su desarrollo. La mejor película de Spidey, demostrando que la animación es el campo que mejor le viene a las cintas de superhéroes.

Calificación: 8.4

17 – No voy a pedirle a nadie que me crea (Fernando Frías) – México

Una película de tantas capas y tonos sobre un estudiante que se involucra por accidente con la mafia, la cual aprovecha su estancia en España para extender sus operaciones. Por un lado tiene un estilo de cine negro con la deconstrucción de varios arquetipos, por otro es una sátira social cuyo objetivo es pitorrearse del esnobismo, el mundo literario y de las ideas, utilizando algunos recursos meta-narrativos. “No voy a pedirle a nadie que me crea” es un cóctel interesante que gracias a una fotografía, edición y técnica (especialmente el musical) en todas sus ramas, condensa una narrativa trágica (reír para no llorar) no dejando títere sin cabeza en diferentes temas sociales, porque bajo la mirada del humor ninguno está salvo. Alexis de Anda da uno de los mejores villanos del cine mexicano moderno.

Calificación: 8.4

16 – Totem (Lila Avilés) – México

El mayor deseo de Sol, una niña de 7 años, es que su padre enfermo de cáncer pueda seguir viviendo. Así comienza Tótem, una cinta que a pesar de la tragedia, Avilés con una cámara intimista y un retrato coral genera una perspectiva orgánica del duelo a través de una mirada infantil (nada sencillo) y que nunca intenta recurrir a la lágrima fácil, dibujando en su narrativa una dinámica familiar tan enternecedora como tradicional. La fiesta de cumpleaños la cual acontece la cinta esconde un subtexto interesante siendo la celebración del nacimiento al mismo tiempo una celebración a la muerte (nada más mexicano que esto) Aunque no haya conseguido la Nominación al Oscar y se haya quedado a un pelo de rana calva, Tótem vivirá en nuestros corazones con esa última escena de Sol mirando fijamente el pastel de cumpleaños. (No duele, quema, lastima).

Calificación 8.4

15 – The Teachers’ Lounge (Ilker Çatak) – Alemania

Una serie de robos dentro de una escuela secundaria se convierte en el catalizador para que Catak desate una serie de analogías y subtextos sociales de la época moderna, desde los prejuicios raciales de ciertos sectores, hasta la difusión de falsas noticias, desembocando en la histeria colectiva generada por la falta de resolución de un conflicto, y que termina con la búsqueda de culpar a un determinado grupo social de todos los males. Con un manejo de cámara impecable que recae en una iluminación de a poco degrada y en planos cerrados, “Teachers Lounge” es un thriller que aprovecha la tensión y las dudas de sus personajes como una herramienta de cuestionamiento de nuestras propias dinámicas colectivas cuyos sesgos desembocan en una división que no resuelven problemas, sino los agravan. La sociedad del cansancio y paranoia resumida en una película.

Calificación 8.4

14 – Concrete Utopía (Um Tae-hwa) – Corea del Sur

¿Qué pasaría si un terremoto acabara prácticamente con toda una ciudad y únicamente un edificio permaneciera en pie y se convirtiera en el único lugar habitable en kilómetros a la redonda? Así comienza Concrete Utopía, una cinta que en sus primeros actos el género predominante es la sátira sobre una clase privilegiada adoptando el colectivismo para sobrevivir y principalmente sobre la posesión de un inmueble como manera de determinar el nivel social y de riqueza de un individuo, llevado a un nivel extremo convirtiendo de a poco a la película en ciencia ficción pura. Con el desarrollo de sus personajes (principalmente de El antagonista, El Delegado) la cinta comienza adquirir un tono de thriller y de acción que genera una tensión que desemboca en un estupendo climax. La edición de la cinta es el motor que permite que la mezcla de géneros de este filme surcoreano sea tan atrapante demostrando que los blockbusters de esta región superan en calidad a los americanos.

Calificación: 8.4

13 – Past Lives (Celine Song) – Estados Unidos

Past Lives es un cuento romántico alrededor del reencuentro de dos enamorados que se conocían de la infancia que esconde muchos subtextos en la simpleza de su argumento; por un lado es una historia alrededor del análisis de las decisiones que tomamos en la vida y la duda sana del ¿Qué hubiera pasado?, en otro sentido es una trama alrededor de las vicisitudes del migrante dividido siempre entre dos culturas(la de nacimiento y residencia) que escala a otros niveles desde la nostalgia, el mundo de los sueños, la realidad y lo tangible. Un estupendo guion y debut de Celine Song que va más allá del subgénero del “mumblecore” y que relaciona de manera casi poética el concepto del “hubiera” con las vidas pasadas.

Calificación: 8.5

12 – La Memoria Infinita (Maite Alberdi) – Chile

El mejor documental del año es una crónica alrededor de los últimos años de Augusto Góngora un hombre que se dedicó a denunciar los atropellos del autoritarismo de Pinochet y que en el ocaso de su vida se vio afectado por el Alzheimer. La cinta ronda alrededor del tema de la memoria como la herramienta que define la identidad de un individuo, estableciendo un paralelismo entre la manera en como Augusto trabajó para que los eventos de aquella fatídica época quedaran en la memoria colectiva del pueblo chileno y los cuidados de la esposa de Augusto (Paulina) para regresar a la memoria individual del mismo de Góngora tomando como base el amor como el método del reencuentro de la identidad. Una historia tan bella y universal que es el reflejo de lucha en pareja y colectivo ante la adversidad. Solo el amor puede salvarnos.

Calificación: 8.5

11 – Monster (Hirokazu Koreeda) – Japón

Al estilo de Rashomon, Koreeda construye un retrato alrededor del escrúpulo tomando un caso de bullying escolar como punto de referencia, presentando la narrativa clásica de tres historias (una madre, una profesor y dos niños), el cineasta nipón retara al espectador jugando con sus propias concepciones presentando todas las aristas posibles del conflicto demostrando que bajo cada óptica el temor y el monstruo será distinto, con una edición versátil y una fotografía que hace distinción clara de cada perspectiva, Monster es un retrato de la empatía, un golpe directo al corazón que incluso cuestionara la forma en que percibimos las problemáticas que vivimos, mostrando al monstruo más peligroso de la historia; el prejuicio.

Calificación: 8.5

10 – Godzilla: Minus One (Takashi Yamazaki) – Japón

Godzilla regresa a sus orígenes tomando como referencia el miedo a la guerra nuclear el cual fue la razón de la creación de este monstruo, construyendo una historia del camino de redención de un soldado japonés que huyo de su deber, la cinta toma un discurso antibélico que cuestiona los vestigios de la guerra desde los desastres sociales y humanos que deja, las fronteras del deber de un combatiente, hasta las decisiones políticas cuestionables en estas situaciones(mensajes sustentados en un buen desarrollo de personajes), sin olvidar la parte del espectáculo filmando de manera colosal las escenas de destrucción del lagarto gigante. Esta versión de Godzilla es el ejemplo de lo que debe ser un buen blockbuster; una mezcla de entretenimiento, pero siempre otorgando un plus narrativo adicional. El Rey ha regresado.

Calificación: 8.5

9 – El Niño y la Garza (Hayao Miyazaki) – Japón

Fiel a su estilo Miyazaki escribe una carta de amor al cine y su legado con una historia cargada de simbolismos. La trama de Mahito y la superación del duelo de su madre viene con subtextos alrededor de la vida y la muerte vistos como un balance universal, el origen de la maldad, las dificultades de la maternidad y como última puerta; el arte como una manera de trasladar todas las viscitudes y dolores de la vida, en su último acto Hayao abre su corazón y expresa su preocupación sobre su herencia artística, ¿Quién continuará el legado después de que él se vaya? La invitación está abierta, y si bien no existirá alguien como Miyasaki, el deber para aquellos que hacen y hablan de cine es no dejar que el castillo se derrumbe. Al final de cuentas quizás ante la coyuntura actual el mundo de las ideas y el arte es el último lugar donde aún estamos a salvo.

Calificación: 8.5

8 – La Sociedad de la Nieve (J.A. Bayona) – España

Con una edición dinámica que apela al estilo blockbuster, una puesta en escena física que muestra sin ningún tapujo pero con respeto las dificultades que pasaron los sobrevivientes de los Andes, J.A Bayona construye la versión definitiva del relato de supervivencia más increíble en la historia de la humanidad englobando a todos sus protagonistas como un solo colectivo con la distinción de no solamente hacer hincapié en los que sobrevivieron, sino en los que no regresaron, dando una voz (en off) aquellas personas que dieron su vida para que los otros regresaron (No hay amor más grande que el que da la vida por sus amigos), acompañado de una banda sonora excelsa, tenemos como resultado  una cinta empática, humana, inmersiva, existencialista, que incluso reconcilia a los protagonistas de la vida real con la ficción cinematográfica. Sigan cuidándose unos a otros y cuéntenle a todos lo que hicimos en la montaña.

Calificación: 8.5

7 – The Holdovers (Alexander Payne) – Estados Unidos

A una primera impresión, la historia de un grupo de estudiantes y un profesor que se ven obligados a pasar las vacaciones decembrina dentro de su instituto podrá ser una clásica cinta navidad, pero la habilidad de Payne como guionista permite darles más matices a sus personajes (desde lo cómico hasta lo dramático) e ir mas allá construyendo una trama alrededor de la soledad y lo complicado que puede ser en esa época. Resaltando en su trama el valor del compañerismo y la benignidad como herramientas para sobrellevar las viscitudes del desamparo en invierno. Con un excelente ritmo, una fotografía vintage y tres actores sólidos como lo son Giamatti, Sessa y Randolph, Holdovers es el nuevo clásico navideño de Alexander Payne que demuestra que en manos de un buen guionista las fórmulas clásicas pueden funcionar.

Calificación: 8.6

 6 – Robot Dreams (Pablo Berger, España)

Dentro de su cumulo de nostalgia, referencias a la ciencia ficción, al cine, la cultura pop, los 80’s y hasta el mumblecore (¿por qué New York es escenario de historias de relaciones rotas?) se esconde una historia alrededor de la soledad y de sus impulsos, haciendo analogías interesantes entre el mantenimiento de una máquina y el cuidado de una relación. Una máquina con conciencia (referencia a Blade Runner) y corazón (referencia al Mago de Oz) es apenas el punto de partida de una amistad entre un perro y un robot que, por diferentes circunstancias, nos regala yna lección sobre aprender a soltar y vivir el duelo de la separación.  Una pequeña gran cinta muda con mucho que decir, España da la mejor cinta de animación del 2023.

Calificación: 8.6

5 – American Fiction (Cord Jefferson) – Estados Unidos

Tomando como base un guion inteligente, la historia de un escritor afroamericano que a pesar de ser su excelente discursiva y articulación es poco apreciado por las editoriales debido a que sus obras no son tan “negras”, se convierte en una crítica ácida y sin tapujos a la “normalización del racismo”, al reduccionismo de una obra por las características de su artista y al “establishment” intelectual y cultural que, en un intento por no aparentar tener “ideas nocivas”, termina por verse igual de racista, misógino, homófobo que los grupos promedio que comparten estas ideas. El discurso de la película es tan sólido que no olvida el arco narrativo de sus personajes y que incluso lo interpola con su criticismo, tan universal que no solamente aplica para el contexto racial, su victoria en el Festival de Toronto y sus nominaciones al Oscar demuestran el punto de sus ideas siendo quizás una de las ironías más creativas y graciosas en la historia de los galardones.

Calificación:8.8

4 – Killers of the Flower Moon (Martin Scorsese) – Estados Unidos

Una vez más el tío favorito de todos los cinéfilos se avienta un masterclass de dirección con una transición de géneros que van desde el drama, el western, hasta el thriller criminal culminando en lo judicial. El desarrollo casi perfecto de todos sus personajes, de entre los que destaca un villano odioso y a su vez carismático, y una protagonista fuerte pero conmovedora, es la base angular para que Scorsese demuestre en paralelo la transición hacia la América Moderna y el último golpe asestado a las raíces coloniales a través de una masacre implosiva. La fotografía de Rodrigo Prieto es uno de los mejores acompañantes induciéndonos de manera hipnótica en estos escenarios, transitando en sus primeros actos de escenarios más orgánicos naturales, hasta los suburbios más modernos artificiales (reforzando el mensaje). La conclusión de este discurso (otorgada por una escena final magnifica) termina por ser reforzada con una reflexión alrededor de la transformación de la tragedia en espectáculo, un sistema en el que todos los medios han sido responsables, incluso Scorsese.

Calificación: 8.9

3 – Fallen Leaves (Aki Kaurismaki) – Finlandia

En su regreso, Kaurismäki escribe y dirige una historia donde las miradas y el silencio dicen más que mil palabras, evocando lo mejor de dos mundos: las cintas clásicas del cine mudo (Chaplin, Marx, Lloyd) y el humor negro postmoderno. La trama de dos individuos (Ansa, Holappa) con trabajos precarios que luchan por subsistir, y que buscarán a toda costa estar juntos a pesar de las circunstancias, es una reindivicación y dignificación de la figura del obrero, que permite un acercamiento universal mucho más tangible de diferentes temáticas y situaciones generando una mayor empatía con los personajes (a pesar de que la cinta este escrita desde una perspectiva local), esto aleja a Kaurismaki de los artificios clásicos del cine de comedia romántica convirtiéndola en una de las mejores del siglo XXI. Un homenaje al séptimo arte y el amor, una historia tan orgánica, pero a la vez tan cínica y negra que harán que a pesar del silencio y del frío se sientan cálida como el primer romance en una sala de cine.

Calificación: 8.9

2 – Poor Things (Yorgos Lanthimos) – Irlanda

A La historia de una mujer que es regresada a la vida por un científico, se le ha otorgado en un sinfín de lecturas, desde una perspectiva de crecimiento freudiana a través del sexo, un desarrollo a través de la exploración sensitiva a través del conocimiento, la conciencia de la maldad, una deconstrucción del mito de Frankenstein, una crítica ácida hacia el machismo (especialmente de la perspectiva de que la mayoría de los hombres no pueden relacionarse con mujeres mentalmente maduras), y/o una alegoría al libre albedrío. Todas estas visiones son completamente válidas, pues Lanthimos ha agregado diferentes costuras a este “monstruo” con el objetivo de generar una perspectiva subjetiva dependiendo del contexto del espectador (a diferencia de varias realizadores que se valen de la ambigüedad para rellenar espacios). Yorgos le da un toque de cuento de hadas y un toque de comedia para hacerlo más digerible a un público no tan cercano a su cine. Añadiendo una fotografía espectacular que va desde el clásico ojo de pescado (para dar esa sensación de morbo), una paleta de colores variada y un actuación espectacular de Emma Stone , el científico loco Yorgos Lanthimos crea una cinta divisiva, polémica, rozando los límites de lo moral y que sin embargo no dejará indiferente a nadie .

Calificación: 8.9

Anatomía de una Caída (Justine Triet) – Francia

Thriller judicial que utilizará la muerte del patriarca de una familia para desentrañar una poderosa introspección emocional, dónde de a poco se exponen las grietas de un matrimonio al borde de la cornisa. La película rondará constantemente la búsqueda de la verdad entre la inocencia o culpabilidad de la esposa del difunto (quien es acusada de la muerte de su marido), exponiendo de manera gradual, todas las aristas del caso, constantemente la cámara se moverá hacia las diferentes visiones (la parte defensora y acusada) otorgando en el lenguaje visual y narrativo información que hará que cualquier conclusión sea la correcta, los constantes giros cuestionaran también la verosimilitud de lo hechos presentados. La película explora también otras premisas, desde el machismo en la sociedad, hasta una óptica infantil del caso, articulándolas de la manera perfecta en la narrativa. Con una edición sutil que nos regala una excelente secuencia que representa el punto de quiebre de la historia y que deja helado al espectador Y una excelente actuación de Sandra Huller, Anatomy of Fall es una radiografía de la caída de un matrimonio y del desgaste de un relación al punto de que ya no importa el ¿Quiénes?, sino los ¿por qué? o ¿Cómos?. Excelente elección de Cannes para la Palma de Oro

Acerca del autor

El Cine Actuario   @maxpower_ar?s=09   facebook.com/dvclocblog

Actuario/Economista, Amante del Cine, Devoto de Dios, Intuitivo, Curioso, Rockero de corazón, Fanático de los Libros y del deporte de las tacleadas, quesero, colchonero, diablo rojo. "Las estadísticas son la forma en que las matemáticas cuentan las historias" "El arte es una ciencia y el trabajo del critico al igual que el del investigador es exponer sus axiomas y teoremas al mundo" "Estar de acuerdo, en no estar en desacuerdo es saludable"