Las 40 Mejores Películas del 2024 según El @Cineactuario
Ha concluido el año cinematográfico 2024, un periodo que siendo honestos, creía que se viviría una resaca cinematográfica fuerte derivada de la huelga del 2023, pero afortunadamente hemos tenido muchas propuestas interesantes. Algo peculiar de este año es que salvo algunas cintas no tuvimos nombres fuertes de la industria como el 2023 (los Nolan, Scorsese, Miyazaki, etc.) pero vaya que podríamos catalogarlo como una etapa donde muchos directores que quizás no estaban dentro del radar otorgaron películas destacables (Fargeat, Corbet, Eisenberg, Zilbalodis, Von Horn, Schimberg, etc.). Cómo un defensor del cine de autor aplaudiré la entrada de nuevas caras en la escena principal y desde la frontera de la crítica recomendarlos. El séptimo arte necesita de la mayor cantidad de talento para poder subsistir en contra de las maquinarias corporativas sin alma de las cintas por encargo o de franquicia.
En otros rubros, ha sido un año de bendición para el equipo pues hemos cubierto diferentes festivales este año y hemos conocido personas maravillosas, tanto colegas de profesión como técnicos, y actores. En un ámbito más personal ha sido un año de aprendizaje pero sobre todo de valorar que el simple hecho de estar sentado en una sala de cine y de escribir en uno de los sitios más mediáticos de este rubro implica una posición de privilegio que hay aprender a valorar, para desempeñar nuestra profesión con disciplina, pero también con cierto grado de nobleza, para evitar que el “ego” termine por consumirnos, siempre asumiendo que nuestro labor como críticos y comunicadores nunca estará exenta de alguna área de oportunidad y que aprender a mejorar es parte de nuestra formación integra.
Quizás una de las principales conclusiones del 2024 es el criterio del séptimo arte, a mi consideración no es algo lineal, si hay bases que deben respetarse y considerar, pero dentro de la conversación debe haber tres visiones a considerar: los críticos, los técnicos (gente que se dedica hacer cine) y el público. En un mundo cada vez más politizado es necesario integrar estos discursos y de todas las visiones posibles étnicas, de género y de cualquier clase para evitar que tanto la cultura como el séptimo arte se convierta en otro campo de batalla frio de dicotomía de blanco contra negro
Con estas reflexiones despedimos el 2024-2025 cinematográfico deseando que haya mejor cine, pero sobre todo un año donde se pueden romper ciertas barreras culturales y haya una conversación mediática mucho más amable, respetuosa, enriquecedora.
Bonus – Shogun (Rachel Kondo, Justin Marks) – USA/Japón
Estamos quizás ante uno de los mejores productos televisivos de los últimos años, ubicada en Japón del Siglo XVII una representación de la leyenda negra y el choque de dos culturas distintas que será el epítome quizás para el término de la guerra feudal en la región. Es no solamente una descripción de la lucha de poderes local y las vicisitudes de como la intervención de alguien de afuera pueden apoyar para bien o mal, es una épica aventura que no escatima en producción para ser lo más realista posible, con un final que a diferencia de otras series justifica su expansión a una segunda temporada.
40 – Saturday Night( Jason Reitman) – USA
Está lejos de ser la mejor comedia de la historia, pero el homenaje de Reitman al programa Saturday Night Live va más allá de las referencias. El director junto al guionista Gil Kenan han captado la esencia de lo que (hace) hizo especial aquel programa y lo han procesado en una película alocada donde el humor negro bien encausado, junto a un grupo de actores con momentos especiales, y por supuesto una fotografía repleta de planos secuencias que suben la adrenalina, convierten en una fiesta visual a los late Night shows, la comedia y al desenfreno de la generación X.
39 – La Cocina (Alejandro Ruiz Palacios)- México
Un trabajo técnico impecable a nivel edición y fotografía que se convierte en el hilo conductor para representar la precariedad en la que pueden llegar a estar la gente dedicada al sector de servicios, aprovechando de paso el tema del significado de ser migrante en USA. Con uno de los planos secuencias mejor armados de los últimos años, podría ser una de las mejores películas de los recientes tiempos del cine mexicano de no ser por su excesiva elocuencia, y por momentos su narrativa desordenada. Ruizpalacios se define como uno de los mejores exponentes del cine mexicano.
Corina (Urzula Barba, 2024) – México
Por el Cine Actuario
La historia de una chica de 20 años con agorafobia, a pesar de tener detalles en su acto final es una película que con mucho corazón dignifica a las personas que padecen algún trastorno de personalidad y que representa una bocanada de aire fresco al cine mexicano en cuanto temática y estilo, con un elenco que es está en su tono y una banda sonora interesante podrá no ser perfecta, pero Corina probablemente se quede como uno de los personajes más emblemáticos del cine mexicano. ¡Qué gratificante es encontrar propuestas en cartelera tan valientes y genuinamente lindas como lo es Corina! Una película que, sin proponérselo, funciona incluso como una alegoría sobre la actualidad de la industria cinematográfica mexicana
37 – Sing Sing (Greg Kwedar)- Estados Unidos
Sencilla, pero efectiva historia alrededor de un programa de teatro penitenciario cuyo objetivo es la rehabilitación a través del arte, la cinta encuentra su alma en una excelente escritura de sus dos personajes principales que funcionan como un contrapeso y sus actuaciones poderosas; incluyendo a Colman Domingo que está demostrando ser uno de los mejores actores de su generación. La fotografía y el estilo que apela al género de la no ficción, elevan está historia emocionalmente conmovedora sobre el arte como vehículo de apoyo y de transformación interpersonal.
The Apprentice (Ali Abbasi) – Canadá
Aunque puede seguir la fórmula clásica y lineal del biopic su distinción radica en la exploración y construcción de su figura principal; Donald Trump, al enfocarse en los inicios de su carrera como uno de los empresarios más poderosos del mundo teniendo como el ancla principal: Roy Cohn uno de los personajes más influyentes en política americana y quién fue una de las influencias más fuertes del presidente 45° y 47° de los Estados Unidos. Este desarrollo del maestro y aprendiz ejecutada de manera excelsa se convierte en la base de un retrato que se alza por explicar y entender la psicología y origen del Trumpismo, quizás la película socialmente más vigente de los siguientes 4 años.
35 – Kneecap (Rich Peppiat) – Irlanda
El biopic de la banda de rap irlandesa más famosa del Reino Unido, se aleja de los clichés del subgénero construyendo una historia con un mensaje alrededor del idioma como identidad cultural y de la música como sinónimo de resistencia, ubicada en una línea entre no tomarse en serio pero sin caer en la caricatura, creando uno de los musicales más divertidos, alocados de los últimos años que representan el estilo irreverente del trío gales: ácido, pero con consciencia social que probablemente con los años le da más iconicidad al grupo. I’m a H.O.O.D
34 – La mujer de las estrellas y montañas (Santiago Esteinou) – México
El documental de Esteinou tiene la virtud de priorizar la construcción del perfil de su protagonista para recalcar la importancia y sensibilidad del caso presentado alrededor de una mujer de origen raramuri que fue encerrada en un hospital psiquiátrico en Kansas injustamente, la recreación del retrato humano duro pero empático proporciona razones al espectador sobre por qué es necesario y urgente incluir todas las culturas posibles para salvaguardar la integridad y garantizar el respeto a los derechos de los pueblos originarios, especialmente para evitar que se repitan casos como el de Rita Patiño, filme poderoso sobre la importancia de la inclusión pluricultural a nivel global.
33 – Waves (Ji?í Mádl) – República Checa
La historia de una radiodifusora checa en tiempo de la invasión del Pacto de Varsovia al país europeo, es uno de los mejores thrillers periodísticos y políticos de los últimos años que no solamente destaca por su manejo en ritmo sutil pero atrapante sino por una edición acertada que combina el videotape con la ficción, su mensaje es potente demostrando el valor del periodismo especialmente en tiempos de incertidumbre social donde los regímenes autoritarios y la manipulación mediática gobiernan con puño de hierro, aunque hay ciertos arcos que no funcionan de todo (como el romance), sigue siendo redonda en todos sus aspectos, convirtiéndose en la segunda película más taquillera en la historia de la República Checa.
32 – Going Varsity in Mariachi (Sam Osborn, Alejandra Vazquez) -Estados Unidos.
Un estupendo documental que a pesar de irse a los lugares comunes de películas alrededor de competencia deportiva, gracias a un increíble montaje a nivel visual y sonoro que reúne todas las perspectivas posibles alrededor de un programa de banda de mariachi de una secundaria en Texas y de la búsqueda de un campeonato estatal (desde integrantes, entrenadores, hasta rivales) termina por convertirse en un excelente coming age entre la etapa de la adolescencia media y tardía, la transmisión del conocimiento a un novato desde la perspectiva del profesor y veterano utilizando el mariachi como pivote. De paso rinde homenaje a uno de los más bellos géneros musicales y representativos de la música mexicana. ¡Ay Mariachi de Oro, no te rajes!
31 – Sujo (Astrid Rondero y Fernanda Valadez) – México
Aunque está lejos de la calidad de “Sin Señas Particulares”. La historia de Sujo, un niño que queda huérfano después de que su padre miembro de un cartel mexicano es asesinado, es un “coming age” decente donde el tema de la violencia es parte del ambiente más no la esencia. A pesar de tener dos actos demasiado contemplativos, la búsqueda del protagonista por alejarse de un legado nocivo eleva en su último acto a la película cuyo mensaje esperanzador pero objetivo es su sello de distinción cerrando con una dedicatoria que arranca el corazón; “Para todos los huérfanos de este país en llamas”
30 – No nos moverán (Pierre Saint-Martin) – México
La ópera de prima de Pierre Saint-Martin sobre una abogada que busca venganza contra uno de los soldados que mato a su hermano en la masacre de Tlatelolco de 1968, a pesar de estar filmada con pocas locaciones es una cinta atrapante y de emociones complejas sobre la justicia, el rencor, y el remordimiento que encuentra su base en una fotografía monocromática y poética, pero también en su actriz principal; Luisa Huertas cuyo rango actoral se convierte en el gancho principal de este viaje sensitivo. Con un par de guiños al cine hecho en Tlatelolco, su trama trasciende desde lo político hasta lo íntimo. Unidos en la lucha, no nos moverán.
29 – El Conde de Montecristo (Matthieu Delaporte y Alexandre de La Patellière) – Francia
La versión enésima de la obra de Dumas es una combinación de lo mejor de dos mundos; el estilo dramático francés apoyado en las interpretaciones correctas de su elenco y el blockbuster Hollywoodense notándose en una producción de proporciones épicas muy al estilo del cine americano de los 80’s, como resultado tenemos una aventura heroica alrededor de la venganza con un detalle no menor alrededor de lucha de clases, que a pesar de que le falta ajustar algunas tuercas en la trama, los detalles técnicos compensan y complementan logrando el objetivo principal; condensar un libro de 1500 en 3 horas de metraje para todo el público y que por supuesto entretenga. Esto debió representar al Oscar por Francia y no la cochinada de Emilia Pérez.
28 – Dahomey (Mati Diop) – Senegal
Documental que sigue el viaje de repatriación de 26 tesoros reales que se encontraban en el museo de Francia y que fueron devueltos a Benin(país de África Occidental). En combinación con la realidad, ficción y segmentos de debate, Diop no pretende aleccionar al espectador sino utilizar al cine como un recurso para abrir un debate sobre la identidad cultural, el significado de una restitución y sobre todo el saqueo que han realizado en estos terrenos los países imperialistas. Su duración no es casualidad pues la película no pretende dar respuestas, sino que comencemos a preguntarnos de manera universal nuestra identidad como región o país. Esto es cine para cuestionarse y debatir en el sentido estricto de la palabra.
27 – Kingdom of the Planet of the Apes (Wes Ball) – Estados Unidos
Ubicada muchas generaciones después de la muerte de Cesar, ahora enfocándose en un chimpancé de nombre Noah, si bien no tiene la emotividad de la saga anterior lo compensa con un mundo bien construido y una serie de analogías históricas, filosóficas y culturales. Si repite la historia de colonización a través de la modernización y de la construcción de los grandes imperios a través de la explotación de pequeñas comunidades, pero lo hace con una buena ejecución que esconde incluso algunos errores narrativos, su escena final hace a la película más efectiva encajando de manera perfecta en el canon del Planeta de los Simios. Digna secuela de una franquicia que desde 2011 es de las más sólidas.
26 – The Order (Justin Kurzel) – Canadá
La historia de una serie de robos a bancos y vehículos en 1983, es una película que brilla por dos vías; la construcción de las dos partes del conflicto, la del líder de la comuna neonazi responsable de estos altercados y la del agente del FBI con un pasado que lo persigue evitando el maniqueísmo o cliché, por otro lado la combinación del género thriller con algunos atisbos de documental crean una propuesta audiovisual interesante que nos sumerge aun más en la entrañas del conflicto. Kurzel se convierte en uno de los directores más interesantes
25 – Daaaaaalí! (Quentin Dupieux) – Francia
La persecución de un periodista para obtener una entrevista de Dali se convierte en una mezcla interesante entre biopic falso y la comedia absurda, la trama más que ser una biografía de la vida del pintor francés es un homenaje a su peculiar estilo por lo que resulta más interesante e hilarante. Lo más destacable; los 7 actores que interpretan a Dali. Una de las mejores comedias del año que consolidan a Dupieux como uno de los cineastas más creativos y alocados.
24 – I’m Celine Dion (Irene Taylor Brodsky)
Documental intimista que sigue la vida de Celine Dion después de ser diagnosticada con SPR en paralelo el montaje de la película construye una remembranza de la vida personal y profesional de la cantante canadiense. Gracias al humanismo y la sinceridad con la que retrata a Celine, se evita caer en los clichés de las biografías documentales, mostrando la identidad del artista como una manera de superar las barreras físicas sin caer en el morbo o la manipulación. De los mejores documentales del año y que en paralelo nos dio uno de los momentos más nostálgicos del 2024, al ver a Celine Dion de manera inspiradora (como cualquier atleta) cantando el Himno al Amor en la inauguración de los JJOO de Paris.
23 – Jim Henson: Idea Man (Ron Howard) – Estados Unidos
Documental que sigue la vida de Jim Henson creador de los Muppets que rompe un patrón específico, no pretende ser una biografía lineal, sino una exploración del genio y la inspiración de su figura principal, a través de las entrevistas y de un montaje de material de estudió dinámico, el resultado es un homenaje nostálgico, con una narrativa solida apoyada por una fotografía y diseño de producción estéticamente impresionante. Un filme que hace honor a quien fue uno de los mayores innovadores del mundo del cine y la TV.
22 – Frida (Carla Gutiérrez) – Estados Unidos/México
A diferencia de otros retratos de la pintora Mexicana, el documental de Carla Gutiérrez se destaca por utilizar como material base las cartas y diarios de Frida Kahlo, trasladándolos a una narración en primera persona en combinación con una animación alucinante (especialmente la que da vida a las obras de Frida) y fotografías de la vida de Frida utilizadas como material de investigación, acompañado de un montaje bien ensamblado es quizás el filme más intimista alrededor de la artista y que adentra más un psique, convirtiéndose en uno de los mejores retratos cinematográficos del icono de la cultura mexicana.
21 – The Substance (Coralie Fargeat) – Estados Unidos
Un cuento de “horror body” a lo Cronenberg asertivo entre su estilo y temáticas, sobre una estrella en decadencia que tras ser despedida por su edad decide probar una sustancia de la cual saldrá una versión más joven de sí misma. Su fabula gira alrededor de las consecuencias de vivir en la prolongación de una juventud artificial y la no aceptación de la vejez tocando temas como la dismorfia corporal, el nocivo establishment de Hollywood y el machismo, su único problema es su final que no está a la altura de su desarrollo. Demi Moore da una de las mejores actuaciones de su carrera en un papel “comeback” que al estilo Mickey Rourke en The Wrestler parece paralelo a su momento de vida.
20 – La Libertad de Fierro (Santiago Esteinou, 2024) – México
Santiago vuelve a crear otro retrato visual con tintes humanistas de un hombre que busca reconstruir su vida, su libertad y recuperar su sanidad mental después de estar preso 40 años, el acto inicial junto a la cotidianidad son el vehículo empático que elevan este documental demostrando la importancia que tiene este género a nivel social y como manera de contribución desde cualquier trinchera, las últimas escenas son una demostración del grado de empatía que Santiago dibuja en su cine.
19 – How to Make Millions Before Grandma Dies (Pat Boonnitipat) – Tailandia
La historia de un nieto que cuida a su abuela que tiene una enfermedad terminal con el objetivo de ser incluido en la herencia, posee su mayor fortaleza en la naturalidad del desarrollo de sus personajes, como en el excelente balance de comedia y drama evitando el cliché. A pesar de transitar lugares comunes se convierte en una emotiva cinta sobre los vínculos familiares, un retrato sobre la herencia desde lo tangible, hasta lo intangible, la soledad durante la vejez, así como la importancia de la figura de los abuelos. Lo que más trasciende es la universalidad de la cinta llegando a qué algunos personajes sean identificables en cualquier contexto familiar de la realidad (especialmente en LATAM) Y si probablemente saque un par de lágrimas especialmente por un giro y una secuencia final que valen cada centavo.
18 – The Girl with the Needle (Magnus Van Horn) – Dinamarca
La historia de Karoline, una mujer embarazada quien tras intentar abortar con una aguja por dificultades económicas es apoyada por una mujer llamada Dagmar que le buscará un mejor lugar a su hijo es cuento de horror a lo Dickens cuyo objetivo es mostrar la crueldad humana en varios extremos, utilizando fotografía monocromática bien ejecutada que añade claroscuros de sus protagonistas. Su mayor distinción es evitar robotizar a sus personajes en su propia maldad y añadir una escritura solida al secundario pero sin robar reflectores al principal. Cuenta quizás con las secuencias más fuertes de los últimos 3 años en el cine
17 – The Remarkable Life of Ibelin(Benjamín Ree) – Noruega
Documental sobre un gamer noruego que padecía una enfermedad muscular degenerativa y que encontró en el juego online WoW una vía de interacción con otras personas. Su gran logro es poder hilvanar tres líneas narrativas y de investigación; la personal de su protagonista, los testimonios de amigos y familiares, la del historial de chats guardados en la nube del juego en linea. Acompañado de una animación excelente que usa el software de WoW de apoyo, es una cinta que en cuanto a perspectiva no deja ningún cabo suelto, siendo un retrato humano alrededor de la comunicación y de uso de manera positiva en el siglo XXI.
16 – El Jockey (Luis Ortega) – Argentina
Es como si Lynch hubiera procreado un hijo con Almodóvar. Un divertido y exquisito ejercicio surreal que precisamente creará cuestionamientos para aquellos no acostumbrados a esta corriente, y en donde Ortega se vale de su ya acostumbrado tono criminal para encausar secuencias oníricas que simbolizarán la depresión y transición de su jockey. La perfección simétrica es directamente proporcional a una narrativa de rebeldía en contra de lo establecido, y en donde el /ella tendrán que escapar del yugo sistemático para alcanzar su estado de gracia física y espiritual. Su mosaico de escenas surreales en conjunto con su selección musical la hacen el ejercicio más ingenioso y extravagante del 2024
15 – Nickel Boys (RaMell Ross) – Estados Unidos
Un coming age de la amistad de dos adolescentes afroamericanos ubicada en un reformatorio encuentra su distintivo de otras historias de segregación a través; del uso de su fotografía en primera persona utilizada como un vehículo de empatía un montaje paralelo con figuras narrativas, con estos elementos el director reta a los espectadores a formar parte de una experiencia inmersiva acercándose al compromiso narrativo de la lectura con un objetivo de ser un retrato del respeto, la dignidad humana. Aunque no está libre de algunos detalles, especialmente en actuaciones, es un ejercicio cinematográfico que demuestra que la magia a veces radica más en como cuentas una historia.
14 – Flow (Gints Zilbalodis) – Letonia
La magia de esta historia apocalíptica de un gato tratando de sobrevivir a una inundación es un viaje sensorial e inmersivo que se destaca porque es técnicamente impecable, distinguiéndose por un manejo cámara y sonoro excelso, narrativamente toca las fibras más sensibles con una trama alrededor de la cooperación a pesar de las diferencias de raza y de la superación de los miedos para asegurar la supervivencia todo sin quitar un grado de naturalidad a los animales protagonistas. El hijo de Tarkovsky y del mejor Pixar hecho animación que se ha convertido en el orgullo de Letonia, Larga vida a los michis.
13 – Evil Does Not Exist (Ryusuke Hamaguchi)-Japon
Hamaguchi utiliza sus habilidades como guionista y con excelentes secuencias construye una tensión alrededor de dos agentes que buscan afectar un ecosistema al erigir una atracción turística, afectando también a sus habitantes, El director rompe la bonanza del primer acto dando a entender que estás personas no pertenecen, ni comprenden la dinámica orgánica de este sitio ni de la naturaleza. Una fábula visual ecológica que demuestra la madurez de Hamaguchi como director equilibrando lo mejor de sus cualidades; su parsimonia y su dialéctica. Lo que hagas rio arriba terminara afectando rio abajo
12 – Better Man (Michael Gracey) – Estados Unidos
Aunque utiliza una estructura clásica del biopic alrededor de la vida de Robbie Williams el hecho de romper el techo de la fantasía y la realidad convirtiendo a su figura principal en un mono define una serie de reglas que dan licencia a la cinta de navegar en lo extravagante, como consecuencia tenemos un musical mágico con momento hipnóticos a ritmo de la discografía del artista británico, secuencias dramáticas y estrambóticas sobre la lucha de Williams con sus demonios y daddy issues, así como momentos fantásticos de romance y de éxito, lo convierten en una de los películas musicales biopics más interesantes y atrapantes más cerca de Rocketman y lejos del desabrido Bohemian Rhapsody. I dont want to Rock DJ.
11 – Wallace & Gromit: Vengeance Most Fowl (Nick Park, Merlin Crossingham) – Reino Unido
Es la historia del dúo que más remarca sus diferencias, resaltando el tema de obsesión tecnológica (muy acordé a los tiempos actuales) a través de Wallace y la invención de un gnomo de jardín que desplaza al fiel Gromit. Con su tono clásico de comedia y misterio se consolida gracias al regreso del mejor villano de la franquicia; el hijo de su pingüina madre, Feathers McGraw, quien sin una pizca de diálogo navega entre el antagonismo y lo hilarante. La mejor película del dúo (incluyendo cortos) desde Los Pantalones Equivocados, esperando a que no sea la última arcilla de Aardman.
10 – Juror #2 (Clint Eastwood) – Estados Unidos
Un dilema moral de un miembro de un jurado que influye directamente en el veredicto en un juicio de asesinato nos muestra el lado menos idealista del señor Eastwood, contada en forma de un thriller es construido a través de excelentes fotogramas y un manejo de la tensión impecable, pero sobretodo con la revelación del giro inicial en los primeros actos con el objetivo de que el público se convierta en el jurado del personaje principal, este acercamiento permite un mayor involucramiento del espectador con la historia, evitando la condescendencia. Una excelente película que demuestra que Eastwood a sus 90 años lo sigue teniendo. Por cierto vas y chingas a tu madre Warner Bros por darle una distribución nula a esta película y escupirle en la cara a una leyenda.
9 – Aún estoy aquí (Walter Salles) – Brasil
Basada en una historia real de la desaparición del exdiputado Rubéns Paiva durante la dictadura de Brasil en 1971, aunque posee una narrativa sencilla, se destaca por presentar el tema de las heridas del autoritarismo no a través del sensacionalismo, sino del desarrollo del retrato del “desaparecido”, el núcleo familiar, la naturalidad, el silencio derivado del miedo y la complejidad emocional a través del papel de Eunice que da la mejor actuación del año femenina (Fernanda Torres). Lo técnico no es gratuito pues hay una relación especial entre la memoria, el uso del formato Super 8 y las fotografías, como un recordatorio de que estos eventos trágicos NUNCA MÁS deberán repetirse.
8 – Conclave (Edward Berger) – Reino Unido
La base de este thriller político es un montaje y una fotografía descriptiva que encierra al espectador en esta elección papal, acompañada de un diseño de producción y una banda sonora excelsas. Narrativamente tiene varios aciertos siendo una representación de la polarización actual como un problema que merma los procesos sociales y que es aprovechada por unos cuantos para hacerse con el poder, así como en una segunda línea; una representación de la importancia desde la espiritualidad desde el lado personal (apoyada en dos discursos espléndidos al inicio y en el epilogo), sus conveniencias argumentales ahogan el ritmo y le restan puntos a la cinta. Ralph Fiennes hace competencia para ser el mejor actor del año.
7 – No Other Land (Basel Adra, Hamdan Ballal, Yuval Abraham, Rachel Szor) – Palestina
Documental que muestra expulsión masiva por parte del ejército israelí en una región de Cisjordania, que combina en su montaje videotapes de los desalojos, con conversaciones e interacciones de los realizadores de su documental (un palestino y un judío). Funciona porque no solamente es un documento audiovisual que exhibe la crueldad de la ocupación israelí en Palestina, en otra vía; la visión personal de sus dos creadores es un testimonio de que individuos de diferentes contextos culturales tan antagónicos históricamente pueden convivir en armonía. Humana en todos los aspectos.
6 – A Different Man (Aaron Schimberg, 2024) – Estados Unidos
La historia de un hombre llamado Edward con neurofibromatosis y que se somete a una intervención quirúrgica para cambiar su rostro, es una meta ficción que comienza siendo un retrato de la superficialidad física y de la falsa aceptación de las minorías, para dar un giro de 180° y volverse un retrato ingenioso sobre la identidad y la autenticidad gracias a la introducción del personaje de Oswald, los tonos de la cinta quedan marcados en sus primeros actos de acuerdo a las personalidades, de sus protagonistas quienes interpretados por Sebastian Stan y Adam Pearson generan una excelente mancuerna. Absurda cinta, pero sincera en su humor
5 – A Real Pain (Jesse Eisenberg) – Estados Unidos
La historia de dos primos americanos y judíos que emprenden un viaje a Polonia con el objetivo de comprender sus orígenes es una road movie bien balanceada entre comedia y drama con un toque humanista para tratar temas como: la culpa, los lazos familiares, y el dolor moderno contra las heridas históricas sin caer en la caricatura, todo esto funciona gracias a la pareja protagonista que conforme avanza la película va mostrando capas alrededor de sus personajes y rasgos sumamente emocionales que son sólidos y lógicos con su psicología dando momentos dramáticos y conmovedores. Kulkin da una de las mejores actuaciones de su carrera, Eisenberg muestra su potencial como escritor en uno de los mejores guiones del año 2024.
4 – The Seed of the Sacred Fig (Mohammad Rasoulof) – Alemania
La inteligencia de su director es la base de esta cinta dado las limitaciones de producción por el contexto socio-político. La historia se traslada al núcleo familiar interpolando las problemáticas sociales que vive este país (especialmente las referentes al machismo imperante), de ahí construye un retrato crudo de como la manipulación y la paranoia en un sistema totalitario pueden terminar de destruir los vínculos afectivos de un individuo, incluso los más cercanos. Su fotografía tiene un balance en iluminación al igual que su tono navegando entre el drama y el thriller. Una excelente demostración del cine iraní, pero sobre todo del séptimo arte como medio de manifestación.
3 – The Wild Robot (Chris Sanders) – Estados Unidos
La virtud de la película producida por Dreamworks radica en un guion que juega de manera precisa con sus analogías al asociar el proceso de maternidad como una manera de modificación de la programación de un robot, con esta regla base, Sanders escribe una historia enternecedora de un autómata que toma bajo su cuidado a un pato bebe que refleja no solamente las vicisitudes de la maternidad en todas las etapas (incluso cuando los hijos se van) sino la búsqueda de la identidad y el amor por la naturaleza. Una de las mejores películas de esta casa productora y que consolida a Sanders como uno de los mejores autores del cine animado
2 – Anora (Sean Baker) – Estados Unidos
Lo que comienza como una historia de amor alegre y hedonista al estilo Pretty Woman celebrada por el ascenso económico y social de la protagonista, se interrumpe para dar un giro inesperado, convirtiéndose en una screwball comedy al estilo de Capra, combinada con el ritmo frenético de After Hours y la intensidad de los Hermanos Safdie. Para un público acostumbrado a los estándares de Hollywood, quizás se esperaría un “Romeo y Julieta”, pero Sean Baker es consecuente en su amoralidad y mientras Tangerine exploraba la relación – proxeneta-prostituta-, Anora explora la relación cliente-prostituta, siendo su obra que más enfoca en el tema de las diferencias de clases sociales. Anora se encarga de consolidar a Sean Baker.
1 – The Brutalist (Brady Corbet) – Estados Unidos
Desde sus primeros planos y de la decisión de filmar con cámaras Vistavision, la intención de Corbert es crear una retrato épico narrativo y visual al estilo del cine clásico alrededor de las bases sociales de la América Moderna, sobre un arquitecto judío húngaro que huye de Europa en 1947 rumbo a Estados Unidos, siendo su punto de partida, la apropiación cultural hacia a los migrantes, la identidad y las vicisitudes del sueño americano. Este edificio cinematográfico complejo cuenta con una fotografía polivalente, una edición vertiginosa , una dirección perfectamente articulada, un Adrien Brody que demuestra su calidad actoral, y un diseño de producción que se convierte en un elemento narrativo vital para la historia, está belleza arquitectónica es la demostración de que el cine a lo clásico se verá y se sentirá mucho mejor en el cine (incluso hasta los interludios se extrañan). LA MEJOR PELÍCULA DEL 2024 y quizás de las mejores del siglo XXI