Las Mejores 40 Películas del 2025 según El CineActuario
Hemos concluido el año cinematográfico 2025, un año particularmente malo para el cine de Estados Unidos, pues la decadencia en los blockbusters estuvo en máximos históricos, al punto de que producciones como Wicked o Avatar, que conseguían nominaciones en la temporada de premios, fueron borradas de la misma. Pero no todo fue malo: es un año donde el cine internacional hizo un trabajo espectacular, al punto de que se llegó a discutir que en la terna del Oscar podría haber cuatro nominadas no habladas en lengua inglesa.
Un año también excelente para el cine latinoamericano, donde tuvimos producciones de alto calibre, especialmente en México, donde quizás estemos ante la carrera más cerrada por el Ariel en mucho tiempo, con Brasil destacando con un Oso de Plata de Berlín y dos premios en Cannes.
Pero no todas han sido buenas noticias. La momentánea compra de Netflix a Warner Bros y las cifras acumuladas en la taquilla, que reflejan un descenso del 3% con respecto a 2024, prenden los focos rojos sobre una tendencia que, de a poco, se irá disparando: los servicios de streaming afectando las cuotas de mercado de las salas de cine tradicionales. El siguiente año será quizás uno de los periodos clave para mantener la supervivencia de las salas y del “cine se ve mejor en el cine”.
Y una vez más ha sido un año, a nivel carrera profesional, de mucho crecimiento. De antemano queremos agradecerle al público que nos lee y está con nosotros en los diferentes espacios. En mi caso personal, si usted es fan de mis artículos, críticas y/u opiniones, gracias por tomarse unos minutos de su tiempo. Gracias a mis compañeros y a nuestros jefes editores (El Fett y Kim) por su compañerismo, amistad y por brindarnos apoyo y espacio. Gracias a mi familia (mis padres y mi esposa) por comprender y apoyarnos en esta aventura profesional. Muchas gracias, amigos y colegas de este medio y de la vida.
Si he dedicado este espacio es porque, a nivel personal, en 2025 he aprendido que cuando contamos nuestras bendiciones y agradecemos a quienes nos acompañan en ellas, hay mucha más gratitud. Reconociendo que estar ante un micrófono o escribir un texto es un enorme privilegio y responsabilidad. El objetivo de 2026 es seguir creciendo y seguir llegando a más rincones del espacio. Vamos por mucho más en esta aventura cinematográfica.
Sin más rollo, aquí las 40 mejores películas del 2025
40 – Mickey 17 (Bong Joon-Ho) – Estados Unidos
Por el Cine Actuario
Esta odisea futurista alrededor del corporativismo salvaje y sobre lo prescindible que puede llegar a ser una individuo común en el mercado laboral reflejado a través de la historia un empleado que es clonado cada vez que muere tiene esa sabor de comedia irreverente muy al estilo de un buen capítulo de Futurama que aunque está lejos de ser la mejor versión de Bong Joon Ho, sigue siendo una cinta disfrutable y amena que fácilmente podría ser la vara de medir de lo que se espera de un blockbuster como mínimo. Adicional, esta película también consolida a Pattison como uno de los mejores actores de su generación interpretando de manera magistral un doble papel estilo doppelganger que explota dos rangos histriónicos opuestos haciendo gala de su versatilidad dándole el que quizás sea el mejor papel de su carrera. Una película medianita de Bong Joon Ho en cualquier día es mucho mejor que la mejor cinta de varios directores
39 – Caught Stealing (Darren Aronofsky) – Estados Unidos
Por el Cine Actuario
Después de una época oscura a nivel calidad cinematográfica para Darren, parece que ha encontrado la redención en un thriller criminal sobre un mesero que es atrapado por una banda de matones sin deberla, ni temerla. A pesar de tener elementos estilo Cohen y Guy Ritchie, Aronosfky imprime su propio sello oscuro tomando decisiones narrativas poco convencionales con giros argumentales que van sumergiendo al protagonista en las partes más turbias del mundo delictivo, aún lejos de su mejor nivel, esta cinta demuestra una faceta interesante de Darren mostrando polivalencia en su cine y quizás un nuevo renacimiento en su carrera. Mención aparte, que huevos de poner a los judíos como villanos y que manera de complementar el año del conejo sacándole una buena actuación a Bad Bunny.
38 – Selena y Los Dinos (Isabel Castro) — Estados Unidos
Por el Cine Actuario
Documental que con material inédito cuenta el ascenso de la carrera de Selena y su grupo los Dinos, su virtud recae más en lo narrativo que lo técnico, pues a través de la recopilación de estos videotapes y de entrevistas con familiares y amigos cercano, se busca explorar el retrato de la cantante, fungiendo como una especie de homenaje, hasta una exploración de su impacto cultural evita también caer en cualquier polémica o morbo (especialmente en el de Yolanda Saldivar el cual solo se retrata 5 minutos) que terminaron apoderándose de la conversación en torno a su figura, un documental que nos demuestra porque la interprete oriunda de Texas conquisto con su carisma al mundo. Bidi bidi bom bom
37 – Autos Mota y Rocanrol (José Manuel Craviotto) – Mexico
Por el Cine Actuario
Contada al estilo falso documental cómico cuenta la historia de cómo se creó el Festival de Rock de Avándaro, que empezó como una carrera de coches con un pequeño concierto y se convirtiera en una de los desmadres culturas más grandes de México, esa atmosfera alocada es traslada a la pantalla con una edición que combina ficción con videotapes y fotografías reales creando una experiencia inmersiva como si el espectador fuera traslado al mero Avándaro, un excelente trabajo que aunque por momentos parezca una lamida de bolas a Justino Compean demuestra que el cine mexicano se puede alejar de comedias al estilo Derbez y tener un estilo propio, gracioso, creativo y hasta pacheco. ¡Y que viva el Rock and Roll!
36 – Bugonia (Yorgos Lathinmos, 2025) – Irlanda
Por el Cine Actuario
Yorgos realiza este ejercicio de adaptación de la película surcoreana “Save The Green Planet”, sobre un hombre que cree que la directora ejecutiva de una empresa es un alien. De manera sencilla el griego con su estilo violento y de humor negro crea una sátira alrededor de las teorías de conspiración llevando al absurdo con la ventaja de que no se siente descolocado, enganchándolo con un pequeño mensaje ambientalista. A Destacar la actuación de Jesse Plemons, quien aprovecha que su personaje es el que posee más matices para entregar un excelente protagónico. Si bien Lathinmos se encuentra aun lejos del nivel mostrado hace unos años, al menos es una demostración de que tiene con queso
35 – Belen (Dolores Fonzi) – Argentina
POR EL CINE ACTUARIO
Basada en un caso real que ocurrió en el norte de Argentina donde a una chica de nombre Julieta se le encarcelo injustamente tras sufrir un aborto espontaneo en 2014 tiene su mayor cualidad en el poder del relato que cuenta mostrando todas los prejuicios y atrasos en la cuestión de libertades e igualdad de genero que se pueden tener en la sociedad y como pueden formar parte de un sistema, brillando por su manera instructiva y practica de mostrar un caso complejo que es acompañado de un thriller digerible que mantiene el ritmo constante, sin ningún cliché complaciente del género. Oportuna en un momento social donde el país de Argentina y algunas partes del mundo vive transiciones complicadas en estos temas.
34 – The Virgin of the Quarry Lake (Laura Casabe, 2025) – Argentina
Por el Cine Actuario
Basado en los cuentos de Mariana Enriquez es un coming age con elementos místicos y de terror alrededor de la represión del deseo, así como de las viscitudes de crecer en un ambiente inestable y caótico, aprovecha perfectamente la conexión de los factores externos de la crisis económica de Argentina con el desarrollo amoral y hasta macabro de su protagonista, su mayor virtud radica en una fotografía que encuentra balance entre su tono mágico macabro y la visión adolescente en los años 2000’s, como si estuviéramos leyendo un libro del realismo mágico, The Virgin Of The Quarry Lake aún con detalles se consolida como una excelente muestra del potencial del cine latinoamericano
33 – La misteriosa mirada de Flamenco (Diego Cespedes, 2025)
Por el Cine Actuario
Opera prima del director, un coming age sobre una niña llamada Lidia que crece con una familia queer en las cercanías de un pueblo minero donde a este conjunto se le culpa de expandir una enfermedad misteriosa. Aunque la alegoría hacia el tema del SIDA en forma neorrealista se hace obvia y por momentos sufre de una narrativa redundante, su desarrollo se centra en el concepto de la inocencia, donde la familia y el amor se convierten en el unico refugio ante un mundo caótico e incluso más difícil de entender para los adultos. Excelente propuesta del país andino
32 – Nouvelle Vague (Richard Linklater, 2025) – Francia
Por el Cine Actuario
Richard Linklater tenía la difícil misión de contar la historia alrededor de la producción de la innovadora película de Jean-Luc Godard ‘Al final de la escapada’, una de las cintas más icónicas del movimiento Nouvelle Vague. Apoyándose en su narrativa clásica y episódica (que puede pesarle un poco), crea un homenaje correcto y respetuoso con más apertura a las demás demografías y que servirá de introducción para aquellos que quieran meterse en este nuevo mundo francés, mientras que a los fans acérrimos de esta corriente y en especial de Godard, los tendrá con múltiples orgasmos visuales. Hay que destacar también el carisma y parecido de los actores a sus versiones originales.
31 – The Ugly Stepsister (Emilie Blichfeldt) — Noruega
POR EL CINE ACTUARIO
De Noruega para el mundo, Deconstruyendo los cuentos clásicos, creando una perspectiva de la historia de la Cenicienta desde el punto de la vista de la Hermanastra Fea; Elvira, Emilie logra un retrato oscuro donde el gore construye una fábula del desgaste físico y emocional de intentar encajar en los estándares de belleza, con un excelente diseño de producción que recrea el periodo barroco en combinación con el género body horror, la reimaginación de Blichfeldt está más cerca de la esencia de los cuentos tradicionales antes de la edulcoración de Disney; cruda en la superficie, pero con un mensaje de aceptarse tal y como eres y no intentar mutilarse para encajar en zapatos que simplemente no te quedan.
30 – 2000 Meters to Andriivka (Mstyslav Chernov) — Ucrania
POR EL CINE ACTUARIO
Del director de 20 Days of Mariupol, bajo el mismo estilo de mostrar la crudeza de la guerra de Rusia-Ucrania, este documental tiene la particularidad de mostrar la misión de recuperación de un territorio por parte del ejército ucraniano; a pesar de mostrar más espacios abiertos la pesadilla de la crudeza bélica sigue estando presente en cada fotograma, esa claustrofobia es sinónimo de un director que sabe manejar la cámara, plasmando el terror de un acontecimiento que lamentable se vuelve aún más traumante para una nación entera. Andivker se sufre en cada bala, cada metro y cada lágrima.
29 – El Diablo Fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la caja) (Ernesto Martínez Bucio) – Mexico
POR EL CINE ACTUARIO
La historia de cinco hermanos recientemente abandonados por sus padres y que quedan a cargo de su abuela, una mujer con esquizofrenia, en la construcción de este microcosmos contemplativo se encierra uno de los contextos más crudos de la sociedad mexicana; la marginación de los tres grupos más vulnerables; los niños, los ancianos y los que padecen alguna enfermedad. Sus últimos minutos terminan dando la entonación de este mensaje mostrando la dureza del abandono de un grupo, el aferrarse al único núcleo familiar que conocen y que es su apoyo, pero sobre todo como esta misma marginación los obliga a de manera desesperada pedir ayuda o auxilio, con una especie de realismo mágico. Adicional a estas cualidades mención aparte a una excelente dirección especialmente en la cuestión del coacheo de niños-actores
28 – Together – (Michael Shanks, 2025)-USA
Por el Cine Actuario
La historia de una pareja con problemas en su relación que se mudan al campo para intentar salvarla se convierte en un pretexto perfecto para que su director Michael Shanks plasme un relato a través de la comedia, el terror y el horror corporal sobre el miedo al compromiso y las relaciones codependientes yendo de menos a más plasmando una analogía bastante creativa entre la transformación grotesca de sus protagonistas y su forma tóxica de convivir. Aunque hay conceptos de más casi nada es gratuito en esta cinta que como cereza en el pastel brilla por la química (natural) de sus actores.
27 – Two Prosecutors (Sergei Loznitsa, 2025)- Ucrania
Por el Cine Actuario
A través de la trama de un joven fiscal que visita a un preso político a un cárcel ubicada en la época de la Unión Soviética usando todos los recursos disponibles; desde una fotografía Claustrofóbica hasta un ritmo pasados el objetivo de Loznitsa es claro, introducirnos en un mundo lleno de burocracia en un régimen totalitario como lo fue la URSS para llevar al espectador al punto de la desesperación. El proceso de solución de un caso por diferentes motivos se convierte en una pesadilla kafkiana que termina por impactar y a la vez querer salir de ahí. Un retrato político cinematográfico e interesante que, si bien comparte similitudes con otros relatos de esta época, el hacerlo desde la perspectiva del escritorio y del funcionamiento burocrático del sistema, le añade un pequeño distintivo.
26 – Twinless (James Sweeney) — Estados Unidos
POR EL CINE ACTUARIO
La historia de dos jóvenes que se conocen en un grupo de apoyo de gemelos en duelo, se convierte en una comedia de enredos interesante, bromances, equilibrada entre los momentos de comedia negra, conmovedores y tristes, a pesar de tener un trasfondo turbio, con un mensaje fuerte de que quizás la consanguinidad no lo es todo para formar un vínculo estrecho con una persona, y sobre la manera en cómo los lazos de amistad pueden ser una llave para sobrellevar el duelo, divertida y con un buen uso de sus elementos para acercar emocionalmente a sus personajes, una lástima que haya pasado casi sin pena ni gloria por la cartelera comercial
25 – Olmo (Eimbcke) – México
POR EL CINE ACTUARIO
Eimbcke con su misma fórmula de retrato minimalista sigue el día de joven de 14 años que se queda a cargo del cuidado de su padre postrado en cama, aunque no sorprende mucho, brilla por un ritmo mucho más versátil y raudo acoplándose con su trama que va hasta lo profundo de las dinámicas de una familia peculiar, con un toque de comicidad pero sin caer en la melancolía es un entretenimiento disfrutable que utiliza su montaje y cotidianidad para tocar las fibras más sensibles y crear una cinta amena, quizás estamos más cerca del cine mexicano comercial que queremos ver.
24 – Las Locuras (Rodrigo García) — México
POR EL CINE ACTUARIO
Retrato coral que tiene como eje en común las historias de 6 mujeres que pasan por procesos personales atados a la intensidad de las emociones y cierta expectativa y tabús sociales, la cinta es un drama interesante cuyo punto es darle espacio a la óptima femenina sobre varios temas; mostrando como el machismo recalcitrante minimiza está visión al punto de asociarla a temas biológicos, sociales, culturales y hasta psicólogos, aunque puede carecer del defecto clásico de las antologías en la consistencia de calidad de historias, su guion hábil y su elenco que reúne a las que quizás sean las estrellas más relevantes del cine mexicano de los últimos años, la hace una de las mejores cintas de este país en lo que va del lustro.
23 – Train Dreams (Clint Bentley) — Estados Unidos
POR EL CINE ACTUARIO
La vida de un leñador y trabajador ferroviario en el Siglo XX se convierte en un poema visual que va por dos vías; por un lado retrata la resiliencia del duelo de su protagonista, la conexión con la naturaleza y como está se va afectando por una modernidad en la cual el personaje principal termina por no encajar, con un estilo semejante en fotografía a Malick, un ritmo parsimonioso, es una cinta bella en la parte que exige paciencia y observación por parte del espectador como vínculo de empatía que no funcionaria del todo sino es por la actuación de Edgerton quien da una de los mejores papeles de su carrera transmitiendo esta sensibilidad en pantalla
22 – One to One: John &Yoko (Kevin Macdonald, Sam Rice-Edwards) – UK
POR EL CINE ACTUARIO
Documental sobre los primeros años de la década de los 70’s en la vida del matrimonio de John y Yoko, la cinta no solo brilla por ser explorar esta parte e incluso de cierta manera reedificar la figura tan atacada de la viuda del ex Beatle, sino también por pintar el contexto social sobre el que se encontraban parados los dos, las causas mudarse a USA, así como la cultura y la política fueron influyentes en varias de las acciones de este dúo; teniendo como constante la televisión como reflejo de la realidad y Richard Nixon como el contrapeso, un excelente documental que añadiendo a su manera dinámica de mostrar desde las llamadas telefónicas y con su montaje los eventos sociales de la época, funciona no solamente como un rompecabezas de sus dos figuras principales, sino como un retrato del cambio que trajo los años en 70’s en muchas vías.
21 – If I Had Legs I’d Kick You (Mary Bronstein) — Estados Unidos
POR EL CINE ACTUARIO
Un retrato crudo sobre la maternidad que sigue la historia de una matriarca la cual tiene una hija con una enfermedad grave, con su marido ausente por trabajo, ni un círculo de apoyo, añadiendo al estrés de su trabajo ira sucumbiendo a la locura, resaltando lo difícil de la maternidad ante la falta de respaldo y de la importancia de la salud mental, la cinta es un viaje tan bizarro como kafkiano que funciona gracias a sus encuadres cerrados, su edición vertiginosa y la mejor actuación del año 2025; Rose Byrne quien es el alma y la batería de una cinta que muestra el lado más oscuro de ser madre quitándole el lado idílico culturalmente arraigado. Mención aparte, no mostrar el rostro del infante, es uno de los elementos narrativos más interesantes, y arriesgados a nivel escritura
20 – A House of Dynamite (Kathryn Bigelow) — Estados Unidos
POR EL CINE ACTUARIO
En forma de retrato Rashomon, Bigelow cuenta una historia de un escenario hipotético donde qué pasaría si USA fuera víctima de un ataque nuclear, mostrando diferentes perspectivas, desde aquellos que se encuentran de una sala bajo órdenes, lecturas y monitores, hasta los encargados de tomar decisiones, su edición precisa como reloj suizo apoya a un thriller cuyo perspectiva amoral recuerda la fragilidad de la humanidad ante las amenazas nucleares y como la más pequeña reacción en cadena puede romper todo la estructura. Kathryn se vuelve a meter en un tema político social, volviéndole atinar desde una óptica neutral, al final sus historias no son de buenos vs malos, son de la vulnerabilidad de la humanidad ante los armamentos bélicos.
19 – The Life of Chuck (Mike Flanagan) — Estados Unidos
POR EL CINE ACTUARIO
Aderezado con una especie de realismo mágico, a través de tres actos con cronología inversa se nos cuenta la vida de un contador con cancel terminal, convertida en una trama existencialista cuyo distintivo es buscar ser accesible para todo el público, el tono visual y narrativo de coming age fantasía y onírico con una pizca de baile y casas encantadas evita que la película caiga en lugares comunes y que el cúmulo de diálogos de frases no se conviertan en frases gastadas de libros, para dar un especie de mensaje nostálgico pero con un toque mágico sobre aprender a vivir y disfrutar como manera de sobrellevar a la muerte. Cómo plus la Actuación de Mark Hamill demuestra su calidad como actor. Error de su productora haberla dejado para este año 2025, y no 2024, hubiera conseguido algo más en temporada de premios
18 – Dreams (Franco) – México
POR EL CINE ACTUARIO
Podrá ser una historia sencilla y clásica sobre un amor prohibido separado por temas de clase social y cultura entre una mujer americana adinerada y un bailarín mexicano, pero lo que en manos de otro sería un culebrón de Televisa, mostrando madurez fílmica Michel Franco lo convierte en una crítica sobre las dinámicas desiguales entre la elite americana y los migrantes yendo de lo particular a lo general. Con una fotografía cuyos planos generales y medios nos colocan como los testigos de esta relación más de poder que romántica y un dúo actoral a la altura, es una demostración de la evolución cinematográfica de Michel.
17 – The Perfect Neighbor (Geeta Gandbhir) – USA
Por el Cine Actuario
Documental que relata un caso de asesinato de una mujer blanca a un vecino afroamericano alimentado por constantes prejuicios de la señora a las víctimas, mostrado a través de una cámara oculta de un par de oficiales de policía. Las imágenes y momentos crudos no son más de una crónica de las terribles consecuencias de la segregación social y de que en contextos actuales el validar estas concepciones separatistas puede tener resultados catastróficos, una película necesaria para entender porque las conductas de marginación y discriminación pueden ser nocivas desde la raíz hasta el fruto de estas, especialmente en tiempo donde cada vez hay mas separación de toda índole.
16 – Resurrection (Bi Gan, 2025)
Por el Cine Actuario
En un mundo de ciencia ficción donde los humanos han perdido la capacidad de soñar y aquellos que aún lo hacen son considerados “fantasmas”, aprovechando su narrativa anclada al mundo de los sueños y con su estilo propio Bi Gan hace un homenaje masivo a través de las 5 vidas de su protagonista al mundo del cine desde Fritz Lang, Wong Kar -Wai, Park Chan Wook, Akira Kurosawaka, el cyber punk de Akira y que por momento recuerda al Lynchismo más descabellado y surreal, creando una obra de pretensiones altas. Aunque no todas las historias funcionan, el resultado es una carta de amor al cine asiático que encantará a los Cinéfilos de Hueso.
15 – The Left-Handed Girl (Shih-Ching Tsou) — Taiwán
Por el Cine Actuario
Ambientada en Hong Kong, la historia de una familia compuesta por tres mujeres, cuya matriarca tiene que buscar la manera de mantener su negocio de comida para sobrevivir al puro estilo Baker en este enfoque de observar a las clases sociales más desfavorecidas quitando las preconcepciones morales, es una excelente cinta sostenida por una fotografía que muestra el laberinto personal y social en el que sus personajes se encuentran metidos así como con una edición vertiginosa, todo desde la perspectiva de una infante que ha visto como todos estos tabús, creencias, terminan por influir en su comportamiento, desembocando en un giro de tuerca impactante que nos demuestra que al final las infancias terminan por pagar por desgracias las facturas de los errores de los adultos. El Bakerismo está más vivo que nunca.
14 – O Último Azul (Gabriel Mascaró, 2025) – Brasil
Por el Cine Actuario
Una película que demuestra la versatilidad que tiene el cine brasileño en el tema de los géneros, comienza construyendo una distopia donde la gente de la tercera edad es jubilada y trasladada a una colonia para permitir que los más jóvenes continúen siendo productivos, en este escenario se nos presenta Tereza quien buscará cumplir un último sueño antes de perder su libertad transformando la película en un Road-trip, con una pinceladas de realismo mágico en forma de peleas peces y caracoles alucinógenos, estamos ante una película no solamente con un mensaje poderoso sobre la segregación hacia los adultos mayores, sino un viaje tan claustrofóbico como cómico sobre la búsqueda de la libertad, otro golazo del cine brasileño.
13 – Little Amélie or the Character of Rain (Maïlys Vallade y Liane-cho Han) — Francia/Bélgica
Por el Cine Actuario
Una película que tiene dos cualidades destacables; la narrativa principal es vista a través de los ojos de un bebé y sus momentos fundamentales, todo esto descrito con ligeros toques de fantasía provenientes de que la película toma lo mejor de dos mundos, y este es el segundo factor, una combinación de estilos de animación francés – japonés tanto en la estética de los dibujos como en los estilos conmovedoras de llevar las historias. Como resultado tenemos un filme directo y enternecedor, que tampoco tiene miedo en tomar temas crudos como la guerra y la muerte. Una demostración de que Europa y de cierta manera Japón ya le andan compitiendo a las producciones de animación americanas.
12 – La Grazia (Paolo Sorrentino) — Italia
Por el Cine Actuario
La historia de un político apunto de termina su mandato y con la premura de aprobar 2 indultos y una ley polémica, se convierte en un poema sensorial y visual que nos adentra dentro de la visión personal del protagonista, si bien toca ciertos temas políticos; su tesis no plantea como tal una postura ideológica fuerte, pues Sorrentino establece que muchos de estas concepciones dependerán de nuestras vivencias construyendo la resolución final de los juicios al criterio de las vivencias del personaje principal, de esta manera el director italiano crea una cinta de las que ya no hay, aquellas que nos hablan desde el interior y que no otorgan respuestas fáciles, en uno de esos donde la subjetividad a través del fundamento del lenguaje cinematográfico se transforma en objetivo. Aun esta lejos del mejor Sorrentino pero sigue siendo una demostración del poder visual y narrativo del italiano.
11 – Sinners (Ryan Coogler) — Estados Unidos
Por el Cine Actuario
Su trama de vampiros blancos queriendo capturar a un joven guitarrista de blues, siendo un “crepúsculo al Amanecer” mejorado, mezcla varios géneros; desde musical, western, hasta el terror asociando el tema del vampirismo a la apropiación cultural que se ha realizado a la cultura afroamericana, mientras en otra línea utiliza la música como un método de liberación para estos personajes excluidos de este modelo de sociedad americana “perfecta”. La combinación pudo ser un desastre, pero demuestra la habilidad de Coogler al otorgar una show-terror-gansteril-musical impecable en casi todos sus aspectos técnicos envuelvo con un mensaje social más que puntual en los tiempos, explicando de manera amena y simple como las clases altas buscaran extraer y moldear las narrativas culturales a su visión, La secuencia de “I Lied To You” se convertirá en una de las secuencias mas destacables del cine de este siglo
10 – Sentimental Value (Joachim Trier) – Noruega
Por el Cine Actuario
Con el Estilo clásico nórdico de explorar las dinámicas familiares inspirado por Bergman (aunque rebajado y empaquetado de una forma light) Trier nos adentra en las raíces de una familia formado por un director de cine que quiere utilizar el arte como una manera de disculpa ante los errores, yendo por dos líneas; el mismo arte, como una ejecución de reparar lazos familiares, pero también como una manera de esconderse y aislarse de las conexión de ese mismo seno, con una exploración de que incluso las semillas de las primeras generaciones pueden termina perjudicando a las terceras, destacan su increíble fotografía que construye a la casa como un personaje más y uno de los cast más solidos del año destacando a Stellan Skasrgard, Elle Fanning, Inga Ibsdotter Lilleaas.
9 – Hamnet (Chloé Zhao) — Reino Unido
Por el Cine Actuario
La adaptación de la novela recreativa sobre la vida de William Shakespeare y su inspiración para escribir Hamnet tiene dos caminos; funciona como retrato del arte como una manera de vivir el duelo y de incluso cerrar círculos donde el autor conecta el mundo de lo terrenal con lo fantástico, plasmada a través de un tercer acto que conmueve el corazón y a su vez fusiona dos estilos el de su productor (Steven Spielberg) de contar una historia de una manera amena y nostálgica. y el de su directora, que con su mirada humana, sin sensacionalismos pero con sensibilidad muestra la crudeza de la muerte, convirtiendo a Hamnet en una cinta con corazón pero sin caer en los maniqueísmos manipuladores y artificiales de Hollywood, Destacar la actuación de Jessie Buckley y Noah Jupe que transmiten esta sensibilidad en sus papeles.
8 – Marty Supreme (John Safdie) – USA
POR EL CINE ACTUARIO
Quizás el elemento más distintivo es que fusiona su estilo con la corriente de las biopics deportivas. Basada en la historia de Marty Reisman, campeón de ping pong, Josh rompe las convenciones clásicas al tomarse demasiadas libertades creativas con respecto a su figura, lo que le permite crear una antítesis de los clichés clásicos de este tipo de cintas al no retratar la historia como una donde el trabajo, el entrenamiento y la meritocracia son la base en la construcción del ícono, sino una donde la farsa y la estafa son las llaves para conseguir los medios que le permitan demostrar su talento nato, derivado de un entorno caótico y desalentador donde la violencia y la mentira son pan de cada día. Por otro lado, hay que destacar la estupenda actuación de Timothée Chalamet, quien demuestra una vez más la excelente escuela de dirección de actores de los Safdie.
7 – Sorda (Eva Libertad) – España
Por el Cine Actuario
La historia una chica sorda que vive las vicisitudes de la maternidad se convierte en un acertado y conmovedor retrato sobre la empatía desde dos perspectivas; mostrando la transformación que vive una mujer, y mostrando la segunda vía, si el cambio es delicado en muchas ocasiones, las variantes pueden aumentar cuando hay alguna peculiaridad funcional, que quizás puede ser una barrera de comunicación con el bebe, su premisa se sustenta más en una secuencia donde el sonido y la cámara avienta toda la carne al asador y donde literalmente “el espectador se pone en los zapatos de otros” comprendemos aun más la importancia de garantizar espacios y mecanismos para que las personas con discapacidad puedan tener herramientas que les permitan normalizar su vida. Una película humanista en todos los sentidos
6 – Sirat (Oliver Laxe) — España
Por el Cine Actuario
La historia de un padre que junto a su hijo va en búsqueda de su hija perdida en una fiesta rave en el desierto funciona por dos vías; Laxe hace uso de manera espectacular de toda la parte técnica para crear una experiencia sensorial atrapante y por explorar el thriller tipo slasher en el desierto, la combinación algo atípica se acentúa mas cuando Laxe comienza romper demasiadas reglas narrativas creando una estructura de cierta manera lógica donde la inestabilidad de la atmosfera y ajeno a los protagonista terminara provocando todo el caos consecuente creando la sensación de cualquier cosa podría pasar. Laxe como buen DJ de un rave se avienta una mezcla extraña, ruda pero atrapante que podría ser el nieto más cricoso del Salario Miedo
5 – El Agente Secreto (Kleber Mendonça Filho) — Brasil
Por el Cine Actuario
Thriller político sobre la historia de un profesor atrapado por el sistema dictatorial de Brasil en sus últimos años, que juega un poco entre la barrera de la ficción y la realidad saltando a diferentes géneros. El resultado no solamente es un cine de conciencia social, sino una carta de amor al séptimo arte representado como un bastión donde cualquier fantasía puede ser un método y un refugio para contar la verdad histórica. Con una edición y excelente balance entre géneros, una pata asesina y un homenaje a Tiburón, el cine carioca en estas últimas fechas viene con todo, un premio a Mejor Director y otro a Mejor Actor en Cannes confirman esta tendencia
4 – The Voice of Hind Rajab (Kaouther Ben Hania, 2025) – Túnez
Por el Cine Actuario
Una fusión en estilismo de The Guilty (la original) y September 5th, que se va por dos caminos; utiliza la ficción como mecanismo de tensión apoyado en una edición vertiginosa (a pesar de que la película transcurra en un solo lugar) manteniendo al espectador al fondo del alambre y la verosimilitud como manera de respeto a los hechos y a las victimas, evitando caer en el morbo o sensacionalismo (incluso las escenas escatológicas son mostradas con discreción visual); como resultado es un cine de denuncia social en su máxima expresión que desde un caso particular y triste muestra el horror de una guerra que no solamente destroza ciudades y civiles, sino infancias. Imposible no salir con el corazón hecho trizas después de ver esto
3 – It Was Just And Accident (Jafar Panahi) – Irán
Por el Cine Actuario
En una historia que podría encontrar un paralelismo con las situaciones represivas que Panahi vivió su país, ambientada en Irán la trama gira alrededor de un grupo de personas que creen haber encontrado al agente de inteligencia que los torturó. Jafar nos muestra las consecuencias de vivir en un régimen totalitario, de las secuelas en la ciudadanía y de los dilemas morales que enfrentan nuestros personajes ante la falta de Estado Derecho. Con algunas dosis de comedia que aligeran la dureza de los tópicos planteados, es la película más personal de Panahi donde utiliza la ficción para expresar las emociones acerca de un país y un gobierno que le ha quitado más de lo qué le ha dado.
2 – No Other Choice (Park Chan Wook) – Corea del Sur
Por el Cine Actuario
La historia de un hombre de familia que ve la caída de su estatus socioeconómico tras ser despedido de la compañía para la que trabajó 25 años, es otra genialidad del director coreano. Partiendo de la comedia gamberra para aligerar el trasfondo crudo sobre la precariedad laboral, el descenso de clases es exhibida de manera progresiva comenzando por la afectación de sus relaciones personales hasta llegar a una degradación moral donde hará cualquier cosa por conservar su status. Desde los manejos de cámara, hasta el ritmo que va de la comedia al thriller, Wook lanza un comentario social crudo sobre el mundo laboral y donde para muchos no importa el suelo dónde planteen su crecimiento mientras estén mas cerca de lo más alto de la pirámide.
1 – One Battle After Another (Paul Thomas Anderson) — Estados Unidos
Por el Cine Actuario
PTA, regresa con todo creando un retrato de un revolucionario y un militar enfrentándose a la paternidad y como cada uno de ellos lo vive, la lectura directa es la contraposición de posturas, alguien que la acepta (Bob) y que esta dispuesto a entregar todo por el bienestar, alguien que incluso quiere eliminar(Lowjack) esa raíz, esta contraposición se asocia y escala con el conflicto migratorio sobre como una porción de estos individuos buscar negar esos lazos con tal de permanecer un “grupo selecto”, sin olvidar el tema de la progenitura como un acto revolucionario donde nuestro protagonista aprenderá a inhalar y exhalar de la mano de un sensei, viviendo una batalla tras otra para proteger a su hija. Completa en todos los sentidos, con una edición y una fotografía acopladas al estado emocional de los personajes y el que quizás sea uno de los villanos icónicos de la historia del cine (Lowjack por Sean Penn), solo podemos decir; Viva la Paternidad, Viva la Revolución y Viva PTA.