100 Años de Disney: De la Peor a la Mejor Película
El 16 de octubre de 1923 los hermanos Walt y Roy O. Disney establecieron en Los Ángeles, California el estudio denominado Disney Brothers Cartoon Studio, y sin ni quisiera imaginarlo, 100 años después aquel pequeño estudio que nació en la cochera del tío Robert, Disney se convirtió en una de las empresas trasnacionales más grandes del mundo, pasando de tener parques de diversiones, a absorber otros estudios e incluso dedicándose a giros del entretenimiento completamente ajenos a lo que fueron sus inicios.
Hablar de Disney es sumamente complejo, en momentos claves en el pasado podríamos definirla como innovadora, en un largo tramo de los 80’s como decadente, en un un tramo extenso de lo 90′,s y los 2000’s como el ave fénix, y en la actualidad como un sinónimo de la embriaguez del poder en el mundo del entretenimiento, alejada completamente de sus fundamentos (y que si el mismo Walt viera en que lo han convertido, se nos vuelve a morir).
La historia de altas y bajas de la compañía han dado 61 películas cobijadas bajo el manto de la división original. Es por qué presentamos de la peor a la mejor película de la empresa del Raton Miguel, que nos ha dado tantas alegrías, risas y esperanzas, así como decepciones, aburrimientos y pesadillas.
Antes de comenzar algunas aclaraciones. Para el top solamente se consideran las 61 Películas que de manera oficial pertenecen a la división de Walt Disney Animation Studios, por lo tanto no se incluyen a Pixar, subsidiarias como Searchlight Pictures o las recién adquiridas como 20th Century Fox, producciones que vengan de divisiones alternativas como Disney Televisión Animation o Disneytoon Studios, y finalmente Live Actions, ya sean como híbridos (Mary Poppins sería un ejemplo), o sus versiones modernas (como es el reciente caso de Little Mermaid). Así mismo tampoco se incluyen sus secuelas directas a videohome.
Aclarado este punto comencemos:
62 – Chicken Little (Mark Dindal,2005)
Por el Cine Actuario
El mayor problema de Chicken Little es la manera en que arruina sus ideas interesantes transformándose en pastiches aburridos y sin sentido gracias a la serie de vueltas de tuerca innecesarias. Podría haber sido una historia de un empollón marginado, pero en menos de 20 minutos un juego de baseball cambia la dinámica de la trama; podría haber sido una película interesante de invasiones alienígenas, pero se transforma en una acartonada fábula paternal pasando de ser Una Guerra de los Mundos a un ET región 4. Fuera del pollito, el resto de personajes tienen el carisma de una piedra. Mal dirigida, en una misma secuencia pueden estar aconteciendo diferentes tramas tropezando unas con otras. Un pollito digno de rosticería.
61 – Winnie The Pooh (Stephen J.Anderson y Don Hall, 2011)
Por el Cine Actuario
Si bien la primera está lejos de ser una obra maestra, era pasable por la gracia de las aventuras del Osito Bobito, un par de chistes interesantes y un par de secuencias que podrían llegar hasta lo surreal. En la reedición del 2011, prácticamente se han reciclado las mismas aventuras que vimos en la cinta de 1977, en la serie animada quitando el ingenio, encanto e incluso la innovación en animación. El resultado es una antología aburrida, que probablemente dormirá tanto a chicos como a grandes. Increíble que una división hermana, Walt Disney Television Animation, entregará mejores productos que este (The Tigger Movie, Pooh’s Heffalump Movie). Tremendo Disney bodrio.
60 – Dinosaur (Ralph Zondag y Eric Leighton, 2000)
Por el Cine Actuario
Primer largometraje hecho por Disney en el cual utilizó animación por computadora para la totalidad de personajes. En su momento fue visualmente impresionante, y sin embargo envejeció mal, sinónimo de una falta de cuidado al momento de la elaboración del metraje (comparen esto con el primer Toy Story y Bichos). Narrativamente es un reciclaje de varias tramas, pero con personajes grises y sin gracia, y con diálogos paupérrimos y escuetos. Desaprovecha enormemente el potencial de una historia “road movie” y de “supervivencia” para enfocarse en un arco romántico digno de telenovela. Disney intentó crear su “Pie Pequeño” fusionado con el Rey León y tratando de emular a Pixar, el resultado fue una película digna de la misma extinción.
59 – Strange World (Don Hall, 2022)
Por Jose Roberto Ortega
Disney buscó adentrarse en la ciencia-ficción y en las configuraciones familiares modernas con la historia de los Clade, una familia de exploradores y científicos quienes son el alma de la ciudad de Avalonia y el conflicto paterno-filial. Incluyendo al primer personaje de Disney abiertamente LGBTQ, la película representó un enorme fracaso en taquilla, ya que aun cuando cuenta con una historia entretenida, la trama no logra jamás generar empatía. La belleza visual y lo atractivo de sus diseños es innegable, pero en general decae por lo insulso de sus personajes. Aún y cuando la película merecería una mejor recepción, el resultado es perfectamente olvidable: desde los cinco minutos después de que ha acabado la película uno ha olvidado todo sobre ella.
58 – Meet the Robinsons (Stephen J.Anderson, 2007)
Por Glen
Una joyita perdida, usualmente infravalorada por su estilo exagerado y cómico. A pesar de los viajes en el tiempo y la caricaturización en extremo de todos los personajes, en el fondo es una carta de amor sobre las familias elegidas, siendo el protagonista adoptado como lo es el mismo director (un bonito autorretrato que le ha otorgado cierto culto con el tiempo). Su desarrollo se vio impactado por la compra de Pixar y así John Lasseter quedó a cargo, cambiando casi la mitad de lo que se tenía entonces. El resultado final es uno de esos casos donde la crítica quedó encantada y el público la ignoró completamente en el cine. Quizá sea tan criticada como divertidamente extravagante
57 – Frozen II (Chris Buck y Jennifer Lee, 2019)
Por el Cine Actuario
Lo único positivo de esta secuela es el intento de innovación alrededor de su antagonista: el entorno, recurso que si se hubiera manejado correctamente estaríamos hablando de una de las cintas más claustrofóbicas de Disney. Por desgracia, los guionistas reciclan pastiches, como inspirarse en los cuatro elementos para diseñar a los espíritus del bosque, lo cual es patético, pues la mayoría son comics reliefs o personajes preescolares vacíos. No conformen con eso, tenemos a un Olaf mas odioso y flanderizado, y una subtrama que estorba y hasta se queda chiquita con el tamaño del problema que enfrentan los protagonistas: pedir matrimonio. La parte musical baja dos escalones con respecto a su antecesora. Pésima secuela. Let It Go
56 – The Black Cauldron (Ted Berman, Richard Rich, 1985)
Por El Fett
Una de las peores películas para el clímax de la peor etapa, a cuatro años del renacimiento y en plena crisis experimental, creativa y narrativa. Lo peor no es solo su falta de originalidad, siendo un pastiche del folclor de varios cuentos y películas anteriores, sino sus personajes, una serie de seres grises y poco chistosos que, en su saturación, logra un grupo de aventuras poco emocionante y por momentos patético. Todo esto se adereza con la tunda que en aquellos días Amblin, Spielberg y Don Bluth le paraban a Disney en cada oportunidad, siendo vergonzoso como estos trataron de manera desesperada emular el sentido oscuro de los relatos de Bluth. Una cinta para el abismo del olvido.
55 – Home on the Range (Will Finn, John Sanford, 2004)
Por El Fett
Una de las más grandes injusticias dentro de la historia animada de Disney. Quizá esto tenga una explicación lógica, y es que a pesar de ser un western muy ágil y entretenido con la carga perfecta y paródica de todos sus elementos, en su versión original ciertamente no funciona, pero irónica y extrañamente en su doblaje mexicano es una verdadera delicia gracias a la participación de rockeros leyenda como Jaime López y Ely Guerra +y a una Consuelo Duval un poco más tímida que de costumbre; así pues, convirtiéndose en un “chili western” la apodada como “Vacas Vaqueras” incluso es capaz de encauzar un par de números musicales memorables, destacando el excelente villano Alameda Smith y su poder del canto hipnótico de reses.
54 – Oliver & Company (George Scribner, 1988)
Por Uriel Salvador
Es innegable la atención al detalle cuando se trata de recrear la Nueva York de los 80, pero ahora no sólo se ve anticuada, sino que descuida el resto del contenido. Entre tres subtramas que nunca encajan como un todo (por diferencias en tono, estilo y hasta edición), y personajes cuyas relaciones tienen que imaginarse (porque no existe un lazo que pueda hacer creíble su amistad), se termina abultando y ralentizando una historia que no tiene mucho que ofrecer. Una antesala experimental a lo que vendría después, pero no es suficiente para salvar un producto que dista de ser un clásico. Como dato curioso, el guion corrió a cargo de James Mangold (Logan, Ford v. Ferrari).
53 – Raya and The Last Dragon (Don Hall y Carlos López Estrada, 2021)
Por Uriel Salvador
Es obvio que Disney intenta hacer su propio Avatar (el de Nickelodeon, no el de James Cameron), pero su ritmo es tan apresurado que gran parte de la historia se reduce a diálogos redundantes y una exposición de personajes reciclados y sin sentido, donde nunca hay tiempo para explorar las culturas del mundo de donde provienen. Esto afecta tanto a principales como secundarios, ya que ninguno tiene un desarrollo apropiado y se vuelven simplones o desesperantes. Un relato sumamente olvidable, cuyo mensaje sobre la confianza incluso contradice las acciones de los personajes, pues más bien enseña que no hay confiar en nadie, ni en una bebé. ¡Hasta un bebé te va a robar!
52 – Melody Time (Jack Kinney, Clyde Geronimi, Hamilton Luske, Wilfred Jackson, 1948)
Por Arquicruz
Su simpleza narrativa potenciada por la excelsa banda sonora hacía que un niño que no sabía nada de inglés fuera capaz de comprender lo que sucedía. Esta antología era una predecesora de Fantasía y su objetivo era uno similar al contar historias a través de la animación y la música. Se compone de siete cortometrajes: The Legend of Johnny Appleseed, Bumble Boogie, Little Toot, Trees, y las que a mi parecer son las mejores: Once Upon a Wintertime, un drama de parejas en medio del invierno; Blame It on the Samba con Donald y José Carioca con excelente música; y la mejor de todas, Pecos Bill, que nos narra las aventuras de cómo dicho vaquero se volvió una leyenda viviente para después caer en el olvido.
51 – Saludos Amigos (Wilfred Jackson, Jack Kinney, Hamilton Luske, Bill Robert, 1943)
Por Jose Roberto Ortega
El primero de los dos intentos de Disney por fungir como embajador ante los países latinoamericanos en plena Guerra, con el fin de convencerlos de una amistad con el gobierno estadounidense. Esta película por encargo llevó a los animadores a visitar Bolivia, Chile, Argentina y Brasil. Cuatro cortos se unen, llevando a Donald de visita al Lago Titicaca y después a Río de Janeiro, donde gracias a José Carioca (un papagayo de la selva brasileña creado para la ocasión) conocerá la cultura de la Samba. También tenemos a Goofy visitando la pampa argentina y comparando la vida del cowboy con la del gaucho. Pero el corto más interesante es el de Pedrito, un pequeño avión-correo con la misión de atravesar los Andes y enfrentar al temible Aconcagua.
50 – Wifi Ralph (Rich Moore, Phil Johnston, 2018)
Por el Cine Actuario
Una secuela floja que, a pesar de replicar el mensaje de salud mental a través de su personaje principal, la escritura es tan poco sutil que se vuelve reiterativa, transformando a Ralph de un individuo entrañable a uno molesto. Añadan que la historia no tiene secundarios interesantes y por supuesto un antagonista sólido como lo fue King Candy. Su mayor fortaleza y los mejores minutos de la cinta es esta especie de crossover del mundo de Disney (que incluye todas sus licencias) con una burla directa a las princesas y por supuesto sus referencias al mundo de la supercarretera de la información (bastante orgánicas y que no se siente de chavorruco). Fuera de eso, la secuela de Ralph tiene tantos “bugs” que Disney tuvo que poner al personaje “offline”.
49 – Wish (Chris Buck, Fawn Veerasunthorn, 2023)
Por El Fett
Si no fuera por el villano (y su interesante alegoría hacía los refugiados), la triste celebración de Disney por sus 100 años estuviera por debajo de esta de por si ya decepcionante posición. Solo una canción medianamente pegadiza, una heroína “Mary Sue” sin un gramo de empatía, un desarrollo cliché de su conflicto, secundarios ineptos y el poco riesgo que corre el estudio al ni siquiera arriesgar en sus claras referencias nostálgicas (sobre todo al de cierta manera fungir como precuela de Blanca Nieves), hacen de un WISH una falta de deseo por salir de ahora ya preocupante hoyo en el que esta maquinaría de magia se encuentra. Es inaudito que, aún con Clements y Musker vivos, eligieran a dos de los peores directores de la casa de los últimos años
48 – Fun and Fancy Free (Jack Kinney, Bill Roberts, Hamilton Luske, William Morgan, 1947)
Por Arquicruz
Dos cortometrajes que no se publicaron antes a causa de la Segunda Guerra. Los filmes son Bongo, ligeramente basada en el relato de “Little Bear Bongo” de Sinclair Lewis, una historia de un oso que escapa de un circo ambulante y se topa con Lulubelle, una osita de la que queda enamorado.Pero la razón por la que esta película es recordada es por la parodia de Jack y las Habichuelas mágicas (o frijoles o como su país de origen le haya puesto) en donde vemos al trío dorado Mickey, Donald y Goofy (Tribilín para la banda) recrear los eventos de dicho cuento, y donde nuestros amigos salvan el día al estilo más Hollywoodesco posible. Una película mediana pero muy entretenida que se ha perdido en el tiempo, pero que vale la pena recordar.
47 – The Many Adventures of Winnie the Pooh (Wolfgang Reitherman, John Lounsbery, 1977)
Por El Fett
Tres cortometrajes montados para construir la leyenda de Winnie Pooh, personaje también insignia del estudio y que al igual que los clásicos de la época de oro (aunque esta refiere a la época oscura del estudio), tuvo su resurgimiento en los 90 gracias a una famosa serie animada. Basado en los relatos A.A. Milne, a pesar de su pobre calidad en comparación no solo a otras películas, sino también a otros compendios, Reitherman logra el cometido de instalar a los animales de los 100 acres como simbolismos de la soledad y comportamientos de un niño en pleno crecimiento y autodescubrimiento. Destacar que el segundo cortometraje de este compendio fue acreedor al Oscar.
46 – Encanto (Byron Howard, Jared Bush, Charise Castro Smith, 2021)
Por el Cine Actuario
Tenía todo para ser un clásico de la fábrica: una protagonista de corte “underdog” que busca resaltar en una familia superpoderosa (literalmente), una antagonista atípica encarnada en el papel de la abuela de la familia, una lección interesante sobre cómo las expectativas paternales terminan por influir negativamente en los individuos ¿Qué falla? Una dirección inestable que no equilibra la parte musical con la narrativa (gracias a una personita cuyo nombre no diré), que a pesar de que nos regaló un clásico sonoro contemporáneo (No hablemos de Bruno), su falta de balance termina por hundir a la casita de los Madrigal: En esta casita “No se habla de Lin-Manuel Miranda”.
45 – Bolt (Chris Williams, Byron Howard, 2008)
Por Leo Idair
En el 2008 Disney sentía muchos pasos en la azotea ante el inconmensurable éxito de Pixar (incluso después de adquirirlo) y quiso demostrar que aún sin ellos, seguían siendo una autoridad. Fracasaron, claramente. Y no precisamente por la calidad de la animación de Bolt, que tiene algunos momentos como la secuencia inicial, con referencias a Matrix o Los Increíbles, sino por lo panfletario y moralino de la historia. Decidieron ir por el camino seguro, poner a una mascota como protagonista y llenarla de clichés sensibleros acerca de la amistad y la relación humano-mascota. Aun teniendo grandes secundarios, incluso más interesantes que los principales, y de los tintes de autocrítica al star system que rodeaban la trama, no lograron levantar el evento.
44 – Pocahontas (Mike Gabriel, Eric Goldberg, 1995)
Por Leo Idair
Podría parecer una película muy mediana e irregular (que lo es), pero Disney apostó por algo diferente aquí: no sólo fue su primera princesa étnica, una fuerte y valiente que además no era redimida con un beso de amor; también se anticipaba a toda tendencia y a lo que hoy mal llamamos “inclusión forzada” mostrando un romance interracial. El estilo experimental de su animación y la música ganadora del Oscar de Alan Menken se vieron ensombrecidos por la polémica acerca de su contexto histórico, donde críticos y miembros de la propia Nación Powhatan (que se retrataba en el filme) apuntaban a una distorsión de los hechos y a la romantización del sufrimiento de los colonizados, mermando así las aspiraciones comerciales del estudio.
43 – Peter Pan (Clyde Geronimi, Wilfred Jackson, Hamilton Luske, Jack Kinney, 1953)
Por El Fett
Tal vez sea el clásico de Disney al que más le ha afectado el tiempo (y las adaptaciones, y las secuelas, y las precuelas, y los remakes). Si bien le es arrebatado el tono oscuro y la metáfora del crecimiento del cuento original, sus virtudes se resumen en momentos muy cómicos y aventuras ágiles que tienen a un “Capitán Garfio” como la verdadera estrella del show. Aunque ciertos pasajes responden al descubrimiento de un país de ensueño “Nunca Jamás” (donde en todas sus versiones siempre habrá sirenas de por medio), desgraciadamente es notable como cada director agrega su tono y estilo no solo a la historia – dirección, sino también a la animación, haciendo que por momentos se sienta inconexa.
42 – The Rescuers Down Under (Hendel Butoy, Mike Gabriel, 1990)
Por Ale Vega
La principal característica de las películas protagonizadas por Bernard y Bianca fue la aventura extrema, que involucraba a distintas especies de animales y algunos humanos sin corazón. En ‘The Rescuers Down Under’, nuestros valientes protagonistas vuelan a Australia para salvar a Cody, un muchachito que, tratando de proteger a una enorme águila dorada y sus crías por nacer, es secuestrado por el cazador furtivo Percival McLeach. Es así como nuestro querido par de ratones, acompañados del siempre hilarante Orville, vuelven a la carga para recordarnos que en equipo y creando redes somos más fuertes, y lo urgente que se vuelve el respeto a todos los reinos. Toda transgresión a ellos y su linaje merece justicia y un castigo ejemplar.
41 – The Rescuers (Wolfgang Reitherman, John Lounsberry, 1977)
Por Clementine
Basada en las novelas de Margery Sharp, tenemos la historia del Salvamento Eficaz, una sociedad de rescate conformada por ratones que se encuentra en el sótano de las Naciones Unidas. Un día, reciben un llamado de auxilio de Penny, una niñita huérfana que ha sido secuestrada, llamado que conmueve a los miembros de la sociedad que acudirán de inmediato en su auxilio, representado por la delegada húngara miss Bianca, una ratoncita elegante y simpática, y Bernardo, el conserje regordete y torpe, pero valiente y con un gran corazón. Marcando el final de la segunda etapa dorada del estudio, fue el primer gran éxito desde El libro de la selva, y el último hasta La Sirenita; además fue la primera película de animación de la compañía que inspiró una secuela.
40 – Brother Bear (Aaron Blaise, Robert Walker, 2003)
Por Kim Tobias
Otra de las cintas un tanto infravaloradas de Disney, debido, tal vez, a que se siente un poco “salida del molde” si la comparamos con los grandes clásicos. Esto no debe ser un punto negativo, pues si bien Tierra de Osos (como fue conocida en Latinoamérica) parece tener un tono un poco más adulto, este no minimiza una bellísima historia que envuelve un poderoso mensaje dentro de ella. Animación, personajes y narración forman una fábula entrañable que merece revalorada para aquellos que la tienen en el olvido. Eso sí, una lástima que Phil Collins no pudo repetir hazaña y hacer un soundtrack tan poderoso como el que hizo para Tarzan en el 99, ¿se imaginan a Brother Bear con semejantes melodías?
39 – Frozen (Chris Buck, Jennifer Lee, 2013)
Por Glen
Este fue el éxito que la compañía había planeado con Enredados. Tarde pero seguro, Frozen vino a romper récords nuevamente con un cuento altamente modificado a los estándares de felicidad de Disney. Regresando a la fórmula que funcionó 20 años atrás, inyectando elementos teatrales a la música pero actualizando el carácter de los personajes, se logra una amalgama altamente disfrutable. Aquí se burlan indirectamente de sus propios clichés (sobre todo en cuestión al príncipe) a la vez que invierten un poco los roles, centrándose en el amor filial y no en el romántico. Si por mi fuera estaría más alto en el top ¡Porque libre soy, libre soy!
38 – Tarzan (Kevin Lima y Chris Buck, 1999)
Por Uriel Salvador
Hay 3 aspectos en los que destaca a nivel general. Primero, las melodías de Phil Collins que, aunque criticables en su ejecución, encierran todo el aspecto místico, exótico y exuberante que caracteriza a la selva. Segundo, un manejo de cámara que concede volumen y movimiento al entorno. Y tercero, el complejo desarrollo que tiene Tarzán, nutriéndose a partir de las peripecias que tocan la perspectiva de su universo y de su persona. También trata otros temas como la necesidad de la maternidad, la colonización de África durante el Siglo XIX, las expediciones a tierras desconocidas, la caza furtiva y el tráfico de animales salvajes.
37 – Atlantis: The Lost Empire (Kirk Wise, Gary Trousdale, 2001)
Por Arquicruz
Un extraño experimento de Disney, el cual amo con todo mi corazón, pero que no salió del todo bien. Para poder hacer funcionar este extraño Frankenstein que lanzaron a pelear contra el monstruo mediático que fue Shrek, La historia nos narra la caída del Imperio de Atlantis y de un grupo de exploradores que busca dar con la ciudad. El principal problema es la incapacidad de Disney de comprometerse con una idea, dividiéndose entre lo que parece un guión más oscuro y que muestra lo peor del ser humano, pero lleno de su humor pastelazo de shows infantiles. Con este dilema, el marketing fue una pesadilla, pero el intento de liberarse de la clasificación familiar y los diseños de Mike Mignola, ayudaron a posicionar a esta maltratada cinta con cierto culto.
36 – Make Mine Music (Jack Kinney, Clyde Geronimi, Hamilton Luske, Joshua Meador, Robert Cormack, 1946)
Por Clementine
Compuesta de varios segmentos que no tienen relación entre sí, salvo que todos son musicales. Por aquellos años, la mayoría de los estudios se enfocaban en producir propaganda de guerra, por lo que quedaban historias inconclusas, por esta razón varios largometrajes estrenados eran recopilaciones de pequeñas historias. “A Música Maestro” la componen 10 historias entre las cuales destacan “Pedrín y el lobo”, “El ballenato que quiso cantar en la ópera”, “Los Guerrero y los de León” y “Cuando los gatos se juntan”; los dos últimos censurados y eliminados de sus versiones digitales por mostrar excesivamente armas y por la aparición de algunos desnudos respectivamente. Es el único clásico que no se encuentra en el catálogo de Disney +.
35 – The Fox and Hound (Ted Berman, Richard Rich, Art Stevens, 1981)
Por Clementine
Una entrañable anciana adopta a un hermoso cachorro de zorro al que llama Tod, luego éste conoce a Toby, un cachorro de perro de caza. Eventualmente los dos adorables cachorritos se convierten en los más inseparables amigos sin darse cuenta que en este horrible mundo están destinados a ser acérrimos enemigos. Con aquella inocencia en la que desconocen que en su futuro deberán enfrentarse (y no de la mejor manera) y poner a prueba su amistad, disfrutan tiernamente su infancia en el bosque. Criticada y subestimada, es una sutil reflexión de cómo la sociedad dicta nuestro comportamiento, y debería tener más reconocimiento del que tiene, pero tristemente incluso se le considera el inicio de la llamada “etapa oscura” del estudio.
34 – The Great Mouse Detective (Ron Clements, Burny Mattinson, Dave Michener, John Musker, 1986)
Por Dastan
Adaptación del cuento de detectives para niños escrito por la norteamericana Eve Titus llamado Basil de Baker Street. Una historia muy al estilo de Sherlock Holmes, Basil, Dr. Dawson y su perro Toby deben salvar al padre de una niña de las temibles garras de Ratigan. Esta es la película que inició el fin finalizó a la época oscura de Disney y abrió camino para forjar la época del renacimiento. Tuvo un éxito moderado en taquilla, dando un respiro y evitando que el estudio de por terminado la producción de películas animadas. Un proyecto en el que nadie confió, resultó muy entretenido y el buen uso de clichés narrativos de detectives ayuda a proyectar correctamente la gran rivalidad entre Basil y Ratigan, con el gran enfrentamiento en el Big Ben.
33 – The Princess and the Frog (Ron Clements, John Musker, 2009)
Por Arquicruz
Promovida como el regreso y renacimiento de la Animación tradicional, nos narra una revisión de la conocida historia de la Princesa que besó al sapo para regresarlo a ser un príncipe, pero ambientada en New Orleans en los años veinte. La cinta también fue muy cacareada por su elenco inclusivo, osease puroafroamericano gracias a la cultura conocida en el Bayou. En el ámbito técnico, la animación es muy pulida y las canciones que integran el filme son bastante buenas, una combinación ganadora para Disney. Pero debido a varias decisiones por parte de la productora, no fue muy promovida en cines, lo que le dio un éxito mediano. También de cierto culto, fue la venta de mercancía y DVD´s la que la salvó de ser todo un fracaso.
32 – The Adventures of Ichabod and Mr. Toad (Jack Kinney, Clyde Geronimi, James Algar, 1949)
Por Jose Roberto Ortega
En la etapa de post-guerra, Disney no tenía los recursos suficientes para producir largometrajes, por lo que lanza en cines esta propuesta, consistente en dos cortometrajes, sin mucho en común: “El Viento en los Sauces” y “Sleepy Hollow”. Mientras la primera es una divertida historia con tintes moralinos sobre un sapo truhan y despilfarrador, falsamente acusado de un crimen y quien busca recuperar su propiedad perdida; la segunda es una de las verdaderas joyas ocultas de Disney, presentando una historia en extremo terrorífica: La Leyenda de El Jinete sin Cabeza. A través de una narración musical (que en inglés interpreta un maravilloso Bing Crosby y en español es doblada por un Tin Tán en estado de gracia), hace un balance perfecto entre la comedia y el terror.
31 – Lady and the Tramp (Clyde Geronimi, Wilfred Jackson, Hamilton Luske, 1955)
Por Ale Vega
Basada en una historia proveniente de Cosmopolitan publicada en 1945, ‘Lady and the Tramp’ es un tierno relato acerca de una perrita cuya vida es familiar y acomodada, y un can vago y aventurero que coincide con ella gracias a las vicisitudes provocadas por un bebé recién llegado. La película no sólo hace homenaje al mejor amigo del hombre al darle el protagonismo completo a los animales y dejando en segundo plano a los humanos, también nos regala una escena icónica que se ha visto donde interviene el amor inocente y un plato de spaghetti. Con gatitos calculadores, ratas huidizas y varias razas de perros, ‘Lady and the Tramp’ deja como moraleja que todas las mascotas, con pedigree o de la calle, merecen cuidados y el cariño de un hogar.
30 – Treasure Planet (Ron Clements y John Musker, 2002)
Por Uriel Salvador
Más que ser una aventura pirata que usa el espacio como si fuera el océano, cuya estética steampunk y combinación de animación hecha a mano con Deep Canvas le dan autenticidad y distinción a los personajes y su mundo, es una historia que trata sobre la necesidad de afecto de un hijo por parte del padre (evidenciado en el trasfondo atípico de Jim y el rol doble que ejerce John Silver como figura paterna y villano). Quizás una de las cintas más infravaloradas de Disney, que además simboliza el último vestigio de una época extinta que todavía espera redención y perdón, pues su fracaso en taquilla (verdadero evento histórico) significó la muerte de la animación tradicional en Occidente.
29 – Big Hero 6 (Don Hall, Chris Williams, 2014)
Por Clementine
Basada en un cómic de Marvel, esta película de animación 3D y llena de easter eggs, cuenta la historia de Hido Hamada, un sobresaliente chico amante de la robótica que vive en la ciudad de San Fransokyo y quien, para sobrellevar el duelo por la reciente muerte de su hermano, intenta terminar un robot comenzado por éste para llenar su vacío. Así nace Baymax, un robot blanco y bonachón que se convierte de inmediato en su mejor amigo. Juntos y formando su escuadrón con miles de piezas, ingenio y corazón; buscan salvar a San Fransokyo de la banda criminal de Yokai, responsable también de la muerte de su hermano. Hermosa fusión de estilos y conceptos entre Oriente y Occidente, Big Hero se convirtió instantáneamente en un entrañable clásico.
28 – The Aristocats (Wolfgang Reitherman, 1970)
Por Clementine
Una excéntrica millonaria vive en su mansión en el París de 1910 en compañía de su mayordomo Edgar, su gatita Duquesa y los 3 cachorritos de ésta. Pero con el afán de convertirse en el único heredero de la fortuna, Edgar quiere desaparecer a los gatos y los abandona en un lugar remoto para evitar que regresen. No contaba que se encontrarían con un carismático gato vagabundo y desenfadado que, atraído por Duquesa, le ofrece su ayuda para regresarlos a casa con su dueña a pesar de todos los obstáculos que se presentarán en el camino. Una divertida historia de amor, lealtad y de aventura, con una música destacable y el inmejorable doblaje latino de TinTan; Los Aristogatos fue una de las últimas películas aprobadas por el mismo Walt Disney.
27 – Moana (Ron Clements, John Musker, 2016)
Por Glen
Se acabaron los cuentos europeos, así que llegó el momento de ser diversos, pero los creativos de Disney querían seguir haciendo lo más cercano a su marca de “princesas clásicas”, por lo que encargaron a sus dos directores insignia de esta época para que tomaran historias de la mitología polinesia y le estamparan a una joven heroína, claro que sí. Con una hermosa canción principal más la ayuda del carisma de La Roca (Dwayne Johnson) , logra colarse a una posición sólida, una heroína moderna cuyo viaje implica crecimiento, cero romance y mucha acción. Una cinta que representó tras algunos fracasos críticos y/o de taquilla (La princesa y el sapo y Tangled), la tan esperada revitalización de las princesas
26 – The Three Caballeros (Norman Ferguson,1944)
Por Jose Roberto Ortega
La segunda misiva de Disney para buscar alianzas con los países latinoamericanos en tiempos de guerra, tuvo a Donald como protagonista, quien recibe regalos de cumpleaños de sus amigos latinos, llevándolo de viaje a la Patagonia y el Polo Sur con Pablo, un pingüino peculiar que anhela vivir en lugares tropicales, al Amazonas para conocer al pájaro Aracuán, al Uruguay con un gauchito explorador y su burro volador, a Baía con José Carioca y a México, con Panchito Pistolas, en donde se celebrará a Donald visitando Veracruz y Pátzcuaro y rompiendo una tradicional piñata. Llena de secuencias psicodélicas, surrealistas y altamente sugestivas, mezclando animación con live action, resulta un festín visual, aunque llega a ser desconcertante por momentos.
25 – Hercules (Ron Clements, John Musker, 1997)
Por Jose Roberto Ortega
Intento (algo fallido) de Disney por occidentalizar la mitología griega, mezclando la historia de los doce trabajos de Hércules con toques de comedia screwball. El resultado es agridulce, pues por una parte presenta a uno de los mejores villanos, como es Hades (gracias también a la magnífica interpretación de James Woods), mientras por el otro presenta a uno de los protagonistas más insulsos que ha tenido la casa del ratón. Presenta números musicales interesantes (“I won’t say I’m in love”), pero el intento de arraigarse en la cultura pop, con sus múltiples referencias y la falta de momentos de verdadera tensión, hacen de esta película una curiosidad, ya que aun cuando el resultado es mediocre, se las ingenia para ser disfrutable.
24 – One Hundred and One Dalmatians (Clyde Geronimi, Hamilton Luske, Wolfgang Reitherman, 1961)
Por Ale Vega
Tiene en su comienzo la dulce escena en la que pasan varios dueños con sus canes, con un look tan similar entre sí que provoca risa y ternura. No mucho después encontramos a Roger y su perro Pongo, que no tardan en emparejarse con Anita y Perdita. Cuando ambos dálmatas tienen su primera camada entra en escena la enorme Cruella De Vil, quien quiere comprar a dichos cachorros para hacerse un abrigo con su linda piel, dando pie así a la aventura en la que los perrunos padres intentarán mantener a salvo no sólo a sus hijos, también a otros 84 dálmatas involucrados en el secuestro. Basada en la novela homónima de 1956, ‘One Hundred and One Dalmatians’ rebosa de carisma gracias a los canes, sí, pero también a su gran villana.
23 – Cinderella (Wilfred Jackson, Hamilton Luske, Clyde Geronimi, 1950)
Por Leo Idair
Sin duda, la más influyente de todas las princesas. Probablemente no hay nadie en elmundo que no conozca la historia de Cenicienta, y sobre todo, que se haya rendido a la básica, pero enternecedora historia de la chica de alma buena que es recompensada con el amor verdadero después de los abusos de su madrastra (probablemente la villana más humanamente enigmática de los cuentos de hadas) y de la vida. El impacto de esta fórmula es tal que, por ejemplo, en LatAm las telenovelas más vistas y lucrativas fueron las que emularon a Cenicienta. Es el cuento de hadas por excelencia, básico, nada rebuscado y con gran arraigo en la cultura pop. Ninguna secuela o live action le ha hecho justicia, ni mucho menos logrado la mitad del impacto de la princesa azul.
22 – Fantasia 2000 (Don Hahn, Pixote Hunt, Hendel Butoy, Eric Goldberg, James Algar, Francis Glebas, Paul and Gaëtan Brizzi, 1999)
Por Dastan
Producción que se realizó para festejar el 60 aniversario y ser la secuela de Fantasía de 1940. Se presentó en diciembre de 1999 en países seleccionados y en el transcurso del año 2000 en el resto del mundo. En esta oportunidad exhibió 8 cortometrajes musicales y se estrenó en formato IMAX con revolucionarios efectos de sonido, pero lamentablemente fue un fracaso en taquilla, al igual que la primera. Este film es otro gran concierto sinfónico que nos ofrece Disney y nos sigue adentrando en esa fusión de lo animado y lo musical, con un mágico manejo de colores. Tal vez, su pequeño y perceptible error fue homenajear a la primera película en ciertas secuencias, pero eso no la demerita de ser una gran propuesta a inicios del nuevo siglo.
21 – Tangled (Nathan Greno,Byron Howard,2010)
Por Clementine
Basada ligeramente en el cuento de los hermanos Grimm “Rapunzel”, esta princesa aun siendo una recién nacida, es encerrada en lo alto de una torre. Ahí, aislada del exterior, va creciendo hasta convertirse en una curiosa adolescente con una larguísima cabellera, que desea salir a ver el mundo, pero su malvada madrastra se lo impide. Por azar, se encuentra con Flynn Rider, uno de los bandidos más buscados del reino, encantador y arrogante por igual quien buscando huir de la justicia hace un pacto con Rapunzel y aquí es donde comienza su aventura. Con dos de los protagonistas más carismáticos del estudio, Enredados se convirtió en la película más exitosa desde El Rey León, y se dice que si esto no hubiera ocurrido Frozen no habría existido.
20 – Bambi (David Hand, 1942)
Por Uriel Salvador
Una historia hecha como una oda a la naturaleza, a su fuerza cíclica, a la importancia de la cadena existencial de la que todos somos parte. Su historia y temática son tan sencillos y a la vez tan complejos que impregnan a sus personajes de un carisma y una ternura insospechados, y complementados con el estilo visual y la música, le da forma a la atmósfera del bosque. Puede tener la peor transición de la historia del cine, pero es un viaje a través de la risa, el aprendizaje, la reflexión, el asombro, el amor y la tristeza, todas experiencias por las que cada uno de nosotros pasamos y experimentamos en nuestra vida. Además, mucho antes de Mufasa, Disney nos presentó uno de los momentos más traumáticos de la infancia.
19 – The Emperor’s New Groove (Mark Dindal, 2000)
Por Clementine
Alejándose un poco de los cuentos clásicos, la historia del joven emperador Kuzco incorpora elementos de la cultura inca. Kuzco es arrogante y egocéntrico y cuando despide a su consejera Yzma, ésta en complicidad con Kronk, su torpe ayudante, planean envenenar a Kuzco. Sin embargo, todo les sale mal y solo logran transformarlo en una llama. El obligarlo así a tener su “momento humilde” harán que Kuzco reflexione sobre su conducta y desempeño como líder, y lo ayudará a redescubrirse a sí mismo. Aunque en momentos es muy divertida y muestra una cultura que no habíamos visto en ninguna película anterior, la historia del héroe caído que busca su lugar y regresa a acatar dignamente su destino, ya la habíamos visto varias veces antes y mejor ejecutada.
18 – Aladdin (John Musker, Ron Clements, 1992)
Por Kim Tobias
Aunque puede parecer a primera vista como la típica historia de un amor de distintas clases sociales, Aladdin es mucho más que eso. Basado en uno de los cuentos de la famosa colección “Las mil y una noches”, este filme es inigualablemente perspicaz y divertido, desde sus grandes personajes que derrochan carisma, pasando por esa bellísima y colorida animación, hasta esa manera tan satírica de mostrarnos la cruel realidad de la clase baja. El soundtrack es sin duda uno de los mejores, llenando de energía un filme trágico en teoría, pero cuyo tono conmovedor llega a los límites cuando nos presenta con la que posiblemente es una de las mejores canciones de toda la filmografía de Disney.
17 – Robin Hood (Wolfgang Reitherman, 1973)
Por Kim Tobias
Poco se habla de esta adaptación de Disney, pues si bien el personaje es conocido dentro de la cultura popular, escasos méritos se ha llevado la versión de 1973. Esto es una total infravaloración de una cinta que lo que tiene de encantadora lo tiene de bien ejecutada, al trasladar esta historia a una versión animada y muy familiar que lejos de parecer sosa por ser protagonizada por animales, encuentra el toque ideal para hacer a sus personajes más peculiares, incluidos todos esos gags que hacen de sus momentos cómicos un disfrute de esos que solo se encuentran en los clásicos de antes. Diversión, romance y un buen mensaje, una joya definitiva que se engrandece hasta en nuestros días.
16 – Wreck-It Ralph (Rich Moore, 2018)
Por Leo Idair
El estudio firmó una de sus obras más inclusivas con una excelente historia alrededor de un videojuego. Una clara alegoría para todos aquellos marginados, excluidos e incomprendidos por la sociedad, con un mensaje contundente acerca de que no son ellos quienes tienen que cambiar, sino la forma en que son (mal) tratados. El guion y los giros argumentales son tan ricos como atípicos de Disney, destacando especialmente la construcción y desarrollo del villano King Candy, probablemente uno de los mejores de toda la factoría. La creación de los mundos de cada videojuego es tan vasta como vistosa, aunque para algunos llegue a parecer empalagosa y un poco frenética. Su secuela se quedó muy por debajo de este nivel.
15 – Mulan (Barry Cook, Tony Bancroft, 1998)
Por Ale Vega
Después de un compendio de cintas en las que la protagonista requería ser salvada por un príncipe, Disney había decidido cambiar. Fue así como se encontró con la leyenda china de Hua Mulan, que a la postre se convertiría en ésta muy apreciada versión. Valiéndose de líneas sencillas y colores que honran a su cultura, Mulan nos cuenta la historia de una hija que, deseando salvar a su padre, decide tomar su lugar y enrolarse al ejército imperial. Hablándonos de los valores familiares, la rebeldía, el respeto a la tradición y la etiqueta de “Deshonra” como punto de inflexión (que aplicaba también para el tan divertido Mushu), ‘Mulan’ es un bonito recordatorio de que somos tan importantes como las decisiones que tomamos en los momentos cruciales.
14 – Lilo & Stitch (Chris Sanders, Dean DeBlois, 2002)
Por Leo Idair
A poco de haber comenzado el nuevo milenio, Disney sorprendió con una historia emotiva que logró alejarse de lo meloso gracias a la presentación de personajes imperfectos. Disney regularmente se vende como moderno e inclusivo, pero todos sabemos que es de dientes para afuera, por eso sorprendió que se centrara en una familia ‘rota’ y al borde de la desintegración. Es de admirar su económica narrativa, pues en 85 minutos ocurre de todo: desarrollo de personajes fascinantes, escenarios de acción sci-fi, grandes gags cómicos y momentos desgarradores. La parte musical con canciones de Elvis pareciera integrada para pasar desapercibida, pero realmente realza grandes escenas. Ohana significa familia. Yo no estoy llorando, tú estás llorando.
13 – Zootopia (Rich Moore, Byron Howard, Jared Bush, 2016)
Por El Fett
Astuta “buddy movie” que mantiene un ritmo increíble sin dejar de lado su sutil pero efectiva crítica socio racial, la cual se refleja no solo en la situación de su protagonista y en la relación hacía con su accidental socio, sino también en el principal giro de tuerca en una analogía dura pero bastante bien coloreada para referir al “depredador” como parte de una ahora amenazante minoría. En el tono de thriller, Moore construye una serie de investigaciones criminalísticas enfocadas en “desapariciones”, aderezándolas con tópicos políticos y corporativos en una excelente telaraña de misterio disfrutable y comprensible no sólo para los adultos, sino también para los peques. La última gran joya del estudio.
12 – The Jungle Book (Wolfgang Reitherman,1967)
Por Kim Tobias
De los pocos éxitos de Disney en su etapa más oscura en medio de los sesentas, es difícil no creer que The Jungle Book sería amada hasta por los más escépticos. Aunque la historia es bastante sencilla, son sus mágneticos personajes los que encausan una fascinante y colorida animación aderezada con el más fascinante soundtrack. Su gracia incluso traspasó idiomas, pues es difícil no pensar en El libro de la selva sin recordar al icónico Tin Tan como Baloo interpretando lo más vital. La última cinta que contó con la producción de Walt Disney antes de su muerte, una lástima que no haya podido ser testigo del gran resultado final.
11 – The Sword in the Stone (Wolfgang Reitherman, 1963)
Por Dastan
Adaptada de la primera historia del libro “The Once and Future King” escrita por T.H. White. La película número dieciocho fue otro éxito taquillero y una de las películas más queridas por la mayoría de fans de Disney. Las historias del Rey Arturo y Excalibur en la mayoría de ocasiones las han relatado desde su juventud y adultez, pero pocas en su niñez. En esta producción Arturo se llama Wart, quien será entrenado por el mago Merlin para cumplir su destino. Se centra en las enseñanzas de prepararse mentalmente y en conocimiento antes que la parte física. Se la podría catalogar como una de las películas más positivas de Disney, recalca que lo más divertido en la vida es aprender de las experiencias y de lo teórico.
10 – Dumbo (Ben Sharpsteen, 1941)
Por Dastan
Adaptada del cuento infantil escrito por Helen Aberson. Es la cuarta producción de Disney, ganadora de un oscar, la primera en exponerse en home video y fue el segundo éxito taquillero de los estudios. La baja calidad en su animación es cuestionada por fans y críticos (el estudio realizó una animación estilo cartoon básico para reducir costos de producción), pero lo rescatable es su historia y los temas sociales correctamente establecidos con varias secuencias bien ejecutadas que la convierten en un film inolvidable, secuencias como: la llegada de las cigüeñas, el arresto de la madre, los elefantes rosados y Dumbo payaso en el incendio del edificio. Uno de los primeros personajes animados con discapacidad que debe enfrentar la crueldad del bulling.
9 – The Hunchback of Notre Dame (Gary Trousdale, Kirk Wise, 1996)
Por el Cine Actuario
A pesar de que está lejos del estilo gótico de la obra original, es una adaptación que incluso se separa de los cánones marcados por Disney, resaltando un estilo de dibujo que traza a los escenarios de manera hiperrealista para que se sientan como un personaje más. Narrativamente es una trama oscura, pues toca temas políticos y sociales fuertes siendo el eje principal el Juez Frollo, (Disney se arriesga mostrando a un fanático religioso como villano). De ahí tiene temas básicos pero transmitidos de manera universal como el amar a otras personas sin importar su físico o creencias. Mención aparte tiene una música espectacular con canciones épicas. Su único defecto, tres gárgolas “castrosas” que ojalá se hubieran quedado petrificadas toda la película.
8 – Snow White and the Seven Dwarfs (David Hand,Perce Pearce,William Cottrell,Larry Morey,Wilfred Jackson,Ben Sharpsteen, 1937)
Por Dastan
Es la primera película animada a colores, el primer Oscar para los estudios y fue el tercer fenómeno taquillero del cine sonoro después de King Kong (1933) y El Cantor de Jazz (1928). Proyecto liderado por Walt, el cual reunió un equipo de 20 directores aproximadamente, todos ellos bajo la supervisión directiva de Hand y un presupuesto de $1,5 millones, es la adaptación de uno de los grandes cuentos fantasiosos de los Hermanos Grimm. Film que aportó a la creación de la cámara multiplano, y que utiliza tonos que van desde el suspenso, terror hasta la comedia. Tal vez, para muchos en la actualidad la cinta haya envejecido mal por la superficialidad de los temas, pero si no eres alguien con complejos de seguro la disfrutarás, y la respetarás.
7 – Sleeping Beauty (Clyde Geronimi, Eric Larson, Les Clark, Wolfgang Reitherman, 1959)
Por Ale Vega
Por encima, ‘Sleeping Beauty’ es una película más de princesas. Sin embargo, no sólo está cimentada en la novela clásica de 1697, también, posee un estilo artístico inspirado en el arte europeo prerrenacentista, y canciones y partituras basadas en el ballet de Piotr Chaikovski. Todo esto le confiere gran riqueza que, además, cuenta con personajes tan encantadores como tres hadas de variopintas y una antagonista exquisita, quien, acompañada de su cuervo “Diablo”, logra que por momentos nos pongamos de su lado. Así, ‘Sleeping Beauty’ se convierte en una de los filmes mejor realizados de Disney, siendo seleccionada para su conservación en el Registro Cinematográfico Nacional por ser “cultural, histórica o estéticamente significativa”.
6 – Pinocchio (Ben Sharpsteen, Hamilton Luske, Bill Roberts, Norman Ferguson, Jack Kinney, Wilfred Jackson,T. Hee, 1940)
Por Leo Idair
Tan oscura como fascinante. La razón por la que se convirtió en uno de los mejores clásicos de Disney es la forma en que la animación y la adaptación del cuento original sumergen al espectador en un mundo de total fantasía para luego enfrentarlo de golpe a temas tan fuertes como las drogas, el alcoholismo y la rebelión ante la autoridad. Momentos y secuencias como la de los niños convirtiéndose en burros atormentaron las noches de sueño de millones de infantes. Al día de hoy Pepe Grillo sigue siendo uno de los personajes más carismáticos de Disney, y la verdad es que llevaba sobre sus hombros gran parte del objetivo de la película: ser la consciencia que nos ayuda a distinguir entre el bien y el mal; además de ser un excelente hilo conductor para toda la historia.
5 – The Little Mermaid (John Musker, Ron Clements, 1989)
Por Glen
El inicio de la era del renacimiento de Disney en 1989, después de no haber tocado cuentos de hadas en 30 años. El éxito de La Sirenita marcó a toda una generación con musicales que forman parte integral de la narrativa. Donde los ejecutivos de Disney descubrieron que el público amaba el teatro musical aunque no lo supieran, estilo que cimentó la imagen actual de la industria animada, al menos en occidente. El carisma de los personajes, los colores vibrantes y el oscuro cuento de hadas modificado para un final feliz serían la mina de oro que les haría ganadores de dos Oscar. Su lugar en este top está más que merecido, coronándose como una de las monarcas del estudio
4 – Alice in the Wonderland (Clyde Geronimi, Wilfred Jackson, Hamilton Luske, 1951)
Por Uriel Salvador
Más allá de ser demencialmente divertida, la mayor valía de esta cinta es un detalle que ninguna otra película de Disney tiene: la fidelidad al material original. No sólo sigue la historia ya conocida por todos al pie de la letra, sino que introduce suficientes elementos nuevos para lograr ser su propia creación y que encajan orgánicamente en el estilo tan alocado e inteligente de Lewis Carroll. Una historia que esconde su propia lógica en sus diálogos crípticos, sus situaciones irreverentes y sus personajes carismáticos, pero que también admite que no hay razón de buscar explicación alguna cuando todos están simplemente locos.
3 – The Beauty and the Beast (Gary Trousdale, Kirk Wise,1991)
Por Jose Roberto Ortega
La primera película animada nominada al Oscar en la categoría mayor: Mejor Película. Quizás una de las pocas películas perfectas, desde la concepción de la historia hasta la construcción de sus personajes, teniendo todos ellos un aporte a la historia y un carisma innegable. El aporte que Howard Ashman y Alan Menken hicieron a esta película es invaluable, no solo por los fastuosos números musicales, sino porque el uso de la música como hilo de cohesión narrativa llega a un nivel de maestría como pocas veces se ha visto. Además, cuenta con un diseño de producción, calidad en animación, voces originales, doblaje al español y una mezcla de sonido impecable. ¿Y qué decir del romance y el suspenso? Sin duda, uno de los puntos más altos del cine.
2 – The Lion King (Roger Allers, Rob Minkoff, 1994)
Por el Cine Actuario
Estamos hablando de quizás, la película de Disney más completa post Walt Disney; desde sus personajes carismáticos y bien diseñados, sus números musicales épicos (que incluye a Elton John), su temáticas sombrías y maduras alrededor de la muerte (siendo el acercamiento más fuerte en una cinta de Disney), los conflictos internos referentes a la personalidad (ser o no ser, recuerda quien eres) pero sobretodo sus enseñanzas acerca de entender el significado de la vida y el rol que jugamos cada uno en este delicado ecosistema. Está adaptación de Hamlet se ganó merecidamente un lugar en el corazón de los espectadores y consolidó a Disney en los 90’s como el león en la selva de la animación y sin preocuparse ¡Hakuna Matata!
1 – Fantasia(Samuel Armstrong,James Algar, Bill Roberts, Paul Satterfield, Ben Sharpsteen, David D. Hand, Hamilton Luske,Jim Handley,Ford Beebe,T. Hee, Norman Ferguson,Wilfred Jackson,1940)
Por El Fett
Sin duda el proyecto más atípico es también el ejercicio audiovisual más rico en toda su historia; dirigido en varios segmentos y por varios cineastas (se menciona a Ben Sharpsteen como director del montaje final), el Disney más oscuro y artístico encausa una ópera animada sin precedentes que se debe tanto ver como escuchar con el respeto y la clasificación adecuada, creando una ósmosis perfecta entre la animación y la música clásica que tras Blancanieves y Pinocho como prólogo, daría inicio a toda una historia tan revolucionaria como poderosamente artística y comercial. Su último segmento en la actualidad parece más una profecía que una coincidencia.
1 Comment
El reto de los 100 años, buscar la foto que se toman en Once Upon a Studio y, sin ayuda de internet, identificar cada una de las peliculas oficiales de Disney, vamos, hasta pequeños retos pueden aparecer…, segun esto deben salir TODAS las películas… (esa es la parte mas dificil, identificar las menos conocidas, aunque seguramente muchos no sabran quien era Pecos Bill), una ayuda, Pixar Animation no juega en este acertijo.. fiu…