Las 5 Mejores Películas del Verano 2015 según El Fett
A lo mejor usted ya lo sabía pero si no se lo vuelvo a decir, el llamado “verano cinematográfico” es la temporada de cine más larga del año al abarcar desde principios de mayo hasta finales de septiembre, época que parece suficiente para que las productoras en primera instancia presuman sus blockbusters y churros mas cajeteros, y en un segundo pero no menos importante plano, las industrias independiente y animada lancen sus primeras monedas al aire tratando de evitar el boom invernal o el somnoliento comienzo de año (Representado mas por producciones retrasadas de otros años).
Una inmensidad de películas desfilaron por nuestras carteleras y portales web en esta temporada (Ahí pregúntenle a Kim Tobías cuantas lleva en el año), sin embargo y al igual que el año pasado, una poca tasa de efectividad y calidad nuevamente se hicieron presente en la cartelera veraniega dejándonos con las ganas y la promesa de un mejor cine en lo que resta del ahora otoño e invierno ¡Pero las cosas como son! Y siguiendo nuestra bonita costumbre de cada año, su servidor y preferido cazarrecompensas se hará cargo de las listas de medio año con lo mejor, lo peor, lo decepcionante, lo sorpresivo y finalmente con lo que nadie le hizo caso del Verano Cinematográfico del 2015
¿Están listos? ¿Les parece si empezamos todos positivos? Los resurgimientos del desierto apocalíptico y del mito del vampiro, una animación brillante y muchas voces dentro de nuestras cabezas se convierten así en las 5 mejores películas del verano a juicio de su cazarrecompensas. Veamos el porqué.
5. What we do in the Shadows (Jemaine Clement, Taika Waititi, 2014)
¿Por qué es mejor? Porque sencillamente en su hilarante propuesta de falso documental revitaliza el mito del vampiro alejándose de las mamarrachadas de los blockbusters románticos y de acción y de las pretensiones existenciales de chupa sangres hípsters de Jim Jarmusch. De producción del 2014 pero estrenada a nivel internacional a mediados de este año (Julio), la trama se centra en la adaptación social – cultural de 4 individuos vampiros venidos de eras antiguas al mundo actual; los guionistas y directores en su comiquísimo planteamiento estructuran no solo a estas 4 figuras de manera sustancial, sino que también respetan en su ambiente toda la atmósfera y elementos claves del mito del vampiro construyendo propositivamente un horror “accidental” que no se contrapone al humor, sino que por el contrario lo complementa y sirve a su desarrollo. Así, podemos ver desde el conflicto por lavar los platos sucios hasta los complejos existencialismos de lidiar con la muerte y con la complicación de la esclavitud, sirvientes, evolución tecnológica y decrecimiento del número de víctimas para su subsistencia.
¿Qué tiene de malo? La cinta recae en ritmo en su desenlace gracias a una tangente narrativa y mensaje de amistad que se siente sobrada y metida con calzador. Aunque al principio esto nace de una divertidísima escena con hombres lobos, estos elementos terminan por reducir el resultado.
A destacar: Original, diferente y a pesar de su formato provisto de una ambientación, maquillaje y vestuario destacables, sin duda estamos ante una de las mejores cintas de vampirismo en la historia. Lástima de su desconocimiento consecuencia de una casi nula distribución comercial.
4. Shaun the Sheep Movie (Mark Burton, Richard Starzak, 2015)
¿Por qué es mejor? Brillante propuesta animada que basa su genialidad en los momentos de humor espontaneo hábilmente incrustados durante todas sus secuencias y en la tradicional técnica del stop motion de donde su casa productora y creativa Aardman son los reyes. Su ritmo tan agradable y directo solventan junto con dicha espontaneidad toda lo predecible que puede llegar a ser la historia y los clichés de la misma, así mismo, los directores y guionistas se encargan de encaminar todo el cómico conflicto hacia una secuencia final verdaderamente emotiva que parece no pedirle a nada a las lágrimas complejas de otros productos animados tales como Pixar. Cabe destacar la siempre inteligente decisión de los Estudios Aardman al prescindir de los diálogos y de otros elementos que suelen atiborrar las cintas animadas tales como las canciones o números musicales, basando su estructura en agiles y bien dirigidas secuencias provistas de personajes entrañables y bien diseñados como el mismo protagonista y una serie de secundarios que resaltan también gracias a lo ya comentado: la espontaneidad de este tipo y estilo de comedia.
¿Qué tiene de malo? Los clichés pueden restarle puntos así como el prólogo al desenlace que cae incluso en lo repetitivo tras dos secuencias del mismo tipo.
A destacar: Al contrario de lo que muchos piensan, este tipo de animación es tan disfrutable tanto para adultos como para niños, incluso siendo los primeros los que disfrutan mayormente al notar todas las referencias a otras películas, momentos de la cultura pop y esos momentos “random” que despliegan carcajadas. Así mismo siempre hay que destacar el trabajo de arte de Aardman que extienden la divertida e interesante experiencia hasta el final de los créditos.
3. Inside Out (Pete Docter, Ronaldo del Carmen, 2015)
¿Por qué es mejor? Porque Pixar toma una bocanada de aire después de un ahogamiento de propuestas cansinas y moralinas sin ningún trasfondo. Inside Out es todo lo contrario, un complejo y divertido cuento mental que incluso podría ser catalogada dentro de un contexto surrealista bastante bien trabajado y restaurado de lo que ya es sabido de Pixar en cuanto al reciclaje y préstamo de otros argumentos. De una tangente psicológica, el hábil tratamiento se enfoca en delimitar la mente y no el cuerpo o los personajes que habitan en el contexto “real”, así, tanto las emociones y los recuerdos como también los sueños e imaginación toman el liderazgo narrativo para que estos desplieguen un complejo conflicto de lo que desemboca en una simple historia, en otras palabras, es como si los responsables narraran todo el proceso creativo que se encuentra detrás de un relato cliché y conformista saliendo victoriosos de tal tarea gracias a una propuesta estética y narrativa bastante original y de buen ritmo.
¿Qué tiene de malo? A pesar de su genialidad la cinta ha sufrido de una tempranera saturación de alabanzas y sobrevaloración, esto debido a la escasez de buenas historias de las que ya venía sufriendo Pixar y el rubro animado en general. Es buena, pero aun así no es de las mejores de la casa animada
A destacar: El objetivo de la moralina en todas las cintas Disney – Pixar aquí es solventado gracias a sus entrañables personajes y la química entre estos, algo similar a lo ocurrido con Toy Story 3, donde la lagrima brota honesta y sin ningún forzamiento. El diseño de los personajes y el mundo de la psique interna es sencillamente genial
2. The Voices (Marjane Satrapi, 2014)
¿Por qué es mejor? Porque el equilibrio entre la comedia y el thriller psicológico es monumental por parte de una directora que conoce como progresar una historia desde la psique de su protagonista. The Voices es genial, una muy inteligente, hilarante y brutal puesta narrativa y estética que basa su valor principal exactamente en eso, el balance de estos tres atributos sin salirse de su coherencia argumental: las voces. Incluso en su forma, la cineasta iraní combina un mundo pintoresco y literalmente “color de rosa” con otro cruento, oscuro y muy palpable el cual también se encarga de encausar un suspenso y horror gráfico que dejan al espectador por momentos aferrado a la butaca; por el otro lado el mundo de colores, referido en la mente del anti héroe, funge como base de la narración al implementar a las voces como elementos que no dejan caer a la trama en un vacío redundante; Satrapi lo sabe, su guion no es lo suficientemente bueno para ser creíble y decide crecer la dosis de su humor ácido y negro para fundirse en la interacción de estas diferentes conciencias de su atormentado protagonista y asesino serial.
¿Qué tiene de malo? Aunque los motivos de la locura son bien delimitados por parte del guion y dirección, algunas acciones del protagonista se notan incluso absurdas cayendo la cinta en una cierta redundancia hacia el final de la cinta. De nuevo Satrapi salva la cusa con una secuencia post créditos hilarante
A destacar: Ryan Reynolds en la actuación de su vida. Acorde al motif del film, Reynolds no solo interpreta al asesino, sino también presta su voz para 4 diferentes conciencias de las cuales resalta un gato sumamente cabrón, sin duda uno de los mejores representantes de su especie en la historia de cine
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Mad Max: Fury Road (George Miller, 2015)
¿Por qué es mejor? Porque es una locura. Preguntaban a George Miller en Cannes “¿Cómo carajos le hizo para dirigir esto?”, una cinta ya de culto y que en su libreto de ida y vuelta (2 días en la cronología del film) conlleva una exposición narrativa y gráfica impresionantes. Su plano dramático se traduce hasta cierto punto en innecesario pues todo se convierte en una persecución de principio a fin donde Miller plasma una locura máxima y orgánica de la mas alta calidad en estándares técnicos, ya sea de diseño y/o de efectos. No hay que malentender, y es que a veces solo basta comprender la dualidad a la que nos enfrentamos desde dos puntos y estilos contrapuestos dentro del lenguaje cinematográfico: así como una cinta independiente o “de arte” se jacta de trascender prescindiendo de todo elemento efectista y/o fantasioso en su contexto, así también obras trepidantes como esta pueden separar toda esa realidad bajo estatutos de un guion y estándares fílmicos coherentes fijos a una lógica interna y calidad en su dirección. Miller lo hace, fija una sencilla historia, inteligente, sin pretensiones y la embelesa con una explosiva exposición que no da respiro a nadie: furia, suspenso, acción y personajes de culto, Mad Max fue temida en Cannes (La sacaron de la competición oficial) y premiada por la asociación internacional de críticos como la mejor película hasta ahora del año
¿Qué tiene de malo? Lo unidimensional de algunos de sus personajes y motivaciones lastiman poco la ejercicio en general gracias ala justificación dentro de su género y ese halo de forajido “western” en el recae su anti héroe y vengador principal
A destacar: Nadie extraño a Mel Gibson, sin embargo el contexto feminista de la cinta terminó por proyectar a Charlize Theron como el elemento mas importante de la cinta. Por favor si alguien ya adquirió el bluray, le recomiendo no perder ninguna de las características principales
2 Comments
Sr Fett según yo, son 3 días, dos noches en Mad Max.
Tiene ud toda la razón mi estimado
Saludos!