Las mejores 15 películas surrealistas en el cine (3 de 3)

Hay elementos muy marcados dentro del movimiento surrealista en las artes audios visuales, los cuales son solo el vehículo de una premisa básica que recae en las representaciones de los sueños. Por tal razón, es solo lógico que la imagen de los ojos humanos aparezca constantemente en este tipo de obras, desde Jodorowsky en la montaña, pasando por las visiones siniestras de Lyne y Lynch, hasta el corte del perro andaluz y los análisis de Hitchcock, parece que este órgano fue el elegido por el movimiento para representar la entrada al subconsciente y a los sueños.

Así mismo, el surrealismo quizá sea una de las narraciones más aptas para estructurar a los héroes casi prescindiendo de una construcción previa de su pasado, lo cual ahorra recursos dentro de su desarrollo a la par que acota un complejo y/o trastornado perfil psicológico del que suele ser en la mayoría de los casos, un atípico antihéroe.

Otra de sus funciones (Y quizá la principal) es la de la crítica socio – cultural, ideológica o religiosa, la cual se hace de variados simbolismos o de su misma narrativa metafórica para por lo general primero embrollarla y consecuentemente proyectarla en algunas ocasiones de manera obvia, siendo muchas veces encuadrado este movimiento en una especie de alegoría cómica o auto burla de diversos estratos, segmentos o grupos de referencia o pertenencia de los que ya hemos hablado en este ranking. No es raro entonces que se cataloguen muchas de estas cintas como sátiras, sin embargo a pesar de lo que mencionan muchos estudiosos o sus mismos autores, el tratamiento dista mucho del argumento cliché de la comedia, más bien siendo la esencia de desahogo o expresión de la inconformidad por la formalidad.

Insisto, el catálogo de films, aunque basto a través de la historia, en solo pocas ocasiones ha sabido encausar dichos elementos para lograr construir una obra de calidad relevante, sin embargo a la hora que una de estas da a luz, parece detener los engranes dela industria para tener un tiempo de reflexión e introspección individual y grupal. Esta aleatoriedad si bien no ha definido una época clara del surrealismo en el cine, visto desde otro punto de vista podríamos también decir que es no es perteneciente a un periodo determinado, sino que su influencia ha persistido a lo largo de los años, ya que la proyección fílmica de los sueños y la mente siempre ha acompañado al lenguaje cinematográfico.

Vayamos con las 5 obras cumbre de este movimiento  lo largo de la historia, y a riesgo de ser quemado por hereje con el primer lugar (O por otra parte comprendido por muchos de ustedes), notemos antes que nada la distinción en cuanto a bases de géneros se refiere y la aborde avasallante del elemento surrealista en estos, también resaltando a pesar de lo establecido, ciertos factores de periodo de producción en común, sobre todo con los primeros dos puestos.

Como siempre estimados lectores, su cazarrecompensas está a sus órdenes y en este particular caso y ranking, deseoso del debate, conformidad, inconformidad, requerimiento de faltantes o bien de sobrantes y por último, también se aceptan rayadas surrealistas de madre.

5. Mr. Nobody (Jaco Van Dormael, 2009)

Apoteósica, romántica y bellamente hilada en su conjunción de imágenes, Mr. Nobody marca hasta ahora con la calidad necesaria el fin del ciclo surrealista que comenzó en 1929 con Buñuel. Colmada de valores artísticos dictados por el movimiento (yuxtaposición de tomas, simetrías, planos detalle de los ojos y rostros), un personaje desconocido para un futuro (De claras referencias utópicas) resulta ser una excelsa metáfora sobre el libre albedrio y las tangentes de cada una de las posibles decisiones de la vida frente a situaciones clave de nuestra existencia.

Agraciada en su ritmo narrativo, el director – guionista quizá arriesgue demasiado al cambiar ciertos estatutos de la corriente poniendo de relieve la regresión, la sobre exposición y estructuración del personaje a través de los recursos flashbacks (Que en sí son la base de su relato), sin embargo parece que el autor comprendió que la existencia del movimiento podría darse solo a través de este tipo de premisa sustentada en una especie de cuento futurista, pero donde los hechos son tan palpables como oníricos y a la misma vez tan conocidos por nuestro presente pero inaccesibles en su totalidad. Así, Van Dormael juega con sus simbolismos espirituales sin necesidad de centrarse en religiones, en estereotipos sociales sin forzar su relato hacia la crítica de sus comportamientos, solo dejando un grito metafórico y rebelde hacia el control político, parental y social dejando que su Sr. Nadie (Un Jared Leto excepcional) se desenvuelva en “él hubiera”. ¿Habían oído la frase del hubiera no existe? Pues aquí sí, y es hermosamente retratado de manera surrealista. Como mención honorífica, el soundtrack es de otro mundo.

Momento locochón: Un especie de prologo (No se encuentra al principio) que nos habla sobre el tiempo y las elecciones dejan en claro que estábamos viendo y que será lo que se desarrollará ante nosotros.

4. Being John Malkovich (Spike Jonze, 1999)

Charlie Kaufman es uno de esos artistas que nacieron para abordar, traducir y amalgamar el surrealismo en algo tan entretenido como entendible, tan trágico como verdaderamente tétrico. Por supuesto estamos hablando del mítico guionista y no de su títere directivo Jonze, el cual aunque siempre bien intencionado, dejó entrever con esta y otra colaboración quien era el líder artístico y visionario detrás sus relatos. Pero si queremos hablar de surrealismo en una de sus más puras expresiones, he aquí como ser John Malkovich, un actor de Hollywood al cual se le es descubierto un portal hacia su mente en un piso intermedio dentro de un edificio corporativo.

Llamado muchas veces excéntrico, quizá pensándolo dos veces y visto desde el punto de vista del movimiento el adjetivo este fuera de todo contexto y demasiado inadecuado para definir a Kaufman, el cual logra un increíble juicio sobre la exposición de la farándula en términos mediáticos, burlándose de sus figuras sin concesión mostrándolas como títeres y/o entes mecánicos que se resisten al control, pero que al final no es más que su destino; todo esto sin caer en el estrafalario estilo de Lynch, por mencionar al otro autor de referencias claras sobre este tópico y crítica. Así mismo, además de que Jonze construye una hilarante comedia de excesos con gratas actuaciones y un hábil desarrollo, el vituperio es doble cuando la dupla guionista – director exponen de manera comiquísima (Y hasta cierto punto grotesca) el mundano accionar de la vida cotidiana por parte de una audiencia que sigue a estos ídolos marionetas en los que aspira ser y/o convertirse.

Momento locochón: John Malkovich, actor, crea un corto circuito en su cabeza al meterse a su propio portal; los resultados son tan divertidos como repugnantes, creando una secuencia de ensueño difícil de olvidar.

3. Underground (Emir Kusturica, 1995)

De Yugoslavia llega esta exquisita puesta en escena donde la tristeza nunca había sido tan hermosamente expresada y transformada en alegorías surrealistas llevadas al límite de la extravagancia y la felicidad. Una fiesta constante visual y narrativa donde Kusturica exprime las bondades humanas para usarlas al servicio de una percepción bélica y romántica bastante retorcida. Marko se refugia bajo tierra durante la guerra mundial manufacturando armas, pero al final del conflicto, sigue engañando a su amigo Petar convenciéndolo que allá arriba aún no es seguro; cuando el secreto es descubierto, he ahí el final de la rica metáfora ¡Ya no existe Yugoslavia!

Los elementos de la corriente se reflejan bajo la tierra, cuando tremendas y dementes situaciones se desarrollan una a una durante 170 minutos de locura y mensaje anti – gubernamental, pero eso no es todo, este genial relato desnuda tal vez de la manera más sincera y cruda el sentido por el humano de sencillamente ser feliz, ser amado y de pertenecer a un grupo que lo aprecie como tal; sea un criminal, embaucador o simple mortal, el surrealismo decide explorar la intimidad antes del conflicto exterior o la crítica política – social, por tal razón no es casualidad la analogía de conservarse bajo tierra, alejado de la realidad, aceptando solo lo que se nos comunica y lo que en cierto momento nos hace ser conformistas negándonos el ver más allá. Kusturica construye una sátira hilarante y por medio de su pericia visual – narrativa – auditiva construye un mundo subterráneo mágico, tan reconocido que pudiera engañar a cualquiera.

Si la ambientación es suprema, las actuaciones de primer nivel y la metáfora tan desgarradora que nos hace reír de tal desgracia, esperen a escuchar la banda sonora, y por eso es hora de nuestro…

Momento locochón: Toda esta locura toma forma (y deforma) cuando Goran Bregovic, la excelsa agrupación de folk musicaliza de manera casi dogmática toda la historia. Tomar como ejemplo la secuencia anterior, notando que todos los elementos se conjugan y van por el mismo rumbo que Kusturica quiere explayar… su llanto por Yugoslavia ¡Magnifica cinta!

2. El Ángel Exterminador (Luis Buñuel, 1962)

Resulta irónico y completamente catedrático, refiriéndonos al lenguaje cinematográfico de Buñuel, que en sus obras surrealistas disfrute del resquebrajamiento del abolengo, mientras que quizá en sus obras maestras más alejadas de esta corriente (Los Olvidados y Viridiana), refleje tan brutal y realistamente al despreciado de la sociedad, al pobre, al olvidado. El Ángel Exterminador es sin duda la oda a la tortura del burgués; ambientada en México y previo a su encanto de la burguesía francesa, Buñuel encierra en un cuarto a una serie de personajes tan falsos como despreciables, donde quizá algún par resalte de esta estirpe social, pero donde el castigo por el boleto de la hipocresía tiene el mismo costo de acceso y la misma hora de salida. Los visitantes a una cena organizada por la Señora de repente no pueden salir, no quieren, no se atreven, algunos se lo preguntan, otros sencillamente deciden sobrellevarlo el tiempo necesario tal y como su desdibujada y simulada existencia, pero será muy tarde, pues el exterminador está cerca, los sueños se hacen tangibles y los factores en común comienzan a descubrirse, el comportamiento animal a aparecer y la desesperación que pudiera convertir en humanos a estos individuos a vislumbrarse.

Tanto esta cinta como la siguiente del ranking podrían alternarse el primer puesto, manteniendo un nivel altísimo sobre las anteriores, que si bien nos desmerita en ningún momento la calidad de sus competidoras, si sobresalen (En especial esta) por su ambientación surrealista en su estado más puro y fino, en su esencia narrativa alejada de cualquier género que lo sustente, pero que bajo la maestría de Luis Buñuel, es suficiente para posicionarse como una joya del surrealismo cinematográfico y tal vez lo más cerca que este ha estado de la conversión en un género.

Como bien lo mencionamos al principio de esta última parte, Buñuel adquiere aquí también la maduración necesaria para dotar a su escandaloso y siniestro relato de ese equilibrio satírico que en muchas ocasiones hace parecer a la puesta en escena en una comedia accidentada donde “aquí no pasa nada”, excepcional sin duda alguna, y mayor aún si tomamos en cuenta la inclusión de los símbolos espirituales y religiosos, el de la “oveja” o bien, el dardo final y directo hacia el clero y su misma hipocresía. Además, Silvia Pinal, la musa Buñuel, se ve hermosísima.

Momento locochón: El ángel ronda por la burguesía y los sueños y pesadillas están por brotar.

Repulsion (Roman Polanski, 1965)

Ni Buñuel, ni Lynch, ni Cronenberg, este puesto pertenece al trágico Roman Polanski y a su literal oda hacia la repulsión, una delicia surrealista que transmite la locura, la ansiedad y el suspenso necesarios para mantenernos aferrados a la butaca durante poco menos de dos horas . Comencemos diciendo que Repulsion conjunta en su tratamiento todos los elementos del surrealismo, desde la nula estructuración pasada de su protagonista para desarrollar sobre el relato su pisque y expediente del trastorno, hasta los planos detalle a ciertos elementos físicos, pero la mayor virtud del director es que en realidad logra que una serie de imaginería grotesca y repugnante trabaje en pro de una historia compleja en contexto pero sencilla en forma, que muestra como Carol sufre un trauma severo ¿La violaron? ¿Sufrió abuso sexual? ¿Es víctima de la sobrexposición de valores ideológicos o bien religiosos? ¿La soledad en la que vive es la causa de su malestar? Polanski no pierde tiempo en responder estas preguntas, en su lugar, dedica el metraje a proyectar la mente de Carol, sus pensamientos más oscuros y sus alejamiento de la realidad, su intimidad y sus miedos más profundos, los cuales la hacen un recipiente de placer y horror ante el contacto humano.

Protagonizada por la preciosa y talentosa Catherine Deneuve, Polanski utiliza a su anti heroína (Otro elemento recurrente en el movimiento) en dos formas: la primera como vehículo interpretativo y la segunda como espejo de una metáfora social que desborda hipocresía y valores retorcidos los cuales la postre también tendrán influencia en el horror del mismo personaje.

En esencia, uno de los mejores thrillers psicológicos de la historia que parece ser el perfecto complemento para cuando el surrealismo se hace presente en la cinematografía, solo que en esta ocasión, Polanski a través de su maestría en todo rubro, logra desarrollar una ficción ágil, equilibrando la extravagante gama de variantes surrealistas en una narrativa atractiva y llena de un bizarro suspenso único en el cine. El resultado es una joya que se torna en un repudio a la carne, bellamente fotografiada en blanco y negro, claustrofóbica y atrayente a cada segundo, ya sea por la belleza que irradia Deneuve o por el impresionismo que proyecta Polanski. Que me disculpe Buñuel, pero Polanski en este movimiento corrió con suerte.

Momento locochón: Al ver esta secuencia quizá Polanski explique por mi el porque baje a Buñuel al segundo escalón

Espero que este ranking les haya agrados estimados lectores. Solo como nota, algunas cintas que deje fuera fueron Ensayo de un Crimen y Simón del Desierto (Buñuel), Twin Peaks y Erasehead (Lynch), The Shining y 2001(Kubrick), Black Swan y Pi (Aronofsky), Solaris (Tarkovsky), The Seventh Seal (Bergman), Delicatessen (Jeunet), Holy Motors (Carax), Midnight in Paris (Allen); todas estas consideras por su servidor un poco menores en cuanto al movimiento se refiere o bien, solo plataformas para ciertos elementos surrealistas

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Acerca del autor

El Fett   @El_Fett   cinescopia.com

El más realista y cabrón crítico de cine que pueda existir. Ente sin misericordia que tiene el halago de transmitir a los mortales su sentir y sabiduría en el mejor recinto sobre el séptimo arte. Cinéfilo de corazón y crítico crudo por vocación. Alter ego del Licenciado en mercadotecnia y RRPP Oscar M Rodríguez (FB) Sigueme en twitter @El_Fett