Recomendaciones: Nostalgia Cinematográfica

Aaaaaaaah! Al fin el puente de Noviembre, un fin de semana largo de una festividad que es practicamente exclusiva de cierto partido político tricolor pero que sirve de excusa para disfrutar de unos días de total paz y tranquilidad. Con un otoño fresco y sabrosón, lo que más se antoja es estar encamados con nuestra pareja o mascota favorita y disfrutar de un largo y tendido maratón de películas o series. Unos se iran por la trilogía de la Venganza, otros se irán a disfrutar de la obra de Tolkien, muchos Potter heads aprovecharan el estreno de su nueva cinta para volver a visitar Howarts y muchos ejemplos más por ahí.

¿Pero que hay del cine? Nadie habla de un maratón que trate sobre el cine, de sus inicios, sus participantes y todo lo que pasa desde que el escritor tiene la idea plasmada en papel hasta que el espectador la disfruta en la pantalla grande. Como este año ha estado medio flojo en cuanto a propuestas, decidí a ver esas películas que son claves para un cinéfilo y ponerme al día ya que como bien saben, soy una desgracia para este blog cuando me preguntan si he visto tal o cual película y es por eso que les traigo estas 5 recomendaciones (más dos de unos cuates) para dejarse abrazar por la nostalgia que trae este clima fresco, acompañados de su mejor café o vino y se dejen llevar por los aromas de la temporada.

Mrs Punisher recomienda:

María Candelaria

Emilio El Indio Fernández 1943

Nostalgia en el cine. ¿Qué puede haber en el cine más nostálgico que lo inalcanzable? Tal vez hoy demandamos más tecnología, nos impresionamos por los efectos visuales y su vertiginosa evolución, pero si nos detenemos un momento a pensar en ese tiempo donde las cosas se cocinaban a fuego lento, con una paciencia obligada no sólo por las limitaciones de una época, sino porque se desconocía el concepto de tener prisa. Inalcanzable es ahora pensar en la Época de Oro del Cine Mexicano, es ese cine que resultaba una poesía en la desolación, el que daba un reflejo de nuestras limitaciones, de la autenticidad de nuestra gente y de lo glorioso que puede ser un drama desgarrador en la ausencia del color.

“María Candelaria” es un claro ejemplo de ese cine, de la fortaleza en la dirección de Emilio “El Indio” Fernández y la majestuosidad descolorida del lente de Gabriel Figueroa. Una historia que refleja la realidad social en México a principios del siglo XX, enmarcada en la belleza serena de Dolores del Río navegando en una trajinera cuando Xochimilco era Xochimilco. Una historia de amor ciertamente melodramática, imposible evitarlo cuando el amor tiene todas las de perder. Un cine donde los prejuicios y la discriminación tenían un espectacular primer plano, antes, mucho antes de que existiera cualquier tipo de corrección política.

El cine mexicano no tendrá otra época de oro, podrá tener muchos tiempos modernos, pero no podrá volver a ser arte sin aspiraciones millonarias en taquilla, no podrá ser belleza sin toxinas botulínicas, dirección sin compromisos o flagelos políticos. No volverá a requerir brillantes lentes analógicas que renuncien al color por hacer lucir una historia. Lejanía, ausencia, pérdida, anhelos inalcanzables. La nostalgia duele.

El Fett recomienda:

Shadow of the Vampire

E. Elias Merhige, 2000

Con la esperanzadora noticia del remake de Nosferatu por parte del joven prodigio del terror Robert Eggers (The VVitch), cuando el Arquicruz me pidió un ejemplo de cine nostálgico mi mente sorpresivamente acudió de inmediato a una obra semi desconocida, combinación entre drama y terror, ficción y realidad, una pieza de valor tanto documental como surreal que se posiciona de manera audaz y en un segundo plano como una pieza de auto homenaje cinematográfico, remembrando a la leyenda del primer vampiro fílmico obra de F.W. Murnau y el mito alrededor del actor Max Schrek

Dirigida por E. Elias Merhige y con las actuaciones de John Malkovich y Willem Dafoe (Nominado a mejor actor en los Oscar), la cinta relata los hechos sobre el rodaje de Nosferatu y de como Murnau y su aterrado reparto y equipo de producción debía lidiar con Schrek ¿Un actor metódico que había llevado su personaje muy lejos? ¿O un vampiro en el set? Con gran elocuencia y astucia el cineasta respeta el mito a través de los hechos, no da una respuesta directa al auditorio, pero impone con un admirable romanticismo al celuloide, un misterio del cual cada espectador tendrá que formular su propia respuesta ¿Fue aquello solo un mito? ¿O es preferible quedarse en aquel plano de horror surrealista donde el lenguaje cinematográfico sabe mejor? Altamente recomendable y un deber del cinéfilo salvar a este destacable film del anonimato

Hugo

Martin Scorsese 2011

Josh Logan logra adaptar de manera maravillosa el cuento de Brian Selznic y nos llevan hasta Paris, en un frío invierno, unos años después de la Primer Guerra Mundial en donde vemos a un jovencito muy avispado llamado Hugo Cabret (Asa Butterfield), quien malvive con el borracho de su tío (Ray Winstone) en la estación del tren de París como técnicos que reparan relojes de toda la central debido a que su padre murió (Jude Law). Pero Hugo tiene un propósito que es reparar el autómata que el y su padre habían rescatado de la basura y en su afán de lograrlo se topara con la valiente Isabelle (Chloë Grace Moretz) y muchos retos más que lo llegaran a descubrir cosas más allá de su imaginación.

La cinta de Scorsese es un bello y conmovedor homenaje al cineasta George Mellies en donde Ben Kingsley hace gala de su habilidad como actor. La cinta a pesar de verse algo infantil en el trailer, mantiene un ritmo muy bueno con respecto a como vamos descubriendo cosas sobre la vida del protagonista y como su vida se ve relacionada con la de este gran cineasta. Una película que no puede faltar en su colección y que es una manera muy buena de introducir a los más pequeños a la historia del mundo cinematográfico.

Midnight in Paris

Woody Allen 2011

Otra vez Paris y otra vez el 2011, esta vez de la mano del director favorito de la Cat que nos trae uno de sus mejores trabajos en los últimos años donde vemos a Gil Pender (Owen Wilson) quien es un escritor que se desenvuelve muy bien dentro de la industria cinematográfica escribiendo guiones para películas y que está comprometido a casarse con la niña rica Inez (Rachel McAdams) quienes viajaron a la capital de Francia debido a que el padre de la novia tuvo que atender unos negocios en dicha ciudad. El problema es que Gil no encaja en este sueño americano, el sueña más bien con la época dorada de los años 20, cuando artistas de todas las áreas compartían un cosa en común: París. Pero las cosas toman un giro más que surrealista cuando una noche termina en una fiesta con Hemingway (Corey Stoll) y Fitzgerald(Tom Hiddleston) y lo peor es que se topa con Adriana (la siempre hermosa y talentosa Marion Cotillard), una bella mujer a la que se siente atraído completamente y si viajar en el tiempo no es suficiente problema, enamorarse de otra mujer cuando ya está comprometido no ayudará mucho.

Una excelente cinta de Allen, que sabe mezclar la comedia en la persona de Wilson con el drama que vive a su alrededor, con un desfile de artistasde aquellas épocas en manos de varios actores de renombre hace que esta experiencia medio surrealista sea inolvidable.

Millenium Actress (Sennen joyû)

Satoshi Kon 2001

Kon junto con Sadayaki Murai se encargan de estructurar una entrañable historia en donde el reportero Genya Tachibana (Shozo Izuka) junto con su fiel camarográfo (Eiko Shimao) se dirigen a entrevistar Chiyoko Fujiwara (Miyoko Shôji), quien en su juventud fuera la actriz más amada por todo Japón. La principal excusa para esta visita se debe a que parte los estudios donde se desarrolló la mayor parte de su prolífica carrera están por ser demolidos. La narración sobre su vida, lejos de ser una historia lineal, se vuelve un relato muy dinámico cuando los entrevistadores se vuelven parte de esta y sirven como nexo para la audiencia para experimentar todo lo que la actriz experimentó en su tormentosa vida.

Satoshi Kon demuestra que no todo en Japón es Ghibli y que la animación no solo se limita a la fantasía, sino que puede representar todo tipo de historias y con un enfoque y ritmo que el cine “live action” no podría lograr. Satoshi rinde homenaje a Kurosawa y Kubrick y a la época del cine dorado con esta maravillosa cinta que no pueden dejar de ver.

Youth

Paolo il magazzo Sorrentino 2015

Dejemos el país del Sol Naciente para aterrizar a los nada desdeñables alpes suizos donde el respetable director de orquesta Fred Balinger (Michael Caine) está pasando unas agradables vacaciones con su amigo de toda la vida el renombrado director de cine Mick Boyle, quien necesita el aire puro de estas elegantes montañas para poder terminar el libreto de su última cinta, con la cual anuncia que será el homenaje a su carrera. Nuestro protagonista tiene otras razones para estar ahí y una de ellas es esconderse de la reina Isabel II y sus emisarios, la cual desea de manera expresa y contundente que sea el encargado de dirigir un recital en el aniversario de uno de sus hijos.

Sorrentino es un magazo, es un verdadero maestro del cine contemporáneo con una visión y pericia que pocos pueden presumir. Con una mano nos distrae durante 3/4 partes del metraje con las peripecias de este par de viejos amigos y cuando menos lo esperamos nos revela un clímax donde nadie lo espera para darnos un desenlace inolvidable.

Sorrentino no sólo posee la habilidad para representar los eventos cotidianos y volverlos algo más, sino que comprende el poder de la música y su sagrada unión con el celuloide creando escenas memorables acompañadas de piezas musicales actuales que realmente te transportan a la historia en cuestión y te dejan queriendo siempre más. Esa escena final con los créditos simplemente no tiene madre.

Nuovo Cinema Paradiso

Giuseppe Tornatore 2015

¿Alguien dijo nostalgia y cine? Pues habéis venido al lugar correcto mes braves, que el maestro Tornatore nos lleva a la vida del afamado director de cine Salvatore Di Vita quien después de un duro día de trabajo regresa a su lujoso departamento para enterarse que un tal Alfredo había muerto allá en su pueblo natal. Al principio lo toma con calma, pero conforme se prepara a dormir las memorias lo invaden sobre su pueblo natal y sobre ese tal Alfredo que era nada más y nada menos que el único operador de proyector del único cine en todo el pueblo (mejor conocido en nuestro país como el cácaro). Alfredo no solo era su amigo sino que su figura paterna ya que su padre había muerto en la Segunda Guerra Mundial.

Tornatore, como todo director italiano, se luce al narrar una simple historia de un niño que crece bajo el tutelaje de un proyector de películas y el cine mismo, en un pueblo cuyo único escape de lo cotidiano eran las cintas que se exhibían en el inolvidable Cinema Paraíso. Más allá de la amistad y complicidad que existieron entre Toto y Alfredo, la cinta nos muestra de manera muy clara como es necesaria la figura del hombre adulto en la vida de un niño para enseñarle esos valores de amistad, lealtad, honor y la pasión para poder luchar por lo que se ama, valores que hoy en día han quedado casi en el olvido.

Aparte no puedo dejar de identificarme con el filme cuando en mi infancia había muy pocos cines (y de una sala) en mi querido rancho, incluso el Dr Dark podrá dar fe de este divertido hecho en especial cuando llegaban cintas muy esperadas como las de Disney en donde las familias abarrotaban la sala e incluso nos sentábamos en el piso para poder alcanzar a ver la dichosa película. El séptimo arte siempre ha sido parte inseparable de nuestras vidas e incluso a finales de los 90´s ya se veía cierto declive con respecto a los cines como catedrales para disfrutar de las películas y no centros cuyo protagnista son los combos de comida.