Las 25 Mejores Películas de Clint Eastwood
Una de las leyendas vivas del cine y sin duda uno de los artistas – autores más prolíficos de la industria a lo largo de las 7 décadas. Al explotar su carrera bajo el cobijo de Leone como el nuevo arquetipo del “cowboy” de aquel nuevo western de corriente “espagueti”, pocos se hubieran imaginado que aquel “Hombre sin nombre” expandiría su figura no solo al rubro actoral, sino al directivo y hasta al de la cultura pop, siendo al día de hoy y de manera literal, una poco menos que mística silueta que con cada mirada, gruñido, retirada o vuelta de las cámaras, hace que la industria y audiencias tiemblen ante su presencia física y virtuosismo narrativo.
Actor, director, productor, músico, compositor y hasta líder de opinión sociopolítica, Clint Eastwood nació en San Francisco bajo el apodo de “Sansón”, nombre que las enfermeras le pusieron al ver que ese bebé pesaba 5.2 kilogramos al momento de nacer. Un nómada de ascendencia inglesa y descendiente de la nueva clase obrera que antes la Guerra encontró prosperidad en ese entorno de ensueño del “american way of life”, al ser rechazado de varias instituciones por rebelde, tomaría servicio militar y lucharía en la Guerra de Corea, sobreviviendo incluso a la destrucción de su avión bombardero, el cual al estrellarse y gracias a su gran habilidad como nadador, recorrió 3.2 kilómetros hasta la costa. Su rudeza se iba forjando de manera progresiva.
Al regresar a suelo americano y gracias a su también físico privilegiado y rostro de galán, encontró bajo el cobijo de la CBS su primer papel en la televisión con la serie Rawhide, donde rápidamente fue ubicado por la industria gracias a su presencia y talento, a pesar de solo tener un papel secundario. Pronto pasaría al cine con algunas participaciones en cintas de monstruos y series b, sin embargo fue a la llegada de los 60 cuando su co estrella de Rawhide, Eric Fleming, rechazaría el papel protagónico en una extraña cinta western con tintes hispanos e italianos dirigida por un tal Sergio, papel que Clint Eastwood tomaría por 15 mil dólares y un Mercedes Benz… y el resto es historia.
71 créditos como actor, su carrera como director empezaría a principios de los 70, justo después de la trilogía del dólar, su primer gran clímax y posicionamiento como estrella. Pero su sapiencia empresarial lo llevaría más lejos que cualquier otro, pues con sus ganancias de aquellos y otros western, Clint fundaría su propia casa productora, Malpaso, en honor al riachuelo de su propiedad en el condado de Monterrey. Y he ahí otra historia… una repleta de éxitos, con una prolífica producción de films a través de 5 décadas y sobre todo el poder creativo de las mismas 41 piezas (y otras) que han salido de aquel “riachuelo”.
Más de 150 reconocimientos que incluyen 5 Oscar, 5 Globos, 3 reconocimientos de Cannes y un par de Venecia, recordemos a Clint Eastwood con sus 10 mejores películas, entre actor y director, porque sería imposible separar a uno del otro, pues notarán a continuación que el Clint director nunca hubiera podido ser “la leyenda” sin ese “Hombre sin nombre”, el Eastwood actor y también su principal “auto” influencia.
25 – Two Mules fo Sister Sara (Don Siegel, 1970)
POR EDGAR DEL VALLE
Película dirigida por Don Siegal y con la participación de Shirley MacLaine, Clint Eastwood y Manolo Fábregas. Se trata de un espagueti Western, cuya trama se desarrolla en México en los tiempos de la intervención francesa, en donde se da el encuentro entre un duro mercenario y una monja, teniendo que emprender juntos un accidentado viaje en donde quedará de manifiesto que tienen mucho en común. Nuevamente Shirley MacLaine realiza una actuación lo suficientemente buena para que la cinta sea divertida y cumpla con las necesidades del género, entregando no solo un equilibrio, sino también aminorando la cierta carga dramática del espagueti proveniente de Europa en cuestión a su visión americana
24 – Where Eagles Dare (Brian G. Hutton, 1968)
POR EL FETT
Un puente de aventura y drama bélico entre Dirty Dozen e Ingloriuos Basterds, que narra la misión de un grupo de élite aliado de infiltrarse en las líneas enemigas nazis para rescatar a un General para que este no informe a los enemigos del plan de desembarco en Normandía. Aunque es excesiva en su duración y claramente no cuenta con el sello anárquico de Dirty Dozen, su sofisticación actoral (Clint Eastwood y Richard Burton deberían ser suficientes) y su equilibrio entre la tensión dramática y la acción bélica la convertirían en un clásico “B” del género, y claramente una de las grandes influencias de Tarantino y sus Bastardos. De muy buenos momentos
23 – Kelly’s Heroes (Brian G. Hutton, 1970)
POR EL FETT
Otra vez bajo el mando directivo de Hutton, otra vez con un grupo aliado y renegado dentro de la Segunda Guerra Mundial, y otra vez con un poquito de excesos de metraje (que llevan a un par de altibajos entre su buena acción), la diferencia entre esta y “Where Eagles Dare”, es que esta es más una “heist movie” de comedia, donde un grupo de soldados se entera de una guarnición nazi guarda millones de dólares en lingotes de oro detrás de las líneas enemigas. Para Clint Eastwood la cinta resulta muy cómodo, y es que a pesar de que la comedia no era su fuerte, Hutton incrusta un tono de western y camaradería a lo “espagueti”, dotando a su grupo de buena química, diálogos y carismáticas actuaciones
22 – In the Line of Fire (Wolfgang Petersen, 1993)
POR EL FETT
Petersen parecía obsesionado en los 90 por matar al presidente de los Estados Unidos, resultado del contexto histórico de tensión y política y social, donde la creciente comunicación del pueblo ya comenzaba a ser factor al poner en tela de juicio a dicha figura y sus acciones. Aunque este thriller cae en varios lugares comunes y en cierta falta de ritmo, es el gran villano el que capta todo el interés tanto a nivel dramático, como en los momentos de acción, teniendo una de las grandes secuencias de persecución de los 90. Una muestra de su pericia técnica y de como salvar un thriller policiaco con chispazos de suspenso y acción de gran genialidad. Mención aparte para Clint Eastwood y Malkovich, sobre todo este último, que se traga la cinta completa.
21 – Paint your Wagon (Joshua Logan, 1969)
POR EL FETT
Esta es una de las combinaciones más raras e incomodas en la historia del cine, pero que también gracias al gran sentido de acción y aventura impreso por su director en más de dos horas de duración, se ha convertido en un peculiar referente de ambos géneros: el western y el musical.Ni Marvin, ni Clint Eastwood cantan un carajo, pero ambos (en especial Marvin) hacen que sus personajes se adhieran a la explosividad progresiva de su sólido guion y personajes, gracias a su sola presencia y gran carisma. En un tercer plano, el director mezcla a estos dos dispares rubros en un lienzo de odisea aventurera, que incluirá todos los elementos y clichés del género para llevarlos a una limítrofe narrativa de lo más rara, pero a la vez entretenida y morbosamente hipnótica.
20 – Richard Jewell (Eastwood, 2019)
POR EL FETT
Hablemos de lo mejor de Clint Eastwood de los últimos 15 años. Le costaron 4 héroes americanos, pero por fin lo logró: establecer un honesto interés sobre su protagonista a partir de la imposición de un correcto tono de suspenso, personajes con trasfondo, carisma y talento, y un entorno y situaciones creíbles, los cuáles giran adecuadamente alrededor de un “Jewell” perfectamente resucitado por Paul Walter Hauser. Por momentos intensa y dramática, por otro cautivante y hasta cómica gracias a la entrañable naturaleza del trágico Richard, Eastwood logra un balance entre su loable proyección de heroísmo y la crítica hacía dos de las esferas más ruines del sistema americano: los medios y el buró de investigaciones.
19 – American Sniper (Eastwood, 2014)
POR EL FETT
En el género existe un tono muy establecido que crítica la campaña mediante el análisis de la estadía del soldado en combate, psicología y estado emocional; llamado anti bélico, en lugar de ensalzar la batalla, se enfoca en los horrores y consecuencias de esta, proyectándola como insulsa y falsa, una cortina de humo para poder enriquecerse a consta de algunos sacrificios. Pero qué pasa cuando Clint Eastwood no crítica la guerra, sino al soldado y a la sociedad ¿Hay algo más patriota que la honestidad? Muchos llamaron a esto “propaganda patriotera”, siendo totalmente lo contrario: un relato sobre un soldado en particular y su objetivo: servir sin preguntar. Si bien dista de sus mejores piezas, se merece una mención por infravalorada.
18 – Bird (Clint Eastwood, 1988)
POR EL FETT
El jazz no es para todos, y tampoco lo es esta película. Como sus acordes, los 170 minutos de Clint Eastwood son ambiciosos y heterogéneos; parecerían estar a destiempo con una progresión de retazos, pero existe una extraña armonía que une todo su relato, y esa es la música de Charlie “Bird” Parker, la cual se funde de manera perfecta con su esencia y entorno fílmico, poseyendo en alma y espíritu a Forest Whitaker y entregando por consecuente la que sin duda es el testimonio audio visual más íntimo sobre el jazz desde su irrupción como remanente artístico, social y cultural en los años 40, pero también uno de los clásicos más injustamente olvidados de Clint, el cual le regaló su primera nominación en las premiaciones gringas (Globo de Oro).
17 – The Beguiled (Don Siegel, 1971)
POR EDGAR DEL VALLE
Tercera colaboración entre Siegel y Clint Eastwood, tras “La jungla humana” (1968) y Dos mulas para la hermana Sara (1970). Durante la guerra civil norteamericana, un soldado yanqui malherido (Eastwood) es rescatado por una jovencita de una escuela de señoritas del sur del país. Durante su recuperación se da a la tarea de conquistar a las colegialas y así el ambiente se irá enrareciendo a causa de los celos. Cinta enfermiza, casi de terror psicológico, que se desarrolla en un escenario no muy habitual para este tipo de temas. Con una estética morbosa y llena de sensualidad. Para algunos críticos la mejor obra de este director. Para 2017 contó con un desafortunado y curioso remake dirigido por Sofia Coppola, con Colin Farrell en el protagonico
16 – The Outlaw Josey Wales (Clint Eastwood, 1976)
POR EL FETT
En una época donde el género estaba al borde de su primera extinción, Clint Eastwood recapitula los seriales del espagueti para de manera oficial adaptarlos a su textura visual y ritmo. Si bien ya había experimentado con anterioridad y con mejores resultados, es en la dirección y actuación del renegado donde la evolución a la guía de Leone parece más palpable y adquiere una forma sustancial, cuando al asimilarse en forma, el ahora cineasta redefina el contexto y la estructura de sus personajes haciéndolos un poco más complejos. Ya llegará algunas décadas después el fruto de aquellos espacios narrativos semi lentos y caprichudos, donde él mismo parece construir desde 0 su aún lejano clímax en el género, pero por el momento esta tesis es de lo más.
15 – Absolute Power (Clint Eastwood, 1997)
POR EL FETT
Refinamiento directivo por parte de Clint Eastwood, aunque a primera vista este thriller sugiere una situación y coincidencia demasiado “irreal”, es la sapiencia de Clint Eastwood la que, a través de una construcción profunda de personajes y la impresión de un ritmo bárbaro, termina por regalarnos un relato de suspenso e intriga política del más alto nivel. Así pues, la historia de un experto ladrón que es testigo de un delito que incrimina al Presidente de los Estados Unidos, es un estudio sobre los bajos fondos de la corrupción gubernamental, pero también un manifiesto de redención que brinca lo ficticio para ser bastante real y humano. Las actuaciones son impresionantes
14 – Pale Rider (Clint Eastwood, 1985)
POR EL FETT
Los 80’s fueron en definitiva la peor época para el género, el cual se encontraba estancado y falto de originalidad con una fórmula clásica que para los mediados de aquella década parecía ya cansina y casi sin ningún atractivo hacía con la audiencia. Pero algunos valientes se sostuvieron, principalmente el hijo del espagueti y forjador de la escuela del género. Si bien aún faltaban 7 años para que dicho hijo prodigo cambiara el destino a favor del rubro, por el momento la historia se tenía que conformar con el remake de Shane (1953), pero con dos virtudes que confirmarían la madurez directiva de Clint Eastwood: la inclusión del elemento espiritual en la reestructuración de sus personajes, y un tono mucho más oscuro en un claro homenaje a su vengador errante de los 60’s
13 – Per qualche dollaro in piu (Sergio Leone, 1965)
POR EL FETT
En la segunda parte de la llamada “trilogía del dólar” Leone relata una historia de la absoluta nada, desarrollando a través de sus característicos personajes una triple cacería humana impregnada de planos cortos que aumentan la intensidad y el suspenso en cada secuencia hasta la llegada de ese extraordinario duelo final bajo la partitura de “A degüello” del genio Ennio Morricone. Una de las principales fortalezas de esta desértica maravilla es la ambientación y la fotografía, pues la Almería se convierte en un espejismo amarillo de arena y soledad mexicana, un pueblo desolado y olvidado por los Dioses. Un western lento de ejecución y grandilocuente en su visión, que servirá como antecedente para la mayor obra por venir.
12 – Gran Torino (Clint Eastwood, 2008)
POR EL FETT
Debo aceptar que al principio rechacé esta propuesta descarada de “auto homenaje” a un estereotipo eterno por parte del Clint actor, estableciendo su bono y posición de vejez a través de ciertos cambios de aceite y registros en lo que vendría a ser su nuevo “arquetipo” de “baby boomer patriota, bondadoso y heroico”. Es cierto, Clint Eastwood también con el pasar de los años se reveló como un mejor director que actor, pero entonces ¿por qué cedi ante ella con el pasar de los años? Por qué a pesar de su convencionalidad y vehículo de lucimiento ¡Por Dios! ¡Que puto lucimiento! Y es que así deberían de funcionar todos los “auto lucimientos” en el cine, con esa presencia, seguridad, diálogos y por supuesto, excelente y emotivo giro final.
11 – Per qualche dollaro (Sergio Leone, 1964)
POR EL FETT
Una calca argumental de Yojimbo (de hecho tuvo problemas legales), la segunda cinta de Leone representa el origen de la corriente espagueti con esa colorida representación americana, complementando la versión “western” de Kurosawa con ese símbolo y cambio evolutivo que significa cambiar el sable por la pistola en el final de una era de honor y el comienzo de una salvaje, dos universos que comparten el misticismo, la violencia, la pasión y la auto destrucción. Volonté se desempeña como un bandolero desalmado y que es el antagonista de Clint Eastwood, presentando un personaje con un gran resentimiento social y que su único fin es la venganza. Este papel le permitió ser conocido a nivel mundial.
10 – The Bridges of Madison County (Clint Eastwood, 1995)
POR EL FETT
A la fecha sigue siendo una excelente curiosidad en su carrera; tanto como director, al enfrascarse en un romance de tintes melodramáticos alejado de su zona de confort; como también como actor, y es que con 65 años, Clint experimentaría no solo una de sus mejores interpretaciones dramáticas, sino también su mejor ¿y único? (aunque por ahí figura The Beguiled, pero no es exactamente una cinta “de amor”) papel romántico y de galán al andarse ligando a una también extraordinaria Meryl Streep. Como narrador, Clint Eastwood provee de un loable ritmo a este relato que en un segundo plano y adepto a su ideología patriotera, también se convierte en un homenaje a la vida rural “y romántica” de Los Estados Unidos y sus “boomers”.
9 – Escape from Alcatraz (Don Siegel, 1979)
POR EDGAR DEL VALLE
Nuevamente se reúnen Siegel y Clint Eastwood, para narrarnos el plan de fuga de un reo (Eastwood) de la prisión de Alcatraz, cárcel de máxima seguridad de la cual nunca ningún prisionero ha conseguido evadirse. Siegel consigue una descripción austera sobre la vida en prisión y la minuciosa y absorbente reconstrucción del plan de fuga y su puesta en práctica. Con su trabajo de edición logra el director momentos realmente tensos y mantenernos atentos en torno a la trama del filme, siendo este uno de los sellos característicos de su narrativa y que forjó incluso antes de ser director. Un clásico de la acción y de los relatos carcelarios, esta sería su última gran obra antes de su retiro en 1982
8 – Letters form Iwo Jima (Clint Eastwood, 2006)
POR EL FETT
Una de las más inventivas cintas bélicas de todos los tiempos que gracias a la experiencia combativa y directiva de Clint Eastwood encausa un realismo dramático difícil de encontrar en otros ejemplos del género. Pero el principal valor no solo radica en este toque narrativo tan distintivo, sino en que el conflicto es narrado de parte de los japoneses, convirtiéndose así también en un rico testimonio histórico y de estructura de una serie de entrañables personajes. Como dato curioso, este ejercicio salió a la par de su contraparte “gringa”, en un “doublé pack” directivo y muy ambicioso por parte de Clint que terminó por regalar a esta parte “japonesa” todas las mieles de la victoria fílmica, pues Flags of our Fathers es poco más que nefasta.
7 – A Perfect World (Clint Eastwood, 1993)
POR EL FETT
Si analizamos su obra como director, podemos apreciar un simbolismo escondido, la de la figura paterna; como pistolero, coach de boxeo, cabecilla del hampa o anciano retirado, dicho elemento lo ha acompañado en algunos de sus mejores films y en la mayoría de las ocasiones fungiendo este como sustituto, en una especie de elemento paternalista adoptivo. Dentro de este contexto está A Perfect World, una de sus más crudas y conmovedoras historias relatadas con un detallismo sobrecogedor. Road movie, western, rica en simbolismos políticos, paternales y de empoderamiento femenino, esta es una de sus mejores y más olvidadas piezas, que curiosamente también presenta a un inmejorable Kevin Costner
6 – Dirty Harry (Siegel, 1971)
POR EL FETT
Un vaquero de asfalto era el complemento y la evolución perfecta para dar el salto protagónico del western al thriller y a la acción, géneros que representaban un entorno encomiable para su figura y que aquí dieron como resultado también a su segundo personaje integro de la cultura pop. A la orden de Siegel, Clint Eastwood experimentaría no solo esta transición como hombre policíaco y/o de acción, sino también en el rubro dramático, logrando forjar una clara influencia en su posterior carrera directiva y en lo que refiere a esta excelente y entretenida pieza, una referencia en los relatos policíacos por venir de parte del arquetipo del policía rudo y rebelde creado por ambos. Los diálogos de Harry en Eastwood son míticos.
5 – High Plains Drifter (Clint Eastwood, 1973)
POR EL FETT
Uno de los relatos más complejos, oscuros y espirituales en el western; un misterioso pistolero llega al pueblo de Lago para imponer una dictadura y transformar su supuesta tranquilidad en un infierno (cambia el nombre de Lago en Hell), escenario perfecto para aguardar y ejecutar su venganza. Clint Eastwood decide salvaguardar la figura de su personaje espagueti (El hombre sin nombre) para adaptarlo a otra ficción fuera del contexto de Leone y darle un giro de tuerca que deja sobre la mesa un mensaje vengador y espiritual (temas recurrentes en su filmografía), sin embargo lo que resalta en realidad en Lago, es la extravagancia impuesta por Eastwood con ciertos símbolos surrealistas y de crítica social.
4 – Million Dollar Baby (Clint Eastwood, 2004)
POR EL FETT
Sin duda el epitome de su tema patriarcal es también la conexión perfecta y clímax entre el Clint director y actor. Uno de los mejores dramas deportivos y ganadora del Oscar, la confirmación de su figura de culto (ahora como cineasta) se ve ensalzada por una gama actoral sinónimo de perfección, logrando no solo una química paternalista con Swank entrañable, sino también de nuevo con su socio actoral por excelencia, Morgan Freeman, en una unión que ya había desplegado excelencia en 1992. Un film sencillo en apariencia, pero que engloba una complejidad directiva sobresaliente, desde el bello manejo de esos planos “western” y su adaptabilidad al mundo del deporte ¿Han notado hasta aquí la influencia eterna de su espagueti?
3 – Il buono, il brutto, il cattivo (Leone, 1966)
POR EL FETT
Como si tratase del más bello relato mitológico, Leone despliega una excelsa odisea a través del territorio americano en plena guerra civil, donde tres forajidos con motivaciones y “personalidades” muy dispares persiguen un mismo fin. Las asociaciones y juegos mentales entre los protagonistas no se hacen esperar, y Leone entrega su obra más ágil y rítmica, que también significa el compendio del western por excelencia, una guía de ficción épica, estética técnicamente superior que engrandece la historia del lejano oeste y de la cinematografía durante sus más de 50 años de vida. Divertida, compleja, trágica, emotiva, dramática y sencillamente magistral, el “Hombre sin nombre” es punto de llegada y de partida para el género.
2 – Mystic River (Clint Eastwood, 2003)
POR EL FETT
Debió haber ganado otro Oscar ese año a mejor película, y es que estamos hablando de uno de los puntos más altos en cuanto al cine thriller se refiere. Oscura, ágil y misteriosa, el tema del abuso es el punto de partida para encausar un complejo estudio de personajes que desemboca también en un sutil pero trágico cuento de gánsteres aderezado con los elementos policiacos aprendidos desde Siegel. Una excelsa narrativa de 3 ejes (Penn, Bacon y Robbins en sus puntos máximos) dentro de un caso que siempre se posa al borde del suspenso y de lo impredecible, y que como el genial narrador que es, se ve ensalzado por una escena final que completa el círculo perfecto que crudamente se establece desde su inicio. Gran, gran cinta.
1 – Unforgiven (Clint Eastwood, 1992)
POR EL FETT
La más pura concepción del western como el adjetivo que siempre lo acompaña, salvaje; Unforgiven es la obras del género más cruda y adepta a la realidad de aquel desolado y ruin tiempo; una utopía conformada por el silencio y su interrupción súbita por la más pura e imperdonable violencia. Clint Eastwood logra no solo resucitar, sino concebir la definitiva y verdadera naturaleza de su hombre sin nombre, un ser despreciable que se concluye así mismo con un diálogo sublime que resume la joya en cuestión y que provee a todo el film de esa constante tensión y veneración necesarias para recordar que el vaquero, el vengador, el escorpión, el bueno, el malo y el feo no han muerto, y que nunca lo harán: