Las 30 Mejores Películas Sobre Educación y Profesores.
En un mundo donde el conocimiento y la especialización se han vuelto una herramienta no solamente de trabajo sino de desarrollo intelectual, la figura de un profesor cobra bastante importancia; pues no solamente puede influir en el desarrollo cognitivo, sino incluso en el social e individual de una persona.
El cine como un reflejo de la sociedad ha retratado a través de sus películas diferentes ópticas de la enseñanza; desde profesores preocupados por el desarrollo de sus alumnos tanto cognitivo, como moral y personal, desde aquellos con métodos poco ortodoxos.
En honor a estas fechas presentamos el top 30 de las mejores películas de enseñanza y/o sobre profesores
Nota: No hay “coach” deportivos
The Children’s Hour (William Wyler, 1961)
Por El Fett
Con seguridad puedo afirmar que esta es la cinta más arriesgada de Hepburn en su carrera, de un argumento que en aquellos tiempos pudiera sonar incluso a tabú y en donde la actriz debe abandonar su faceta romántica y tragicómica para meterse de lleno dentro de un registro dramático exigente para abordar la historia de dos maestras acusadas de lesbianismo por una vengativa estudiante. Un remake y una cinta menor en la carrera de Wyler, que si bien muestra algunas debilidades tanto en su guion como en las propias actuaciones, resalta en el empeño y la química de Hepburn junto con MacLaine. Está levemente relacionado incluso con la trama de The Hunt de Vinterberg, con la encontrarán varias similitudes. Una notoria curiosidad.
Les Choristes (Christophe Barratier,2004)
Por el Cine Actuario
Película francesa que narra la historia de un profesor de música que acepta un trabajo en un internado de reeducación de menores. A pesar de ser una premisa simple, la humanidad con la que retrata la imagen del catedrático es invaluable, especialmente en escenarios crudos dónde el alumno es etiquetado como “problema” y el docente a través de su disciplina busca la manera de que el estudiante tenga la segunda oportunidad que la sociedad le niega. Aunque ya es repetitiva, es la ejecución de la dirección y los actores lo que le da el plus por encima de otras, y por supuesto su sinceridad al demostrar que el arte puede ser la mejor herramienta de educación y de transformación social (están cantando, no cantan bien pero cantan)
The Class (Laurent Cantent, 2008)
Por el Cine Actuario
Cinta de origen francés que retrata las dificultades de un profesor por integrar a diferentes etnias a una clase de lengua francesa de una escuela secundaria de un barrio obrero. Con un tacto bastante humano, Laurent consigue darle a una problemática escolar de adaptación cultural y de articulación colectiva una cosmovisión social mucho más amplia sin caer en los maniqueísmos clásicos del sub-género (profesor inspira a sus alumnos a ser mejores) ya que no todos sus alumnos son igual de receptivos a las enseñanzas del maestro adquiriendo una perspectiva Incluso más realista. Recomendada como película inspiradora, así como retrato social de la migración.
Crouching Tiger, Hidden Dragon (Ang Lee, 2000)
Por Arquicruz
Gran guerrero y último con vida de la antiguos guerreros del monasterio de Wu Dan, donde su maestro Grulla Blanca lo enseñó a él. Ahora recorre todos los estados del amplio y vasto imperio chino tratando de olvidar los sentimientos hacia su compañera Yu Shu Lien, a quien no puede poseer por respeto a la memoria de su amigo y ex prometido de la susodicha. Pero en lo que se planeaba ser una simple visita con un viejo amigo, el guerrero se topa con la segunda cosa que más añoraba su corazón: Un verdadero discípulo. ¿Hasta dónde debe llegar un maestro para rescatar lo que considera un prodigio? Chow Yun Fat se encarga de traer a la vida a este gran personaje, inspirado de leyendas y cómics originarios de China.
Dead Poets Society (Peter Weir, 1989)
Por el Cine Actuario
La película a pesar de tener una moraleja aleccionadora, en el terreno de las cintas “sermoneras”, esta tiene el toque de poseer una mejor ejecución; principalmente por su dirección, la cual corre a cargo de Peter Weir, un buen director cuya fotografía es de excelente calidad, y por supuesto la increíble actuación de Robbie Williams, quien es el principal hilo conductor de la trama en un papel tragicómico. Todos estos elementos combinados generan una película llena de mucho espíritu y corazón, demostrando que el arte es necesario para mantenernos vivos, incluso en una versión un poco más homilía (Oh mi capitán, mi capitán)
Detachment (Tony Kaye, 2011)
Por El Fett
Kaye es uno de esos directores “one hit wonder” que con “Historia Americana X” logró colarse en el Olimpo del cine americano. Aquí y tras mucho tiempo inactivo, intenta conectar otra batazo que de cierta manera logra golpear el modus operandi del americano al criticar nuevamente el estrato social y educacional bajo, pero que debido a su cercanía con otros productos símiles y al menos mejor recordados (Aulas peligrosas y Stand and Deliver, por mencionar algunos), en su forzado intento de diferenciación deja algo muy frustrado y narrativamente inconexo. Aquí entra Brody a salvar lo que pudo haber sido un gran fracaso, y es que el dominio que ejerce sobre su “indiferente” profesor, es verdaderamente notable
Druk (Thomas Vinterberg, 2020)
Por El Fett
Una rica exploración a la soledad y a la amistad de un grupo de profesores, Vinterberg abandona su conocido tono trágico (consecuencia de la trágica muerte de su hija, a quién dedicaría su Oscar en un discurso emotivo) para abordar un tema por demás interesante y analíticamente bien justificado en torno al alcohol y a sus efectos – consecuencias sociales – laborales y emocionales. Es de notarse la progresión dramática de los hechos tal y como se tratase de una buena borrachera salida de un problema personal, pasando narrativamente por todos los estados que el consumo de dicho elixir suele disparar. Su liberador final quizá se contraponga con su estilo, pero no deja de ser tan alentador como emocionante
Election (Alexander Payne, 1999)
Por El Fett
Gran e ingeniosa cinta que posicionó rápidamente a Payne como un narrador crudo y enfocado en analizar no solo la naturaleza social humana, sino también su estupidez. Aunque por momentos el aún novato director cae en sutiles ligerezas y clichés, por medio de las elecciones en cierta universidad americana se desglosa una rica metáfora y crítica sobre el sistema político y burocrático gringo, su sed de poder, pérdida de valores e irresponsabilidad. Tan cómica como incomoda, uno de los mejores guiones de los 90 fue también un reflejo de los vicios de la generación MTV, irónicamente producida por el mismo canal y convertida en un icono de la cultura noventera a finales de su década.
The Empire Strikes Back (Irvine Kershner, 1980)
Por El Fett
Maestro de maestros, Yoda es un ser que personifica toda la sabiduría sobre elemento narrativo que rige a toda la saga: la fuerza. Visto por primera vez en el ahora episodio V, El Imperio Contraataca, Yoda es el encargado de continuar el entrenamiento del terco e inmaduro joven Skywalker, heredero de un destino que podría sepultar por completo a los Jedis o traer ese tan esperado rayo de luz que el Universo buscaba. Frank Oz hace la voz de este amado y respetado personaje, el equipo de efectos especiales hace un gran trabajo con este ser al darle expresiones tan geniales, sobretodo en el momento que el antiguo maestro revela su identidad ante el incrédulo joven padawan
Finding Forrester (Gus Van Sant, 2000)
Por Flaco Cachubi
En Finding Forrester de Gus Van Sant, Connery ofrece lo que podría llamarse una breve pero sustanciosa actuación. Las pocas apariciones de su personaje son lo que le pone la sal y pimienta a una obra que engrosa la larga lista de cintas sobre el triunfo del espíritu, con su respectiva cuota de sentimentalismo, no por ello dejando de ser rescatable. En su penúltima aparición en pantalla, Connery interpreta a un anciano escritor recluido en un departamento, cuya vida se cruza accidentalmente con la de un muchacho afroamericano con quien desarrolla una amistad basada en el gusto de ambos por la literatura. De ser ésta su última película, estaríamos hablando de una digna despedida; lamentablemente no fue así, pues protagonizó una incipiente “Liga”
Good Will Hunting (Gus Van Sant,1997)
Por El Fett
Dejaré que Alex Chávez, doctor en psicología y amante de esta cinta y en particular de esta actuación nos escriba el siguiente análisis, no sin antes expresar mi admiración hacia el actor en un papel poderosísimo que debe quedar registrado como una de las mejores actuaciones de reparto de la historia, llena de complejidad, de emociones y sentimientos, la interpretación de Williams bajo el mando de Van Sant y en compañía también de la armoniosa y explosiva química con Damon, es casi en su totalidad lo que motiva a recordarlo. Irónico, pues en este papel vemos al menos cómico de los William´s, pero también al más talentoso.
“Al psicólogo siempre se le enseña a no vincularse emocionalmente con el paciente, nada más falso que eso, sin el involucramiento emocional la empatía no se puede llevar a cabo para ayudar a una persona a confrontar la problemática de vida que está padeciendo. Robin Williams nos enseña esta lección en su mejor actuación, al mostrarnos que la honestidad es más importante que el papel de psicólogo inalterable, frio y distante. Nos enseña que el recuerdo de su esposa muerta es más importante que un joven inteligente y altanero, y que sin embargo, acepta el reto de atenderlo, porque sabe que Matt Damon en su papel de Will, puede significar la ayuda empática que le puede servir para avanzar en su profesión sin un reto verdadero y el recuerdo de su esposa que lo estanca”.
Goodbye Mr Chips (Sam Wood, 1939)
Por El Fett
Uno de los films más emotivos y funcionales en cuanto a la comunicación de valores se refiere, dejando de lado la moraleja “aleccionadora” en que muchas cintas de esta índole caen de manera propositiva o accidentada (véase La Sociedad de la poetas muertos). En mucha parte esto fue gracias a un O´Toole en la cumbre de su carrera (de nuevo ese Oscar se le fue inexplicablemente de las manos), logrando con su “maestro” uno de los símbolos más cautivadores de la esperanza de paz y lucha frente a la inevitable Primera Guerra Mundial. Tanto la cinta (un excelente debut de Herbert Ross), como el papel de O´Toole se irán transformando en elementos de gran influencia para todos los relatos escolares por venir
Half Nelson (Ryan Fleck, 2006)
Por El Fett
El tono que imprime el propio director al grabar cámara en mano, y metiéndose literalmente hasta en el organismo de su deformado protagonista, es lo que ayuda en mucha parte a que Gosling logre conectar y manifestar un personaje que incluso momentos parece real, casi de forma documental. Primera nominación al Oscar (y única justa de su carrera), Ryan interpreta a un profesor adicto a las drogas, y que a la hora de ser desenmascarado por una de sus estudiantes, no tendrá de otra que darse cuenta de su camino de autodestrucción y consecuente ¿redención? Si bien muchos de los momentos “documentales” de Fleck rompen el ritmo de la cinta en varias ocasiones, ahora es la espontaneidad de Gosling la que salva la cinta
Harry Potter saga
Por Arquicruz
Una saga repleta de figuras docentes y mágicas, quizá la labor de la enseñanza se refleja más en los primeros tres capítulos (del cuatro al ocho la escuela poco importa), pero sin duda la figura del “Maestro” es un elemento constante de la narrativa, sobre todo cuando hablamos del más querido y menospreciado de todos, Severus Snape, el giro argumental que lleva toda la carga dramática del mismo. Snape refleja al estereotipo de maestro que todos hemos tenido y odiado a lo largo de nuestra vida escolar, un maestro oscuro, amargado, rencoroso, sarcástico, que nunca pierde la oportunidad para hacerte más miserable tu vida. Pero que al igual que en la saga de Potter, lo hacía por nuestro bien
The Hunt (Thomas Vinterberg, 2012)
Por El Fett
Una rotunda joya y una de las mejores obras dramáticas de al menos los últimos 20 años. La sutileza de la misma “acción” juega de manera favorable para proyectar complejos tópicos que enriquecerán su intensidad dramática: desde el tema del abuso infantil y sus inadecuados protocolos de seguimiento escolar, social y psicológico, hasta la manera de cómo impacta dentro de una pequeña sociedad europea; Vinterberg incluye sobre estos temas dos ejes también fundamentales en su filmografía que aquí verán su clímax: la disfuncionalidad familiar y la amistad, misma que se resquebraja a partir de las “acciones” de un maestro de kínder que supuestamente abusa de una niña, hija de su mejor amigo. La secuencia cumbre en noche buena es ya un clásico
Indiana Jones saga
Por Arquicruz
Las aventuras del Profesor Jones son de lo mejor que nuestra generación pudo haber disfrutado en cuanto al género de aventuras, y de los mejores legados que nos dejó Lucas en sus años mozos. Inteligente, sarcástico, valiente, conocedor y con más suerte que el Chicharito cuando se topa con el gol del gane, Indiana Jones es el mejor aventurero catedrático que ha tenido el mundo cinematográfico en estas últimas décadas. A cargo del conocido hombre de una sola mueca, Harrison Ford, este es uno de sus personajes más entrañables y fascinantes al hacer de lo que muchos consideran, materias aburridas o de relleno, algo interesante y vigorizante.
The Karate Kid (John G. Avildsen, 1984)
Por Arquicruz
No existe maestro más querido y reconocido que el encarnado por Pat Morita en aquella inolvidable cinta The Karate Kid, donde el Señor Miyagi toma bajo su tutela al debilucho de Daniel, quien era constantemente agredido por un grupo de jóvenes delincuentes que hacían mal uso del conocido arte marcial Karate y cuyo cruel sensei los instigaba a ser crueles con los más débiles. Toda la gloria del cliché. El querido maestro es un personaje tridimensional, cuya historia denuncia el cruel trato que los estadounidenses tienen hacia los migrantes japoneses en la Segunda Guerra Mundial y forma parte del obligado pasado tormentoso de un ser que busca redimirse al ser la figura paternal que nuestro héroe no posee.
The Kindergarten Teacher (Sara Colangelo, 2018)
Por El Fett
A pesar de los ciertos baches narrativos, una efectiva tarea de reestructura en su guion permite emerger el brillante desempeño de Maggie Gyllenhaal en el que sin duda es el más complejo y maduro papel de su carrera. La actriz entrega un exquisito y enfermizo (y hasta un poco sexual, sello de la casa) retrato de obsesión y auto destrucción con una singular frialdad que para su clímax llega a estremecer. Ella es el punto clave del film que acapara todo las esquinas de su argumento y en el que recae todo el sentido y esfuerzo directivo de Colangelo, en lo que se convierte en una química directora – actriz fascinante. Sin duda un remake que gracias a Gyllenhaal es incluso superior a su original presentación de origen israelí.
L’Enfant sauvage (Francois Truffaut, 1970)
Por el Cine Actuario
Película francesa basada en un hecho real sobre un niño llamado Victor, que fue encontrado en los bosques de Francia y cuya infancia la pasó lejos de la civilización y quién el doctor Jean Itard intentó educarlo para insertarlo a la sociedad. Con un estilo documental en blanco y negro, la cinta relata la importancia del proceso de socialización en el ser humano en una etapa temprana y como es clave para el desarrollo de los individuos, mientras que también la película juega con una tesis de si Víctor está desprovisto de un sentido de moralidad, o su moralidad es más natural derivado de sus orígenes. Excelente película con diferente lecturas, una de ellas la enseñanza no solamente depende el emisor sino del contexto del receptor.
La Ola
(José Luis Cuerda, 1999)
Por el Cine Actuario
Cinta española que habla de la relación entre Don Gregorio y uno de sus alumnos Moncho durante la Guerra Civil Española. Destacan su excelente fotografía, que va completando a la escritura de acuerdo al desarrollo de personajes y escenarios. Por otro lado, están los diferentes subtextos que lanza el guion, desde la importancia del desarrollo de la curiosidad como herramienta para alcanzar el pensamiento crítico y por consecuencia la libertad, así como del entorno social y familiar en el desarrollo del aprendizaje de un niño. Una cinta que puede visitarse no solo como parte de la memoria histórica de un excelente país como España, sino como una revisión de las consecuencias intelectuales de un conflicto bélico.
Lunana: A Yak in the Classroom (Pawo Choyning Dorji, 2019)
Por Vilma Aida
Podemos pensar que esta es una historia más de un chico (obligado a ser profesor de primaria por servicio social) que en un lugar remoto se descubre a sí mismo, y si, de alguna manera lo es, pero aquí lo interesante es que está contada de una manera tan ligera, sin clichés y con metáforas bellísimas de la vida que la convierte en una gran película. Filmada en lugares espectaculares, mostrándonos una cultura tan rica y espiritual como lo es la de Bután. Tocando temas actuales, hablan del cambio climático, el aislamiento de los jóvenes por medio de la tecnología, el respeto a las tradiciones, pero lo más bello es el descubrimiento espiritual y la conexión con nuestras raíces ancestrales.
Matilda (Danny DeVito, 1996)
Por El Fett
Divertida y obligada cinta tiene una chispa especial provista por la misma naturaleza de los personajes de Roal Dahl: una niña con poderes telequinéticos que descubre ser más lista que sus padres, los cuales son un estorbo en su desarrollo intelectual al negarle el acceso a la lectura y obligarla a tareas idiotas que incluyen las actividades ilícitas pero inofensivas de su padre. Quizá el ejemplo más claro de los elementos narrativos del autor, el mundo de Matilda está conformado por abusadores adultos, unos padres idiotas y una directora escolar que gusta de torturar niños, barreras del crecimiento y desarrollo que encontrarán en la dulce Maestra Honey la perfecta salida hacia el entendimiento y amor fraternal y familiar.
The Miracle Worker (Arthur Penn,1962)
Por Edgar del Valle
En su segunda película, Penn realiza una de sus mejores obras, contando para ello con las grandes actuaciones de Anne Bancroft y Patty Duke. En este drama biográfico sobre la vida de Helen Keller, se narra la relación de una niña sordomuda mimada con motivo de su enfermedad y los esfuerzos de su maestra por romper su aislamiento. Penn al evitar el sentimentalismo que por lo regular se presenta en este tipo de filmes, logra que el desarrollo sea a la vez feroz y emotivo, pero sin caer en excesos. El director fue nominado al Oscar y las dos actrices se hicieron acreedoras al premio como mejor actriz y actriz secundaria respectivamente.
Monsieur Lazhar (Philippe Falardeau, 2011)
Por Arquicruz
En la escuela pública de Montreal se ha abierto una vacante para profesor de primaria ¿La razón? La maestra encargada decidió colgarse en el mismo salón de clases donde impartía a sus “queridos” niños. Por obvias razones, es difícil encontrar con un remplazo dada la naturaleza del suceso, aparte de tener que lidiar con los niños y su temprana experiencia con la muerte. Pero para eso llega este elegante caballero chapado a la antigua: Bachir Lazhar, un inmigrante de Algeria y que busca asilo político. Gran historia donde vemos una crítica de como el sistema educativo se aleja más de ser una autoridad que guíe a nuestros hijos y más en una burbuja sobreprotectora la cual todos temen que se romperá a la más mínima situación adversa.
Ni uno menos (Zhang Yimou, 1999)
Por El Fett
El segundo de León Oro de Yimou, respeta los estatutos sociológicos que lo llevaron a ser el cineasta chino con mayor honor en las décadas previas al término del milenio. Sencillamente adorable, la narración logra sumergirnos en el interior de un salón de clases para que a través de un poderoso dramatismo y comedia natural, seamos testigos de las condiciones sociales alrededor de la educación china (y posteriormente del poder de los medios y de ese mensaje humanitario de su sociedad, mismo que se aleja de cualquier manipulación). Nunca una clase de matemáticas sobre ladrillos, yenes, tiempo y costo de un boleto de autobús, había sido tan entrañable y de perfecto ritmo como esta.
La ola (Dennis Gansel,2008)
Por el Cine Actuario
Cinta que rompe con los convencionalismos clásicos de las películas de enseñanza, yendo al extremo al mostrar como un profesor con métodos poco ortodoxos, les demuestra a sus alumnos los peligros de la autocracia y de cómo una dictadura puede aparecer en cualquier democracia. Con una edición impecable y una fotografía absorbente, “La Ola” es una cinta ideológicamente robusta que toma como base la descripción de un grupo de individuos con conflictos emocionales, bastante moldeables y sin inspiración, el blanco perfecto para que el experimento se salga de control, demostrando que no importa la memoria histórica, mientras la apatía y la ignorancia existan siempre las ideas radicales renacerán en cualquier sociedad.
School of Rock (Richard Linklater, 2003)
Por El Fett
La cinta más divertida pero también más alejada del estilo del estilo de Linklater, se convirtió en uno de esos clásicos atemporales apto para todo tipo de audiencias y generaciones: desde los rockeros nostálgicos de la generación X (y algunos baby boomers), hasta los millennials en pleno apogeo adolescente y los primeros centennials, estos últimos son directamente retratados en una educación que debería ser imperativa hoy en día dentro de todas las escuelas, logrando gracias a un excelso casting una amalgama y química espectacular entre la comedia, el musical y el homenaje al buen rock. Mas rock y menos reggaetón ¡Una nueva reforma educativa y una de las más divertidas comedias de aquella década.
To Sir With Love (James Clavell,1967)
Por El Fett
Quizá sea su papel más conocido y mediático (incluso muchas personas pueden confundir su premio Oscar con este), el de un ingeniero sin trabajo que acepta ser el maestro de un grupo de estudiantes hijos de puta, con los que a la larga tendrá que usar “nuevos métodos de enseñanza”. Un dato curioso, es que independiente a la gran capacidad y adaptabilidad dramática que denota en este trabajo, fue en aquel año donde Poitier se consagraría como actor no solo gracias a esta, sino también a la gran y olvidada ganadora del Oscar de aquel año, y por supuesto al personaje de índole “racial” más simbólico de su carrera. Es innegable que en ningún otro papel habría tenido una mejor presencia
Whiplash (Damien Chazelle,2014)
Por El Fett
Una experiencia inusual y truqueada, pero no por eso menos maravillosa. Chazelle en un solo acto compromete al relato y al espectador a unir sus emociones para soportar una trepidante, tensa y ágil historia sobre la obsesión que al mismo tiempo se convierte en una alegoría que supone la creación del mismo jazz. Para sus detractores, si bien el joven director utiliza ciertos elementos en redundancia para el funcionamiento de su drama paternalista (incluso el tema Caravan y la repetitiva pero formidable actuación de Simmons), habrá que recordar un clímax de casi 20 minutos que ya quisieran encausar muchos de los más experimentados. De antología indie.
X-Men (Bryan Singer, 2000)
Por Arquicruz
Profesor Equis para la banda de sol, en especial a los que disfrutamos de la serie animada que pasaban por Tv Azteca, razón por la cual estos mutantes despreciados por el mundo que juraron proteger son más conocidos que los mismos Avengers. Entre toda esta fina colección de personajes súper poderosos resalta la figura paternal del querido Charles Xavier, quien con sus asombrosos poderes mentales, dirige a los suyos con el afán de crear un mundo donde la humanidad y los mutantes no peleen a muerte. Este querido maestro fue interpretado por Patrick Stewart y su versión más joven en manos de James MacVoy ,quien también logra entregar una adaptación bastante buena del joven profesor.
1 Comment
Desde mi perspectiva, me parece imperdonable no haber incluido “Mr. Holland’s Opus” en esta lista. Véanla si aún no lo han hecho.