10 Grandes Figuras del Rock de la historia y su aportación al Cine (1 de 2)

Así como en el cine, mi amor por la música es selectivo y peculiar; si bien me considero un versátil en cuanto a este arte mi oído tampoco acepta cualquier calaña que osa en muchas ocasiones llamarse así mismo “música”, sin embargo se distinguir la calidad del artista basado en ciertos fundamentos o conocimientos adquiridos de manera heredada o autodidacta haciéndome desde niño de una vasta biblioteca que aún en día se sigue actualizando tanto del pasado como del presente gracias a las nuevas tecnologías y a la comunicación global.

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Así, desde la música clásica de Beethoven y Mozart, los fundamentos góspel, folk y blues de Martha Bass, Bob Dylan o los hermanos King, pasando por el rock n’ roll y su evolución prolífica y comercial provista por los Beatles  o Eric Burdon y sus Animals , llegando a la psicodelia de Velvet Underground y al progresivo, transformándose en el pop, el disco y trasgrediendo la época con el punk de Sex Pistols, arribando su época de hard y el metal, tomando un nuevo curso con la llamada muerte del “rock” hacia el grunge con Nirvana, y finalmente haciendo surgir la tendencia “indie” y el los acordes electrónicos, podría decirles que su servidor puede escuchar desde grupos casi aún en el anonimato como Be Bop Deluxe y The Durutti Column hasta Oasis; desde mi genero favorito el blues con mis héroes Stevie Ray Vaughan, Jeff Beck , Albert King o Roy Buchanan hasta figuras más contemporáneas como el fantástico Gary Clark Jr. o el cochino de Walter Trout; desde las voz imponente de Leonard Cohen hasta los cantares celestiales de Dido; desde la depresión del grunge con Pearl Jam o Radiohead hasta la fiesta latina con Los Fabulosos Cadillacs o bien la época de oro del buen rock mexicano; desde el culto punk-rock de The Cult hasta los metales de Metallica o a las cuerdas explosivas de AC/DC o Iron Maiden; desde el clásico Elvis hasta la innovadora St. Vincent o bien, desde las metáforas acústicas de Nick Cave hasta el indie de The Killers ¡En fin! Una cantidad de agrupaciones, solistas y géneros que han marcado no solo mi vida sino mis emociones durante 29 años de vida (Y contando)

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¿Pero porque el cazarrecompensas habla de música en un blog de cine? Bueno, este post es la antesala de mi entrada #1000 en Cinescopia, un suceso del cual no solo me siento orgulloso, sino muy emotivo. Por tal razón pueden tomar esta primera parte cinéfila – musical como el primero de una serie de post “festivos” como mi forma de festejarme, festejar a Cinescopia y principalmente agradecerles a mis colegas y a ustedes por leerme, aguantarme, discutirme, opinarme y saludarme.

En estas entradas y listas no solo revisaremos la aportación de mis preferencias musicales al cine, sino una serie de rankings donde pretendo comunicar el amor y la importancia que la música y principalmente el séptimo arte tienen en mi vida

Comencemos por este ¿Quieren? La aportación de mis 10 bandas, solistas y/o artistas musicales favoritos  al mundo del cine, con algunos momentos inolvidables y una pequeña reseña histórica de su paso o colaboración en dicho plano. Vamos con la primera parte

NOTA: Los mejores discos, rolas y momentos son solo mi gusto y apreciación

 

Bonus. Moby (Estados Unidos)

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Discografía de Estudio: 13 discos que datan de 1992 con el álbum homónimo Moby hasta la una nueva versión y agregados del disco Hotel (2005) el pasado 2014 con Hotel: Ambient

Mejor Disco: Play (1999), álbum con toques de blues, góspel y de inclusiones de algunos clásicos country bajo la tutela electrónica de su autoría y gran composición

Mejor rola: Spiders (Hotel, 2005)

Aportación al cine: 169 participaciones en soundtracks entre cine y televisión, dentro de las que destacan Seabiscuit, Daredevil, Ali, The Beach y Heat, cintas que no lograron la comunión relevante con su música para convertir dichos momentos tan siquiera recordables, sin embargo también cuenta con 165 créditos como compositor, dentro de los que destacan variados cortometrajes.

Mejor aportación al cine: Quizá su pista más comercial, Extreme Ways se convirtió en un himno casi accidental gracias al éxito de la trama de Jason Bourne tras la ausencia detrás del hartazgo del cine de espías provisto por el otrora agenta “JB” James Bond. Dentro de toda la saga protagonizada y no por Matt Damon (Identity, Supremacy, Ultimatum y Legacy), los primeros acordes de Extreme Ways anunciaban el final de la aventura del agente amnésico para dar pie a la secuencia de créditos finales, siempre apoyado por un plano panorámico alejándose de la acción y del trágico protagonista tras nuevo concluir su persecución

 

 

  1. King Crimson (Reino Unido)

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Discografía de Estudio: 13 discos que datan de 1969 con el álbum In the Court of the Crimson King hasta el 2003 con The Power of Believe. Actualmente y tras constantes cambios en su alineación desde sus principios se mantienen activos a pesar de no publicar nada en 12 años

Mejor Disco: In the Court of the Crimson King (1969), primer álbum de la banda progresiva y de fusión jazz que consta solamente de 5 poderosas pistas, cada uno con sus agregados o a manera de sinfonía, compuesta de varias piezas unidas bajo el mismo fundamento musical. Carajos genios experimentales que en sus primera épocas no le pedían nada a Pink Floyd

Mejor rola: 21st Century Schizoid Man (In the Court of the Crimson King, 1969)

Aportación al cine: Solo 29 participaciones en soundtracks la hacen una banda de progresiva de acordes no muy adeptos al contexto narrativo de cualquier película. Destacan en Bling Ring donde se escucha su canción Power y a lado de Bruce Lee y su Karate a Muerte en Bangkok de 1971 sonando la sensacional Larks’ Tongues In Aspic, Part Two

Mejor aportación al cine: Sin duda alguna su aportación a una escena de alto poderío estético y en donde incluso hace una comunión visual con cierta referencia a otro de los grandes grupos de progresivo (Y su competencia directa en los 70’s): Pink Floyd. Por supuesto estamos hablando de la grandiosa Children of Men y ese momento de proyección al “cerdo capitalista” donde el Rey Carmesí y el puerco volador se funden en una gran metáfora auspiciada por el mexicano Alfonso Cuarón. Una secuencia memorable en la historia del cine.

 

 

  1. Creedence Clearwater Revival (Estados Unidos)

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Discografía de Estudio: 7 discos que datan de 1967 con el álbum homónimo, hasta el año de su desintegración 1972 con Mardi Gras. Solo 5 años bastaron para convertirse en una verdadera leyenda con un estilo único y unión de géneros como el country, rock y el blues

Mejor Disco: Cosmo’s Factory (1970), álbum de cierto riesgo para la agrupación que supone un pequeño cambio de estilo, primeramente por una serie de pistas sencillas que implicaban muy poca creatividad en composición y letra pero de alto disfrute en los acordes, estructura y repetición (Pegajosas al fin y al cabo); por otra parte incluyendo algún par de covers y dos baladas poderosas y por último, una pista con toques de progresivo que es un deleite de 11 minutos

Mejor rola: Long as I can See the Light (Cosmo’s Factory, 1970)

Aportación al cine: 127 participaciones en soundtracks tanto de cine como televisión, inclusiones que en variadas ocasiones se han posicionado como inolvidables. Destacan piezas como Born on the Bayou en variados churros en el giro de The Expendables; Run Trough the Jungle en la hilarante Tropic Thunder y en la reina de la comedia Big Lebowski y por supuesto, Fortunate Son en el clásico Forrest Gump.

Mejor aportación al cine: El amante de CCR más famoso en el cine es The Dude, personaje y pieza clave del cine en manos de los hermanos Coen en lo que quizá signifique su mejor y más honesta cinta dadas las condiciones de su comedia negra y satírica: Big Lebowski. The Dude está bajo una investigación, una pérdida de un maletín llena de dinero que torpemente ha perdido en una transacción de secuestro ¿El principal sospechoso? El que le robó el carro, al parecer un mocoso idiota que reprueba clases de historia en la escuela y al cual descubre gracias a sus cintas de Los Creedence y a Lookin Out My Back Door, bueno, y un poco de hierba también

 

 

  1. Cream y Eric Clapton (Inglaterra)

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Discografía de Estudio: 4 discos solamente, de 1966 con el lanzamiento de Fresh Cream hasta 1969 (Un año después de su desintegración) con su último álbum Goodbye, perfecto ejemplo de que es mejor calidad que cantidad. En cuestión a Clapton, el rockero del blues lleva ya de 1970 al 2014 veinticuatro álbumes de estudio, dese su disco homónimo un año después de la desaparición de Cream hasta dos colaboración con acaecido en 2013 J.J. Cale que dejan mucho que desear

Mejor Disco: Wheels of Fire (1968), penúltimo álbum de la banda que contiene en su versión original 9 poderosas piezas que conforme se avanza en su apreciación crece en genialidad. Sin duda uno de los mejores álbumes de la historia del rock y el punto inicial en donde ya se sabía que Eric Clapton sería un dios. En cuanto a este en solitario, la comercialidad se apodera de su servidor mencionando a su MTV Unplugged de 1993 como no solo su mejor versión, sino también como el mejor evento de esta serie musical.

Mejor rola: Para Cream, Deserted Cities of the Heart (Wheels of Fire, 1969); Para Clapton, Layla es su himno, el cual por cierto aunque fue compuesto por él, su primera versión fue lanzada por Derek and the Dominoes en 1971.

Aportación al cine: Entre Cream y Clapton suman 178 aportaciones a soundtracks de cine, televisión y videojuegos, de los cuales por supuesto destacan comuniones legendarias en su mayoría con piezas como Knockin on Heaven’s Door, Wonderful Tonight, Sunshine of your Love, Strangre Brew, White Room, Cocaine  y/o la misma Layla en The Breakfast Club, Lethal Weapon, Goodfellas, Lord of War, The Sopranos, The Simpsons, School of Rock, Snowpiercer o la reciente Captain Phillips. Así mismo, Clapton ha compuesto la música de 12 películas, entre ellas toda la serie de Lethal Weapon (1-4). Como dato curioso, ha sido actor en dos ocasiones, una en Tommy (1975) como un predicador; la otra en Blues Brothers 2000 (1998) como una versión alterna de él mismo.

Mejor aportación al cine: Creo que no hay discusión ni duda al respecto, el mejor Cream y el mejor Clapton hicieron una conexión onírica en la composición narrativa del clásico de Martin Scorsese, Goodfellas. La primera en cuestión es Sunshine of your Love, la cual se funde con el ritmo impreso del director y la presencia actoral de Robert DeNiro en una escena legendaria; la segunda es Layla, la cual es la acompañante ideal para la secuencia brutal de eliminación de testigos bajo la narración en voz off de Ray Liotta y de nuevo un timing preciso de Scorsese ¡Sublimes!

 

 

  1. Bob Dylan (Estados Unidos)

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Discografía de Estudio: 36 álbumes de estudio forman a la figura del amo y señor de la escena folk (Que ha incursionado también en los géneros country, blues, góspel y rock) en una carrera que abarca desde 1962 con su álbum homónimo hasta este 2015 con Shadow in the Night

Mejor Disco: Complicado decidir cuál es la mejor composición musical de Dylan, y es que este icono e influencia viva ha sido desde un elemento en contra de la opresión social con el folk más puro, hasta un ente metamórfico que al cambiar su estilo en varias ocasiones fue criticado fuertemente en una época por sus fans más acérrimos a pesar de no disminuir la calidad en su propuesta musical. En lo personal, me quedo con uno de los primeros estandartes de este cambio dado en 1965, donde Dylan planteó una propuesta más country y rock sin dejar de lado la composición folk: Highway 61 Revisited

Mejor rola: Doblemente complicado, pero su servidor se queda con The Times They Are a Changin, tema que abre y da el título a su tercer álbum de estudio de 1964

Aportación al cine: ¡545! Aportaciones a soundtracks del cine y televisión, sin duda siendo uno de los mayores referentes en dicho ámbito. Estamos hablando de participaciones en cintas como Forrest Gump, American Beauty, Big Lebowski, Scott Pilgrim, Watchmen, Brokeback Mountain, The Hurricane, Jerry Maguire, Natural Born Killers, entre muchas, muchas otras. Compositor de la música de 3 títulos donde destaca el western Pat Garrett and Billy the Kid (1973), donde incluso participa con un pequeño papel siendo el compinche músico de una banda criminal. Así mismo cabe destacar que su figura ha sido retratada en un par de destacables films: En Im Noth There (2007), siendo la fuente de inspiración de un relato surrealista sobre su carrera, etapas musicales y figura en general (Destacan las actuaciones de Cate Blanchett, Richad Gere y Heath Ledger como el músico), mientras que Inside Llewyn Davis (2013), es un elemento narrativo del folk de alta relevancia para cerrar el relato de los Coen.

Mejor aportación al cine: Aquí tampoco hay duda. Lo que hizo Zack Snyder en Watchmen fue uno de esos momentos imprescindibles en la historia del cine y sin lugar a cuestionamientos una de las mejores aperturas de créditos en cualquier lenguaje audio visual. La pista The Times They Are a Changing sirve al director para llevar a cabo el prólogo y estructuración necesaria para asentar las bases argumentales y narrativas del film de peculiares e ideológicos superhéroes. Una pieza musical compleja que engloba la historia americana en aquellos años 60’s que forma junto con las imágenes de Snyder y el argumento de la novela gráfica una crítica social acorde a las necesidades de dicha composición artística ¡Una unión inolvidable entre la música, el cine y las viñetas!

 

 

  1. Guns N’ Roses (Estados Unidos)

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Discografía de Estudio: Como en los viejos tiempos, bastaron solo 5 álbumes de estudio de 1987 (Appettite for Destruction) a 1993 (The Spaguetti Incident?) para forjar una leyenda en la escena musical (Del disco del supuesto regreso en 2008 llamado Chinese Democracy mejor ni hablamos)

Mejor Disco: En este caso es sencillo, y es que el Use Your Illusion II de 1991 es apoteósico. 13 de 14 pistas que parecen estar hechas por dioses del hard rock y que incluyen el cover de Knocking on Heaven’s Door, joya de arte incluso mejorada de la versión de Eric Clapton a la canción original de Bob Dylan (Quizá solo la última pista My World no logra la genialidad necesaria para figurar o compararse con las demás)

Mejor rola: Estranged (Use Your Illusion II, 1991)

Aportación al cine: 61 aportaciones al cine y la televisión donde destacan piezas como You Could Be Mine, Welcome to the Jungle, Paradise City, Sweet Child O Mine, Patience o la misma Knockin On Heaven’s Door en cintas muy recordables como Terminator 2, The Wrestler, Cape Fear o Interview with the Vampire.

Mejor aportación al cine: Quizá muchos recuerden a You Could Be Mine como la canción insignia de John Connor e incluso del mismo Terminator, sin embargo la fuerza narrativa necesaria vino de The Wrestler (2008), el magnífico drama de Darren Aronofsky en donde Sweet Child O Mine es usada como himno no solo del show sino de la conclusión de un luchador profesional en lo que parece ser su gran lucha de vida y despedida. Un momento para que cualquier macho desprenda la lagrima acompañada en un principio por la voz de Axl y los acordes de Slash ¡No hay piedad emocional! ¡Grande escena!

 

Continuará…

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Acerca del autor

El Fett   @El_Fett   cinescopia.com

El más realista y cabrón crítico de cine que pueda existir. Ente sin misericordia que tiene el halago de transmitir a los mortales su sentir y sabiduría en el mejor recinto sobre el séptimo arte. Cinéfilo de corazón y crítico crudo por vocación. Alter ego del Licenciado en mercadotecnia y RRPP Oscar M Rodríguez (FB) Sigueme en twitter @El_Fett


4 comentarios

  • De parte de México yo pondría tres casos que aparecen en una misma película, la música ayuda engrandecer esos momentos.
    1.- Lucha de gigantes
    2.- Sí señor
    3.- La vida es un carnaval

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  • Recién veo este post. Estábamos coincidiendo tan bien en gustos musicales (grandes King Crimson y Dylan, coincidimos hasta en las favoritas :O) y pones a los insufribles Guns ‘N Roses. Pero en general tienes buen gusto 😛

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